Harold Bloom. Cuentos y cuentistas. El canon del cuento.

Harold Bloom.
Cuentos y cuentistas.
El canon del cuento.
Traducción de Tomás Cuadrado
Páginas de Espuma. Madrid, 2009.

Entre Pushkin y Carver, Cuentos y cuentistas. El canon del cuento, de Harold Bloom que publica Páginas de Espuma, es un recorrido por la evolución del cuento contemporáneo a través de 39 autores.

Un siglo y medio transcurre entre la muerte del ruso y la desaparición del norteamericano. Un siglo y medio en el que la técnica del relato breve se va perfilando en torno a dos ejes: el cuento clásico, con sorpresa emergente y final cerrado que integra lo fantástico y lo cotidiano (Poe, Kafka, Borges, Cortázar) y el que arranca de Turgueniev y Chejov con sus finales abiertos y elusivos que llegan a la posmodernidad de Carver pasando por Sherwood Anderson y Joyce.

Un recorrido que empieza en el universo dantesco y purgatorial de La dama de picas, pasa por el tenebrismo irónico de Nathaniel Hawthorne, por la obsesiva frustración sexual de Andersen, por la parábola vampírica de Ligeia de Poe y la parábola prekafkiana de El campanario de Melville, por El capote de Gogol y los cuentos evasivos de Mark Twain, por las fantasías emersonianas de Henry James y un Maupassant que enseñó a Chejov a representar la banalidad en sus cuentos.

En el canon de Bloom están también O. Henry y sus sorpresas previsibles, Kipling y su dominio del tono, el humanismo desesperado de Jack London, Sherwood Anderson entre la limitación y la pureza, o Los muertos de Joyce, una obra maestra definitiva.

Un largo y profundo capítulo sobre Kafka, que escapó a su propia audacia, no creyó en nada y sólo confió en el imperativo de ser un escritor, deja paso a la lectura de Judas en flor, de Katherine Anne Porter, de El fin del asilo de Isaac Babel y de la Vuelta a Babilonia de Scott Fitzgerald como una elegía por la generación perdida a la que pertenecía también Hemingway, que es para Bloom el mejor escritor de relatos en lengua inglesa junto con Joyce.

En los últimos capítulos, un espléndido análisis de Lo que arde, de Eudora Welty; el esplendor inquietante de El marido rural, de John Cheever; el Bestiario de Cortázar; Las ciudades invisibles de Italo Calvino; Flannery O’Connor y Una vista del bosque, sólido y desagradable, y finalmente Catedral, de Raymond Carver, a quien -sospecha Bloom a partir de abundantes indicios- puede que hayamos sobrevalorado.

Cierra el volumen un utilísimo índice onomástico que permite localizar rápidamente las referencias a un autor o el análisis de un cuento concreto.

Gilbert & George

Málaga es la primera capital en Europa en acoger la exposición de estos grandes artistas británicos. El centro de Arte Contemporáneo presenta la primera gran exposición de Gilbert & George tras diez años sin exponer en España. Jack Freak Pictures, su serie más ambiciosa realizada hasta el momento, viajará a seis países europeos siendo España, y más concretamente, Málaga, la primera capital en acoger esta impresionante selección. La religión, la raza, la sexualidad o las críticas al establishment británico constituyen la base de una exposición en la que los colores blanco, rojo y azul que simbolizan la bandera británica se erigen como ejes centrales sobre los que versa la muestra. Se podrá ver hasta el 9 de Mayo.

En el CAC Málaga se puede ver también la obra de Eric Fischl con el título: “Corrida en Ronda”. Son acuarelas y pinturas de gran formato inspirándose el autor en una corrida de toros, más concretamente en la goyesca de Ronda del 2007. Es una forma más de ver como interpretan los artistas extranjeros nuestra fiesta nacional. Se podrá ver hasta el 4 de abril.

Antes de irnos de Málaga no dejar de ver en el Museo Picasso, en sus salas de exposiciones temporales, a Frantisek Kupka (1871-1957). Artista nacido en Bohemia, muy interesante y que comparte con el malagueño su continua búsqueda e investigación en torno al arte. Son obras que pertenecen a la colección del Centro Pompidou de París. En la muestra se pueden apreciar tres grandes periodos, que son: “…una abstracción más geométrica y otra más orgánica, con formas fluidas y biológicas que muestran su interés por todas las formas de la vida y las investigaciones científicas de su época, mientras que en los años 30 está más cercano a la abstracción pura”.

