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Criadas y señoras (The help): la necesidad de vencer al miedo

Ángel Silvelo Gabriel — Thu, 17 May 2012 21:04:05 +0000

¿Si perdemos la dignidad, qué nos queda? Las grietas de la vida, a veces se hacen tan grandes, que por infinitas, caemos por ellas hasta perdernos. Menos mal, que siempre queda un pequeño hueco en el que todavía nadie ha entrado a apagar el fuego de nuestro orgullo; y ese pedacito de nosotros que aún se mantiene vivo, se levanta con la sola necesidad de vencer al miedo. Y ahí es donde aparece Aibileen (Viola Davis) para enfrentarse a su constante derrota, y ahí también, es donde asistimos al inicio de la historia de unas vidas que merecen la pena ser contadas. El sur, el caluroso y profundo sur de los EE.UU., cuna de grandes escritores, en esta ocasión se nos muestra como un paraje donde parece que sólo reinan las mujeres, lo que sin duda es un acierto a la hora de abordar una historia que quizá ya nos han contado, pero que en Criadas y Señoras nos suena diferente.

Educadas, pacientes, cariñosas, ejemplarizantes o histéricas y egoístas, las actrices de esta película no hacen sino apuntalar el acierto de su director, Tate Taylor, a la hora de elegir el reparto, donde cada actriz podríamos decir que está perfecta en su papel. Nada sobra y nada falta en este relato de sueños rotos y de ilusiones futuras, que bajo el telón de fondo de la conquista de los derechos civiles en los años sesenta, nos proporciona una visión de una sociedad norteamericana cambiante y convulsa a través del múltiple caleidoscopio de los sentimientos más universales: el amor, el egoísmo, el miedo, el orgullo o de nuevo la necesidad de vencer al miedo.

Además del reparto, el otro gran acierto de este film es su desarrollo narrativo, donde a medida que avanza éste, asistimos a la creación de unas amistades y alianzas que rompen las barreras raciales para mostrarnos lo débiles que son éstas, pues los auténticos obstáculos que hay que derribar son los de la falta de imaginación o la de los falsos prejuicios basados en opiniones y conductas erróneas, pero con todo, lo que más nos llama la atención, es el cambio de las jóvenes señoras sureñas para con las criadas negras que las han criado cuando éstas eran pequeñas. Todo es tan injusto, que nos rebelamos sin apenas darnos cuenta, y de ahí nace nuestra empatía hacia unas mujeres valientes, pues del amor incondicional del ser humano como manifestación a la vez inocente y pura, asistimos atónitos a la transformación de esa pureza en un recalcitrante y estúpido comportamiento repleto de sinsentidos que no llevan a ninguna parte. En esa mezcla de amor-odio y de ternura-crueldad, que se encuentra convenientemente salpicada de buen humor e ironía, es donde Criadas y Señoras se hace con el corazón de sus espectadores, y de paso con su beneplácito, porque más allá de buenos y malos esta es una historia de vidas; de vidas que merecen ser contadas, porque su heroísmo está en su sencillez y en el amor infinito hacia el prójimo al que educan sin rencor. Ese grito de auxilio es el que han recogido millones de espectadores a la hora de apoyar a esta historia de una escritora que sueña con serlo y que acaba consiguiéndolo, y a otra que sin desearlo, el destino la acaba convirtiendo en la protagonista de una gran historia que nos narra la necesidad de vencer al miedo.