De la comunidad andaluza nos vamos a la comunidad extremeña para recomendar la exposición, en el Gran Casino de Extremadura en Badajoz, que lleva por título: “Radiografía de la locura”. Pretexto para reunir a Charlie Pujol, Sol Sánchez, Joaquín Balsa, Oscar Méndez-Lobo, Ángel Santiago Plata y José Manuel Velasco (que es quien os escribe), que asumen la locura como una rúbrica de lucidez, un exilio ritual, una forma de hacer girar el mundo. De Oscar Méndez-Lobo, escribe Rafael Canogar: “Manchas gaseosas o acuosas que protagonizan la superficie de sus obras. Pintura luminosa y vibrante, dónde el blanco, como elemento espacial, es parcialmente cubierto por manchas o veladuras que crean un tejido de espacios que nos ocultan o revelan la luz de un primigenio mundo en gestación”. El ya fallecido ideólogo, José Luis López Aranguren: “Pictóricamente, la obra de Charlie Pujol es un alegato a la locura, a los delirios de la memoria y el significado freudiano de los sueños. La psicología de los objetos cotidianos, filtrados por el sustrato de la poesía de autor, cargada de denuncia y crítica al sistema, dónde el impacto visual adquiere protagonismo, ajeno a modas y tendencias”. Algo de eso debió de ver también Yoko Ono, cuándo decidió invitar a Joaquín Balsa a New York para realizar un montaje en el cuarto de Ringo Starr: “Lo que hice fue suspender el colchón y las sábanas de Ringo en el aire, para expresar que el sueño de la humanidad está suspendido…focos y lámparas en el armario para exteriorizar la luz espiritual de cada individuo…y en el baño, un par de pinturas montadas en chapa galvanizada, para reflejar la belleza y elegancia del arte industrial”. Y si para Ángel Santiago Plata, el círculo encierra al Todo, principio y fin, estructurando su obra en series de módulos regulares, minimalista, austera en el color; para Sol Sánchez, el color es vida y muerte, para hacer visible lo invisible, que diría Paul Klée. Dice Eduardo Mendicutti sobre José Manuel Velasco: ‘Toda ruptura es otro paisaje, otra distancia, otra memoria, otro país. Un país levantado sobre el mapa lírico y emocional, escondido de todo cuanto conocemos y todo cuanto adivinamos”, y Antonio Gala, añade: “Ante estos cuadros hay que detenerse humildemente y esperar que ellos mismos, cerca de nuestro oído atento, pronuncien su palabra”.

Según palabras de la fundadora y presidenta de ‘The Cavern Art’, Sol Sánchez, son varios los proyectos que unen a los participantes de esta exposición hasta el 2012. Diversas exposiciones dentro y fuera de España, y una propuesta cinematográfica por parte de una productora mexicana de reciente creación -Indio no trabajarás-, que supondría su primera incursión en el cine, como actores y actrices. La película recrearía la vida de una serie de artistas al más estilo underground, resaltando los valores de amistad y compromiso, bajo un mundo de globalización, dónde permanecer con una ideología propia y consolidada, supone una herramienta de resistencia y supervivencia, informó ‘The Cavern Art’ en nota de prensa.

José Manuel Velasco y Joan Hernández Pijoan

Pegamos un salto en el mapa y nos vamos del sur al norte de España, concretamente a Barcelona, en este caso recomendamos visitar la Fundación Suñol de Barcelona, propietaria de varias y muy representativas piezas de Joan Hernández Pijoan (Barcelona, 1931 - 2005), donde exponen “La medida del tiempo. El transcurso de la pintura“, una secuencia de obras, algunas inéditas, de diferentes períodos, a través de los que el visitante descubrirá el carácter intimista y el proceso de observación de la naturaleza, como base de la creación de Hernández Pijoan. Gran artista al que conocí y guardo de él un magnífico recuerdo, tanto en lo artístico, como en lo personal.

De Barcelona nos vamos a Bilbao para recomendar una exposición de fotografías de Alberto Shommer que acoge el Museo de Bellas Artes de Bilbao (País Vasco, España). Es una retrospectiva desde 1952 al 2009, de este fotógrafo español de prestigio internacional, testigo político y social de un movido SXX.

El Museo de Bellas Artes de Bilbao revisa ahora la producción de este artista, nacido en Vitoria en 1928, por medio de más de cien obras seleccionadas con motivo de su retrospectiva. Una exposición que no debes perderte. Y que estará hasta el16 de mayo de 2010.

Y en el Museo Guggenheim de Bilbao, no os perdáis el homenaje póstumo al gran artista que es Robert Rauschenberg, del 13 de febrero al 12 de septiembre de 2010. Robert Rauschenberg: Gluts, una exposición formada por cerca de sesenta trabajos, que presenta un aspecto poco conocido de su obra en metal, gracias a fondos del Patrimonio Rauschenberg y préstamos de instituciones y colecciones privadas de varios países.

Y terminamos en Madrid para recomendar la exposición, en la Fundación Juan March, dedicada a Wyndham Lewis (1882-1957). Artista y escritor, fundó el Vorticismo –movimiento inglés de Vanguardia que se inició antes de la Primera Guerra Mundial en Gran Bretaña–, escribió más de 50 libros, redactó manifiestos, editó revistas y produjo una fascinante obra de energética variedad, que incluye desde sus composiciones cubofuturistas y abstractas hasta los más finos retratos . Se podrá ver hasta el 16 de mayo.

Y en la prestigiosa galería Jorge Ontiveros de Madrid inaugura la artista ecuatoriana, afincada en España, Mónica Sarmiento su último trabajo: “Naturaleza”. Como en la obra de Joaquín Torres-García, el pionero del Constructivismo Universal, Mónica Sarmiento también mezcla en su trabajo formas geométricas antiguas con temas PRE-colombinos. Usa materiales naturales para crear diseños y símbolos que semejan ser primitivistas. Mientras que la intención de Torres-García fue destacar las cualidades primitivistas al incorporar antiguos símbolos PRE-colombinos en su trabajo; los métodos de Sarmiento reflejan otro propósito: su trabajo es una gama de vibrantes colores e irradia una sensación de novedad. Especialmente al destacar los colores de la tierra.

Mónica Sarmiento de gran trayectoria profesional, y muy admirada por mí, ha sido capaz de conseguir esa identificación de la obra con un lenguaje particular y propio, que la diferencia de los demás. Se podrá visitar hasta el 21 de marzo.

Pero sin duda uno de los grandes acontecimientos artísticos ha sido Arco que aunque nos confirman que ha recaudado más dinero que el año pasado, también, es verdad, que el número de visitantes ha bajado y mucha gente del gremio coincidimos que ha sido unas de las más flojas; demasiado clasicismo y fotografía y sin apenas sorpresas, a pesar de la protesta de la Embajada de Israel, la cual ha promocionado a la perfección la escultura realista “sstairway to heaven” de Eugenio Merino.

Y para terminar dos exposiciones de dos grandes genios: Barceló y Monet, que son imprescindibles visitar. La primera, en la Caixa Fórum Madrid, de Miquel Barceló, uno de los creadores españoles más reconocidos internacionalmente. Son 180 obras las que forman el recorrido entre pinturas, cerámicas, gouaches, acuarelas, dibujos, carteles, libros y cuadernos de viaje, formando un relato que abarca desde los años 80, con obras como “El amor loco” o “Giorgione en Felanitx”, ambas de 1984, hasta una de sus últimas pinturas “La solitude organisative” (La soledad organizativa), que da título a la exposición. Sé puede visitar hasta el 17 de Marzo.

Y la segunda gran cita hay que verla en el Museo Thyssen de Madrid que en colaboración con la Fundación Caja Madrid, dedica a uno de los mayores artistas del movimiento impresionista: Monet. Presentado ahora en una inédita y fructífera réplica llena de conexiones con grandes de la abstracción como Pollock, Rothko o de Kooning. La exposición se llama “Monet y la abstracción”, en la cual podemos ver la relación e influencia que tuvo con el desarrollo de la abstracción durante la segunda mitad del s.XX. Un papel poco analizado hasta el momento. Se podrá disfrutar hasta el 30 de Mayo.