Ángel Silvelo Gabriel

Kennedy vs Nixon: el triunfo de la imagen

Cristóbal Villalobos — Thu, 17 May 2012 12:07:46 +0000

El 8 de Noviembre de 1960 el por entonces senador de Massachusetts, John Fitzgerald Kennedy, se convirtió, tras una de las más igualadas elecciones a la Casa Blanca, en el trigésimo quinto (y primer católico) presidente de los Estados Unidos. Hoy el recuerdo de uno y otro candidato, John F. Kennedy y Richard M. Nixon, es muy diferente, pero por aquel entonces el país estaba dividido. Pudo ser este evento, que tuvo lugar en Chicago el 26 de Septiembre de 1960, el primer debate político televisado de la historia, el que finalmente inclinaría la balanza del lado del candidato demócrata.
Ted Sorensen, por aquel entonces consejero de Kennedy, escribió hace dos años en The New York Times, en conmemoración del 50 aniversario del debate, un artículo donde despejaba dudas y desmitificaba algunos aspectos de aquel famoso momento. En ese escrito Sorensen destaca la importancia de aquel debate en la elección como presi-dente del senador Kennedy, pero rechaza la idea de que aquella noche se decantara de-finitivamente la balanza a su favor. Sin embargo Sorensen cree que a la hora de la elec-ción la enorme igualdad que se vivió fue finalmente resuelta por la actuación de Kenne-dy en aquel primer debate.
Lo curioso de aquel primer debate, de una serie de cuatro entre ambos candida-tos, es que la sensación de victoria fue diferente según el medio. Quienes oyeron el de-bate por la radio dieron como ganador al vicepresidente Nixon, sin embargo la audiencia televisiva, que llegaría a ser de 77 millones de espectadores, dio como claro vencedor al senador Kennedy. ¿Cuál es el porqué de esa diferencia? Y ¿Cuáles son las claves de la victoria televisada de Kennedy? En primer lugar Nixon estaba convencido de poder superar a su rival demócrata con facilidad. Como afirma Anthony Summers en su libro Nixon, la arrogancia del poder, el candidato republicano pensaba que si él siendo vicepresidente de Eisenhower había podido vencer en debate político al líder soviético Nikita Krushchev, acabaría fácilmente con el joven senador Kennedy.
Hay diferentes versiones de cómo ambos candidatos prepararon el debate. Sum-mers nos dice que al parecer la noche anterior al debate Nixon se negó a preparar nada. Aunque Sorensen afirma que el vicepresidente se aisló todo el fin de semana en el hotel con un entrenador. Por su parte Kennedy se pasó toda la mañana del día del debate en la azotea del hotel revisando los temas, a la vez que obtenía un bonito bronceado que sin duda le ayudaría ante las cámaras. Se decía que 15 minutos antes del debate Kennedy había estado con una prostituta, algo poco probable, pero que sin duda encaja con la idea de playboy que se ha tenido siempre de Jack (como le llamaban sus allegados).
La clave principal del triunfo de Kennedy en el debate fue la imagen. Por un lado el traje de color gris elegido por Nixon no parecía el más indicado, puesto que su figura se confundía con el fondo de un matiz similar. Kennedy con traje oscuro conse-guía resaltar su figura sobre el fondo, destacándole sobre el resto de personas que apare-cieran junto a él en pantalla.
La imagen favorecía claramente a Kennedy que tenía el aspecto de un hombre en forma, atractivo, bronceado y bien vestido. Mientras que Nixon había perdido peso, su traje le bailaba y su tez pálida le daba aspecto de enfermo. De hecho se puede decir que así era, el candidato republicano se había dañado la pierna en un incidente con una mul-titud durante la campaña. La herida acabó infectándose y tuvo que recibir una potente medicación durante aquellas semanas previas a las elecciones. John Ehrlichman, asesor de Nixon y uno de los que peor parado salió tras el Watergate, decía que el candidato republicano solía recurrir al alcohol o a las pastillas para poder dormir durante aquella agotadora campaña.
Al parecer, de camino al estudio, Nixon se golpeó la pierna herida, por lo que su estado pálido y sudoroso estaba más que justificado. Su asesor Ted Rogers, le aconsejó maquillarse, pero este se negó. Finalmente cuando Kennedy recibió unos polvos para disimular su tez rojiza, Nixon accedió a ser ligeramente impregnado con el mismo tipo de polvos, que mezclado con el sudor y su pálido rostro le daba mayor aspecto de en-fermo. Parece ser que cuando Nixon le preguntó al hermano de John, Bobby Kennedy, como le veía, este dijo “estás fantástico Dick, no cambies nada” sin duda, para el bien de los Kennedy, así era.
En cuanto a la actitud y al saber estar, Kennedy también ganó de calle, solo hace falta ver la imagen inicial del debate, donde podemos ver al candidato demócrata bien sentado en su silla con las piernas cruzadas y con clara actitud de tranquilidad y con-fianza, mientras Nixon está con las piernas abiertas y con aspecto derrotado, casi como un boxeador se sienta en su esquina al final del décimo asalto. Kennedy respondía a las preguntas del moderador directamente a la cámara, dando la sensación de estar hablán-dole directamente al ciudadano, mientras que Nixon en ocasiones cometía el error de mirar al periodista al responder.
La derrota de Nixon en televisión fue clara, pero en los tres siguientes debates bien maquillado, en mejor forma y con mejor aspecto, el candidato republicano estuvo mucho mejor, pero el daño del primer debate fue irreparable. Aun así en el cuarto y último debate Nixon quiso jugar una última carta y poner la baza de la imagen de su lado. Al finalizar ese último debate Kennedy, tras apagarse las cámaras, se acercó a su oponente para despedirse. Mientras hablaban en un tono distendido, Nixon, sin razón aparente, levantó el dedo índice y lo mantuvo de esa forma durante unos segundos ante la perplejidad del senador. El motivo pudo comprobarse cuando poco después apareció en la prensa la imagen de Nixon frente a Kennedy con el dedo levantado como el que alecciona a un niño. A pesar de aquel último intento de superar en imagen a Kennedy, el vicepresidente Nixon arrastró la losa del primer debate hasta el final.
Aquel primer debate televisado marcaría el futuro de la manera de enfrentarse a ese tipo de acontecimientos de nivel político. Russell Baker, articulista estadounidense de la época, escribiría después que tras aquel debate la imagen sustituiría a la letra im-presa como lenguaje político natural.

Carlos Pedrosa

Historiador

Sex dolls en Japón

Cristóbal Villalobos — Tue, 15 May 2012 13:18:42 +0000

Su cuerpo realizado en fino látex imita con cierto hiperrealismo al de una mujer. Sus ojos de cristal mantienen una mirada dulce y sensual otorgando cierta personalidad a su infantil rostro occidentalizado. El cabello, totalmente natural, puede variar en color y textura según preferencia del consumidor. El tamaño de los pechos es un extra, que se escoge al igual que el color de sus ojos, e incluso las cabezas pueden intercambiarse según la ocasión. Su esqueleto metálico las dota de flexibilidad para adaptar cualquier posición, a gusto de nuevo de las exigencias del consumidor.

Son las “Sex Dolls”, sin duda todo un éxito en el mercado japonés cuya demanda está creciendo considerablemente en otros mercados internacionales, sobre todo en Europa. Descendientes de las Datc Waifu, primeras muñecas hinchables que consolaban las apetencias sexuales de soldados holandeses, constituyen el ejemplo más evidente de las nuevas vanguardias de la tecnología robótica con esencia hentai y manga, al servicio de las apetencias más mundanas del ser humano. La revolución sexual asiática es evidente, y la tecnología se abre a este nuevo campo.

Mientras la mayoría de los consumidores japoneses reconocen que la adquisición de estas muñecas es para simple satisfacción sexual y valoran sus beneficios positivamente (sobre todo en cuanto a discreción y sexo sin contagios), otra gran mayoría coinciden en el uso de su “Sex Doll” como compañera sexual y no como exclusivamente una muñeca sexual. De hecho se les llega a adjudicar un rol totalmente “humano”, llegando a reproducir escenas tan cotidianas como ver la televisión, escuchar música sentados en un sofá o disfrutar de una plácida cena romántica.
Dada la creciente demanda de estas acompañantes sexuales, se trabaja en una próxima edición de “Sex Dolls” con rasgos aún más hiperrealistas, con una superación en la textura y con la novedad de incorporar distintos sonidos según la zona de contacto.

Lo que para muchos constituyen una absurdez antinatura, para otros muchos constituyen una mejoría en su vida diaria. Resultados del análisis sobre historias de vida de los consumidores, demuestran que las deficiencias en la interacción social, sumada al ritmo frenético de la jornada laboral, la disminución del tiempo libre, la presión constante de la moda y belleza y sobre todo la soledad de la vida “urbanita”, influyen directamente al uso de estas muñecas como compañeras imaginarias de metal y látex.

Pero hasta el momento, la posible interacción sensorio-emocional de un ser humano y un humanoide pertenece a una era robótica lejana que tan acostumbrados nos tienen los films de ciencia ficción del monopolio hollywoodense. ¿Será éste un prototipo posible de relaciones aceptadas socialmente que preludien nuestras interacciones sexuales en el futuro?. ¿Ocupará roles humanos más allá del puramente descargo sexual, trascendiendo de la propia ética y moral?. ¿Será algo tan natural e inminente en nuestra naturaleza, como el cortejo y la fase de enamoramiento, sustituido por una artificialidad naturalista?.

Sea como fuere, la realidad más evidente es que las “Sex Dolls” evolucionarán hacia una corporalidad aún más perfecta e introducirán cualidades que las humanicen aún más como demanda del mercado actual.

Antagónicamente, la juventud japonesa, como reclamo sexual masculino, trata de imitar la imagen femenina que proyecta el mundo manga, no sólo en sus características vestimentas o peinados, también con el cuidado obsesivo del tratamiento del cuerpo y rostro con el único fin de aparentar ser una muñeca. Curiosamente algunos buscan muñecas artificiales como mujeres reales y las mujeres no se consideran artificiales, sino muñecas reales.