Os deseo que disfrutéis tanto o más que yo y que mis recomendaciones sean una buena guía para adentraros en este mundo tan diverso del Arte.

www.josemanuelvelasco.com
velascocom@hotmail.com

Un lento y ascendente sonido, fue llenando el escenario de la Sala Galileo Galilei cuando salieron a escena los músicos que acompañan a Nawja (que tardó diez minutos en salir) y que interpretaban un desconocido Siento el diablo en ti, hasta que la voz de tonos graves y susurros de Nimri les acompañó en la ejecución de la canción. Y esa fue la tónica del concierto, temas extensos llenos de matices musicales apenas interrumpidos por el leve susurro de Nimri y que convirtieron la actuación en un espectáculo a medio camino entre el pop oscuro y el rock experimental y progresivo. A los que se les unieron, letras llenas de referencias a su animalario particular de huesos y calaveras, lo que no es de extrañar cuando ella misma define el disco como: “un romance con Lucifer”. Letras extrañas y a la deriva (que Nawja dice que: “siempre buscan reflejar un sentimiento de desapego de lo natural, de la lucha contra el todo y de añoranza de lo simple”) y que van desde el “no sé quién soy” del Déjame pasar o el “pequeñas flores azules corren sobre mi piel” del tema Me tiene que doler.

Nawja inunda el escenario con su sola presencia, a la que apenas acompaña con leves movimientos arrítmicos de su cuerpo, y unos pasionales giros de su cabeza, manteniendo el tipo con su particular cigarrillo en una mano y el micrófono en la otra, lo que le permite encogerse dentro del minúsculo escenario cuando sus compañeros Alfonso, Javi, Borja e Iván interpretan sus sonidos delirantes en unos temas claramente extendidos en su parte musical, y en los que ellos ponen en práctica todas sus dotes interpretativas.

No obstante, los mejores momentos del concierto, se vivieron con temas como su single El Último Primate, Como un animal o Dirás la verdad, canciones más cercanas a ritmos pop más convencionales, y en donde Nawja acopla mejor su voz (ella misma se confiesa asustada ante la acogida que tendrá su interpretación en castellano) y que alguien me sugiere que tiene toques a la cantante islandesa Björk.

El final del concierto no podía ser otro que con su amigo Carlos Jean guitarra en mano en el escenario, interpretando uno de los temas que han compuesto juntos (¿Crime?), y que ya en inglés, nos mostraron a una cantante con una voz más potente y llena de energía, a la que se unieron sus grandes dosis interpretativas fusionadas con gestos de complicidad con el público, lo que despeja las dudas que su último álbum nos ha dejado.

No obstante, la multiplicidad de personajes y escenas que se desarrollan a lo largo de la película (carente de una estructura formal en cuanto a la narración de los hechos) nos permite hablar también de la incomunicación entre los personajes, arquetipos en algunas ocasiones de personas herméticas que cuando se dirigen a los demás, lo que relamente hacen es hablarse a sí mismos (como por ejemplo el personaje de la rica aristócrata interpretada por Anouk Aimée, o el intelectual Steiner al que da vida Alain Curry).

Pero el hilo conductor de todos los personajes es Marcello (Marcello Mastroianni) que gracias a su particular forma de vida, nos muestra la doble cara de la moneda que representa la ciudadanía de Roma en el año de 1960. Por un parte, existe una realidad descarnada, social, creyente y beata, que se va abriendo camino ante el inminente boom económico de los años sesenta; y por otra, existe la noche romana, con sus peculiares y a veces curiosos personajes, lo que le permite a Fellini rodar en dos planos distintos en cuanto a la gama cromática de blancos y negros, que sin duda alcanzan grandes dosis de belleza fotográfica en la celebérrima escena de la Fontana de Trevi y en ese no beso entre Marcello y Silvia (Anita Ekberg).

La Dolce Vita fue distinguida con la Palnma de Oro del Festival de Cannes en su edición de 1960 y con cuatro Oscar al año siguiente (1961), siendo también nominada como mejor película extranjera en esa edición.

Asimismo, desde el 17 de febrero y hasta el 13 de junio, se está exhibiendo en el CaixaForum de Barcelona la exposición que lleva por título “El circo de las ilusiones” y que recoge a través de las 400 piezas expuestas, las obsesiones y las fuentes de inspiración del universo felliniano. Viajando posteriormente al CaixaForum de Madrid.

La Dolce Vita, es una excelente película, que nos permite conocer el rico y magmático universo de ese gran creador que fue D. Federico Fellinni.

Ángel Silvelo Gabriel