Susana Colodrero López
Antropóloga y Educadora social

Adiós a la reina: los ojos y el corazón de su lectora

Ángel Silvelo Gabriel — Mon, 14 May 2012 12:03:44 +0000

Quizá no haya otro personaje histórico que suscite una mayor animadversión que María Antonieta (si exceptuamos a la última Zarina rusa), de ahí, que si ya no eran suficientes los atributos negativos del personaje, en este caso Benoit Jacquot (basándose en la novela de Chantal Thomas) añade uno más a larga lista previa que acechan al personaje, y echa más leña al fuego al mostrarnos el egoísmo amoroso de la Reina por la bella Gabrielle (la Duquesa de Polignac), lo que la aleja aún más de la realidad de un pueblo que se estaba muriendo de hambre. El contrapunto a esta nueva historia que gira en torno al último capricho regio, lo encontramos en la inocente Sidonie Laborde, lectora de la Reina, que tanto sus ojos como su corazón, le sirven a Benoit para mostrarnos la trastienda de un Versalles fútil, enrocado en sí mismo y al margen de lo que ocurría en el resto del país. En esos elementos ajenos a la Revolución se centra este relato que va desde la mañana del catorce de julio de mil setecientos ochenta y nueve al diecinueve del mismo mes y año, y en ese transcurso temporal asistimos a la caída del Antiguo Régimen, despreocupado por el futuro desenlace de los acontecimientos y fijando su máximo delirio en un sálvese quien pueda generalizado. La falta de valor e ideas contrasta con la intensidad amorosa y personal de una Reina que no sólo asiste al derrumbamiento de un imperio sino también de su último gran capricho amoroso (Gabrielle de Polignac). La sensualidad desbordante en las miradas de Diane Kruger, en sus manos y en la forma de posar sus palabras sobre su amada o al inicio de la película sobre su lectora, son lo mejor de un film que adolece de intensidad y de convicción a la hora de transmitirnos los graves acontecimientos que dan origen al inicio de la Historia Moderna. Y así, los magníficos decorados de Versalles y los excelsos vestuarios de los actores, contrastan con la falta de trascendencia de una historia que se queda sin la necesaria y justa excusa argumental de aquello que se nos relata, si obviamos el giro inesperado del final, en el que quizá cobre sentido toda la historia.

Lèa Seydoux es sin duda ese otro brazo de la balanza donde se sustenta el interés de la película, que retrata magníficamente lo que era y lo que significaba el status regio existente hasta entonces, y como ejemplo de lo expuesto, baste observar la forma de acercarse y alejarse de Seydoux de la Reina, que aún profundiza más en una especie de pozo de los sentimientos cuando confiesa que ella no es nadie. Su mirada, sus labios, su piel a la vez blanca y virginal, que contrasta con sus ojos, inquietos y nerviosos que buscan el porqué de lo que ven, son quizá el mejor ejemplo de la distancia que separa lo viejo y lo nuevo, lo perdido y lo que está por surgir, en el transcurso de unos días que cambiaron el desarrollo de la Historia de la Humanidad, y que Benoit deja en manos de los ojos y el corazón puro de la lectora de la Reina.

Ángel Silvelo Gabriel

Retrospectiva de Bengio en la “Noche en Blanco”

Jesús Nieto — Thu, 10 May 2012 20:37:50 +0000

Jorge Bengio, destacado pintor malagueño, ofrecerá una antología retrospectiva de su obra en el bar Friends & Mojitos, en el contexto de la “Noche en Blanco” que vivirá el sábado la capital de la Costa del Sol. El artista malagueño es uno de los precursores de la corriente denominada como “generación pictórica del botellón”, aunque matizada por una influencia patente del neoexpresionismo y una reinvención genial de las vanguardias del siglo pasado.

El acogedor local se encuentra situado en la calle Lezcano, 6, en el entorno de la plaza de la Mitjana.

F. Scott Fitzgerald, Mi ciudad perdida (ensayos autobiográficos): crónica del éxito que la fina grieta del tiempo convierte en fracaso.

Ángel Silvelo Gabriel — Thu, 10 May 2012 10:44:12 +0000

Nadie como Fitzgerald ha descrito esa fina frontera que separa el éxito del fracaso. Él emplea el término “grieta” como un estado mental que se apodera de uno sin darse cuenta. Esa sensación que te atrapa como una jaula infinita, y que uno desconoce que existe hasta que un día te despiertas sobresaltado al comprobar que ya no eres quien creías ser, ni sientes lo que deberías sentir, y ni siquiera te ves capacitado para seguir viviendo, porque necesitas estar fuera del mundo aunque éste no te deje marchar. Este crack-up íntimo y personal se desplaza por el tiempo y por tu vida sin compasión para decirte que ya nunca serás quien soñaste que ibas a ser, y de paso recordarte todo aquello que nunca debiste hacer. Caes y caes, pero en la caída no te rompes definitivamente como tú quisieras, porque sólo te agrietas y ahí permaneces suspendido entre la nada y el todo, en un lugar donde ni la poesía que un día descubriste te puede salvar, y te limitas a esperar que llegue el final; un final demasiado prematuro, pero que al fin y al cabo es tuyo y de nadie más, y que se postula como la última expresión esencial de ti mismo. Luego… luego sólo queda la nada.

Sólo por volver a recuperar los relatos que llevan por título La quiebra y Unir una cosa con otra, ya merece la pena leer y poseer la excelente edición que Zut ediciones ha hecho de la mano de Yolanda Morató, de estos denominados como ensayos autobiográficos del gran F. Scott Fitzgerald. A veces las palabras sobran, pero en este caso, son el máximo exponente de lo que uno quiere decir, y para ello nada mejor que emplear las palabras con las el propio autor cierra el segundo de los relatos anteriormente mencionados: “(veo por el reloj que ha pasado el tiempo y apenas ha llegado a mi tesis. Tengo algunas dudas sobre si esto es de interés general, pero si alguien quiere más, queda muchísimo, y el director de la revista se lo dirá. Si ha tenido suficiente, dígalo… pero no demasiado alto, porque tengo la sensación de que alguien, no estoy seguro de quién, está profundamente dormido… alguien que podría haberme ayudado a mantener mi negocio en marcha. No fue Lenin, ni tampoco Dios)”.

El sueño dorado, como forma de entender la vida, siempre marcha paralelo a nuestra existencia, hasta que de pronto un buen día nos despertamos y nos damos cuenta que todas las luces están apagadas. Ese es el idílico y fatídico trayecto que recorre Fitzgerald en esta magnífica recopilación pensada y creada a conciencia, y que él protagonizó como nadie. Baste citar el relato Mi ciudad perdida (una extraordinaria composición literaria) para darnos cuenta de lo bien interiorizado que él tenía una época y una forma de vida; en él, Nueva York y la mirada que el propio Fitzgerald lanza sobre la ciudad, son una magnífica recreación de los sentimientos y los sueños de la generación que salió a la vida después de la Primera Gran Guerra; y lo hizo con ganas de juerga y diversión, y una necesidad de vivir de otra forma a como lo hicieron sus padres. Ese brillo está perfectamente plasmado en los primeros relatos de esta recopilación, donde el autor nos narra su preocupación acerca de cómo debe ganarse la vida entre novela y novela, que con el paso del tiempo, lejos de convertirse en un desagüe por donde se ha desperdiciado su talento, se está erigiendo en un más que clarividente ejemplo de la grandes dotes de escritor y observador que Fitzgerald tenía, lo que le convierten sin miedo a equivocarnos, en uno de los genios de la literatura del siglo XX, del que desafortunadamente no tenemos la producción literaria que nos hubiese gustado atesorar, lo que también acrecienta su categoría como mito. Mito o no, a veces las carreras literarias son breves, pero intensas, como en el caso de este genial escritor norteamericano.

París, Roma, Nueva York, el Jazz, Hemingway, Gertrude Stein… todos están dentro de la producción de este soñador del Medio Oeste que un día quiso ser jugador de fútbol (americano) y que por culpa de una afección pulmonar (que años más tarde se descubrió que era tuberculosis) tuvo que dejar la presidencia del Triangle Club de su querida Princeton. Si su obra tiene la poderosa magnificencia de poder atravesar el transcurso del tiempo para permanecer en él, es porque consiguió dibujar en una cuartilla en blanco el viento que recorre el alma en los anocheceres de verano, justo en ese preciso instante donde todo está a punto de ocurrir; y es en ese juego de los deseos sin cumplir, donde su pulso no falla, pues es capaz de hacernos revivir esos días donde cada uno de nosotros fuimos felices, aunque sólo lo fuéramos una única vez, pero al fin y al cabo era la nuestra.

Ángel Silvelo Gabriel

Second, 15: los eternos aspirantes se coronan como los nuevos reyes del panorama musical español.

Ángel Silvelo Gabriel — Tue, 08 May 2012 20:18:37 +0000

Difuminados tras unas pantallas retráctiles, las siluetas de Sean, Javier, Jorge, Nando y Fran hacen su aparición sobre un escenario iluminado a contraluz, que casi sin darnos cuenta, hacen suyo. La magia de este grupo no está sólo en sus canciones, sino en las múltiples y a cada cual mejor versión que crean sobre las mismas. El pasado dieciséis de diciembre, en un Teatro Circo de Murcia abarrotado, arrancaron este emblemático concierto con Mañana es domingo, y sólo con escuchar los primeros acordes de la canción, los asistentes ya suponían que estaban ante una nueva y mejorada versión de Second. Mañana es domingo sonó contundente, perfecta, limpia e intensa, como si fuera la primera vez que la escuchábamos, y en esa superficie inmaculada sobre la que se desplazan los teclados, el bajo, las guitarras, la batería y la voz de Sean asistimos obnubilados al nacimiento de una nueva canción y de un nuevo grupo. Second se comportan como unos auténticos lutier de la música, acariciando con sus manos y su voz unas composiciones que alcanzan la categoría de míticas. En este sentido, para todos aquellos que no pudimos asistir a este concierto único, y repito el calificativo de emblemático, no paramos de asombrarnos por esa capacidad de reinventarse a sí mimos de Los Cinco de Murcia.

La realización de la grabación del concierto está presentada en cada corte con lo que podríamos denominar como las bambalinas de los ensayos y la preparación del gran día, y entre canción y canción, vemos detalles e instantes de cómo se ha ido gestando este disco. 15, es sin duda, la constatación de que Second están llamados a ser más grandes, porque no hace falta sino escuchar El eterno aspirante (el único tema nuevo del disco) para darnos cuenta de la gran madurez como letrista de la mejor voz del pop español, porque Sean Frutos está tocado por la varita mágica de la inspiración más arrebatadora, y en El eterno aspirante nos regala una letra enigmática, envolvente y única que transforma una gran canción en esencial. Por lo escuchado, tras esa canción podemos estar esperanzados a la hora de por dónde van a ir los nuevos sonidos de Second porque sin duda prometen altas dosis de la mejor música posible.

La introducción de la secciones de cuerda y de viento, hacen brillar sobremanera a unos temas brillantes de por sí, y es digna de destacar la coordinación de las cuerdas de los violines que compiten en ímpetu, fuerza y arrojo con las cuerdas de las guitarras y el bajo de Jorge, Nando y Javi, y sencillamente hay que decir que están sublimes, lo que dicho de paso, no nos extraña que grupos como Vetusta Morla tire de ellos a la hora de explorar nuevos sonidos en directo.

Con Demasiado Soñadores sigue esa fuerza innata en las composiciones de Second, y la canción suena a música celestial y se comporta como una extraordinaria demostración de la madurez del grupo, que ha conseguido darle a este tema una contundencia y una congruencia que para nada tenía la primera vez que los escuchamos en la Sala Joy Eslava como adelanto de lo que hasta la fecha era su último lp, ¡chapó!; y que le sirve al grupo para caer rendidos ante la mística sonora de Muérdeme, una de sus grandes canciones que en 15 suena inigualable, con una perfecta y mágica combinación entre las cuerdas de los violines y las guitarras, que le proporcionan un final apoteósico y que le da un vigor especial, como especial es este delirio sonoro llamado Muérdeme, que en el disco se enlaza con Psicopático (digo esto, porque el orden de las canciones en el CD y en el DVD es diferente) con uno solos de guitarras inmaculados, que se transforman a la perfección en un shock psicopático, con Sean como maestro de ceremonias y un Jorge Guirao sublime a la hora de dar la chispa necesaria a este pogo moderno.

La versión de Rincón Exquisito gana en intensidad con respecto a la que conocíamos, y en donde una vez más los violines se consolidan como grandes protagonistas de este sonido brillante y único de Los Cinco de Murcia. Este espléndido preámbulo es el que les sirve para presentarnos el ya comentado El eterno aspirante, magnífica canción, donde Second recrea con maestría esos nuevos espacios musicales que nos dejan con ganas de más, porque esta canción tiene el simbolismo de un sol naciente que de repente se colorea con una capa rojo pasión que nos derrite. Con A las 10, Second inicia lo que podríamos denominar como set acústico, en el que de nuevo nos deleitan con nuevos matices y notas que no sabíamos que existían y que en Más suerte se convierten en un penetrante viento romántico con ecos de un tango moderno, acústico y melancólico que consiguen hacerla muy especial, hasta caer en ese blanco y negro de las imágenes de N.A.D.A, tema bandera que aquí suena más pausado, pero no menos intenso.

Behind the pose es una vuelta a sus orígenes y al inglés, y donde el sonido se transforma con claros matices anglosajones plenos de fuerza e intensidad, que se torna en una luna pasajera y caprichosa en la psicodélica Watching the moon, donde un ojo de halcón nos muestra la buena relación que Sean mantiene con el micrófono al que permanece pegado durante todo el concierto, como si fuera el único asidero al que agarrarse en el delirium tremens sonoro y musical que interpreta a las mil maravillas. Igual de impecables que se muestran en los medios tiempos, se postulan en la intensidad de Autodestructivos, que de paso les sirve para interactuar con un público entregado y embelesado por lo que ven y oyen (elegante y acertada escenografía) y que sin duda es la pieza perfecta para encarar el sprint final con Invisible y la ya mítica Rodamos.

Por lo visto y oído, podemos decir que los eternos aspirantes se han coronado como los nuevos reyes del panorama musical español.

Ángel Silvelo Gabriel

Exposición fotográfica de Hoppé en la Sala de Exposiciones Azca, Madrid (Fundación Mapfre): la foto fija más íntima de una época.

Ángel Silvelo Gabriel — Mon, 07 May 2012 15:19:58 +0000

Una persona, un rostro, la quietud y el silencio de un estudio de fotografía o la inmediatez de la calle, le bastaron a Hoppé para convertirse en el testigo mudo y visual de toda una época; esa en la que Europa sale del letargo final del siglo XIX para poco a poco adentrarse en el inicio de una nueva sociedad, donde los estamentos sociales se resquebrajaron para producir un mundo nuevo, distinto y convulso, aunque entre guerra y guerra se produjese el fenómeno de los alegres años veinte. En esa pasarela viva que transcurre delante de sus ojos, es la que Hoppé se apresuró a retratar como una imagen fija que va más allá de la mera mirada, pues con esmero y meticulosidad, fue capaz de cruzar la frontera que separa a los ojos de sus retratos, de la mirada íntima de sus personajes, dotándoles de una aureola, misterio y grandeza que sólo él supo extraer de cada una de sus instantáneas, para convertirlas no en meras fotografías, sino en magníficos documentos gráficos de toda una época, donde el paso del tiempo nos confirmó que todavía todo estaba por hacer.

En contraposición con su estudio, Londres fue el teatro de los sueños que Hoppé recorrió con su cámara escondida bajo una bolsa de papel para retratar a esos personajes anónimos recogidos en la exposición el epígrafe de Tipos londinenses en donde esta vez, el artista recurre a la inmediatez y a la naturalidad en sus instantáneas como meros suspiros de las vidas que pasan delante de su objetivo. Aquí la fuerza de la imagen se diluye en aras de la investigación social acerca de un sinfín de rostros y oficios: taxistas, carteros, empleados de circo, chicas leyendo en un autobús, son flashes que por sí mismos reproducen ese caleidoscopio mágico y cosmopolita que milagrosamente se reproduce pacíficamente en la gran ciudad de Londres, punto de encuentro de todas las razas y clases sociales. Y es en esa línea del horizonte reconvertida en una ínfima línea vertical que todo lo aglutina, es donde se dan cita sus inquietudes y sus personajes.

Pero no sólo de rostros anónimos se compone la estupenda exposición fotográfica de Hoppé, sino que en ella también asistimos a la semblanza de lo más granado de aquellos años, en una serie de fotografías que van desde la realeza pasando por escritores, artistas en general, científicos y poetas, hasta los bailarines más insignes de la época, donde Hoppé se detiene en el estudio del cuerpo y su fuerza expresiva para mostrarnos en toda su amplitud la evanescencia del movimiento bajo la nostálgica pátina de fondos blancos que se difuminan con los cuerpos y sus vestimentas.

Aunque quizá el mayor contrapunto entre todas estas magníficas instantáneas, lo observemos en la serie titulada Las bellas, donde Hoppé se detiene en la expresividad y naturalidad del rostro y el cuerpo femenino, que va desde el halo angelical de la futura Reina madre, pasando por la fuerza expresiva del retrato de su hija Tilly Losch hasta esa dejadez casi romántica de los cuerpos desnudos que retrata, donde la sensualidad es más prototípica que erótica, dejando entrever la dulce inocencia de una época que todavía no ha despertado del todo, y que él trata de romper al darle el mismo protagonismo a la mujer en sí misma, ya sea ésta blanca o negra, rica o pobre; despojándola de todo prejuicio racial o de clase, y buscando únicamente la belleza de una mirada, una expresión o un movimiento. Lo que nos lleva a decir sin temor a equivocarnos, que las fotografías de Hoppé son la foto fija más íntima de una época.

Ángel Silvelo Gabriel

Margin Call: las horas previas a la gran tragedia.

Ángel Silvelo Gabriel — Mon, 30 Apr 2012 18:06:51 +0000

La pena que Kevin Spacey muestra al inicio de la película por su perro enfermo de cáncer a punto de morir, así como la imagen de éste al final de la misma cavando la tumba del animal en el jardín de su ex esposa, son dos magníficas secuencias donde el director del film J.C. Chandor nos muestra de una forma más que didáctica el inicio de la apocalipsis en el que ha convertido la crisis financiera que se inició en el año 2008, y que nadie (incluso a día de hoy) sabe hasta dónde va a llegar o hasta cuándo va a durar. El final del Estado del bienestar en los países desarrollados se convierte así es una gran tragedia griega, larga y de dimensiones devastadoras, y que como en el teatro, se nos narra la caída de un personaje importante, que en nuestro caso, es toda una civilización y una forma de vivir y entender la vida. Margin Call nos narra todo eso desde un punto de vista muy teatral, donde los escenarios se comportan como puntos de inflexión a la tensión que se plasma en las caras y los gestos de los protagonistas que representan muy fielmente todos los arquetipos de las virtudes y defectos del ser humano: egoísmo, codicia, avaricia, pérdida, pero también inteligencia, fidelidad y la cordura que nos asiste instantes antes de la muerte o de la mayor de las hecatombes.

Uno de los grandes aciertos de esta película, es que nada escapa a esta escenificación de la gran tragedia, y así, las pantallas de los ordenadores que nunca se apagan, son los espectadores mudos de todo ello. Máquinas diabólicas que son capaces de engendrar toda la información de la debacle, pero su incapacidad para dialogar con el ser humano si no se les aprieta la tecla correcta, les hace engendrar esa característica de armas homicidas poseedoras de una verdad silente y destructiva. Del mismo modo, que aquí Nueva York no es la gran amante o posibilitadora del poder, sino mas bien se nos muestra como la gran cloaca de la corrupción humana; la puta de las vanidades que nos arrastra hasta destrozarnos.

Jóvenes con gran futuro o mayores cargados de experiencia y madurez, sucumben por igual ante el gran tsunami, que como en toda gran destrucción, son arrastrados por un mito. Sin embargo, el mito en nuestro caso no está cargado de un gran epicismo, sino que se constriñe a un billete plagado de fotografías reproducidos una y mil veces hasta el infinito. Ese es el gran asunto de las sociedades modernas, que como nos dice Jeremy Irons en el film, es la excusa para no matarnos los unos a los otros. Un gran sarcasmo que nos reduce a meros coleccionistas, pero no de sabiduría o conocimiento; experiencias o sensaciones; no, todo se reduce a la codicia del dinero, y aquí Margin Call se muestra implacable con todos y cada uno de sus personajes, que como espejos arquetípicos del ser humano, nos dicen cómo somos y cómos nos comportamos las horas previas a la gran tragedia.

Ángel Silvelo Gabriel

Trilogía de la ocupación, de Patrick Modiano

Cristóbal Villalobos — Fri, 27 Apr 2012 13:24:22 +0000

Modianesco, ese es el adjetivo principal con el que se puede calificar “Trilogía de la ocupación”, volumen en el que la editorial Anagrama ha tenido a bien compilar las tres primeras novelas del francés Patrick Modiano: “El lugar de la estrella” (“La Place de l’étoile”, 1968), “La ronda nocturna” (“La ronde de nuit”, 1969), y “Los paseos de circunvalación” (“Les Boulevards de ceinture”, 1972).
La recuperación de estas tres novelas suponen la recuperación del Modiano originario, aquel que revolucionó el panorama literario francés con veintitrés años, desmintiendo a las voces de expertos que sugerían que la novela francesa contemporánea se encontraba en crisis y decadencia. Su irrupción supuso un soplo de aire fresco que le catapultó, con estas tres primeras obras con las que inició su fulgurante carrera a finales de los sesenta del pasado siglo, a la consecución de los premios literarios franceses de mayor prestigio: los premios “Roger Nimier” y “Fénéon”, con “El lugar de la estrella”, y el “Gran Premio de la Academia Francesa”, con “Los paseos de Circunvalación”, con la que convertiría con menos de treinta años en todo un autor de culto.
Patrick Modiano nos regala tres narraciones diferentes, no excesivamente largas, que no forman parte de una trilogía al uso, de hecho fueron escritas como obras independientes, pero que la editorial agrupa en esta estupenda trilogía basándose en el ambiente de éstas. Las tres obras navegan por unos paisajes tenebrosos, en los que el sueño, la pesadilla, la realidad y la locura se entremezclan con uno de los episodios más turbios y negros de la historia reciente francesa: la ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial y, lo que resulta más interesante aún, todo el panorama del colaboracionismo francés.
Estas obras, y por tanto toda la trilogía, suponen un doble viaje para el lector. Por un lado, a través de las ensoñaciones y traumas personales del autor, con la figura del “padre” como elemento recurrente y con unas divagaciones que nos muestran a un escritor de cultura inmensa, para la edad con la que escribe estas novelas, conocedor absoluto de la literatura y la historia francesa tanto clásica como reciente. Por otro lado, se realiza un paseo, o más bien un viaje peligroso, por el lado más decadente y siniestro de la sociedad colaboracionista francesa, uno de los episodios más vergonzantes de la Historia Contemporánea del país galo y, por consiguiente, de las más ignoradas por su Literatura. Un viaje entre el más vehemente antisemitismo, la más frívola violencia y la más descarnada corrupción.
“El lugar de la estrella” es la historia de Raphael Schlemilovitch, un joven judío, rico, culto y frívolo, amigo de los ocupantes, que construye a lo largo de toda la novela el soporte ideológico de su desaforado antisemitismo y que, a la vez que considera a Louis-Ferdinand Céline como uno de los más grandes escritores judíos de todos los tiempos, acaba en el diván de la consulta de Sigmund Freud.
“La Ronda Nocturna” narra la historia de un personaje cuyo apellido no conocemos hasta el final de la historia. Un agente doble que se pasea por los ambientes más turbios entre trapicheadores, delatores, traficantes y contrabandistas, y que acaba por infiltrarse en la “Organización de Caballeros en la Sombra”, la resistencia, para deshacerse de su cabecilla, que acabaría siendo él mismo.
“Los paseos de la circunvalación” constituye un fantástico epílogo a las dos obras anteriores. La historia de Alexandre Serge, que busca a su padre tras diez años sin verlo y acabará sumido en asuntos de dudosa reputación.

El estilo “modianesco” es definido por José Carlos Llop, en el muy acertado prólogo de la obra, “como si Scott Fitzgerald y Dostoievski salieran de correría nocturna y en vez de bares hubieran visitado varios círculos del infierno”. Una obra difícil para el lector, pero sin duda interesantísima, con un estilo que, entre las tinieblas, acaba por atraparte, como si te hipnotizara. Un viaje que merece la pena realizar. Sin duda.

Cristóbal Villalobos

Escritor