A pesar de todo, el ambiente  cálido y festivo de la Navidad genera un poquito de optimismo y alegría. Son fechas de compras y regalos y aunque tengamos que apretarnos un poco más el cinturón, porque  la crisis que tenemos  no es ninguna tontería y es  “para preocuparse”. Pero no debemos de perder la esperanza de que podamos entre todos resolverla, sobre todo por lo indignante que resulta ver tantas personas en paro y una juventud también desencantada. Creo que este cambio en elecciones nos haga reflexionar y darnos cuenta que no se puede ser cigarra por mucho tiempo y que el ejemplo de las hormigas es mucho más productivo, sobre todo ahora, en fin, que cada uno saque sus propias conclusiones.

De todas maneras  para quienes disfrutan con el arte, como yo, esto sigue siendo un método muy bueno  para olvidar un poco los problemas diarios y de hacer frente a la crisis con una actitud optimista. Yo me siento feliz de hacer estas humildes recomendaciones, de las cuales unas gustaran mas que otras, “faltaría mas”,  pero, eso sí, respetando siempre a todo el mundo, pues  “para gustos, colores”.  Recomendaciones siempre positivas, ya que de todas siempre se aprende algo y creo, cómo una vez me dijo un celebre y muy notable amigo escritor”…en la vida lo importante es avanzar, nos caemos, pero nos  levantamos, y seguimos andando…”. Después de esta reflexión, vamos a lo nuestro que es recomendar arte y que con esta crisis, siempre tenemos la posibilidad, en  la mayoría de las veces, de verlo gratis. También  es una forma de evadirnos, gozar, meditar, reflexionar y sentirnos en paz con nosotros mismos que tanta falta nos hace.

Empezaré por Madrid recomendando, en  la Academia de San Fernando, “Los orígenes de la fotografía en tres dimensiones “, que presenta una interesante exposición sobre fotografía estereoscópica, una técnica que surgió a mediados del siglo XIX y que se convertiría en el origen de lo que hoy conocemos como 3D. La exposición es el resultado de un proceso de investigación llevado a cabo por un grupo de fotógrafos y expertos en estereoscopía de toda España que ha durado más de seis años. Carlos Sánchez y Javier Piñar, comisarios de la muestra, han dirigido este proyecto que ha sacado a la luz “un ingente material fotográfico sobre España, que enseña una antigua y desconocida imagen del país”.

La muestra que se inaugura reúne más de un centenar de piezas, entre libros de viaje e imágenes de reconocidos fotógrafos, documentos sobre fotografía estereoscópica y cámaras y visores correspondientes, que dan cuenta del nacimiento de esta nueva técnica óptica.

Además de ilustrar cómo nació esta técnica fotográfica en la década de los 40, la exposición saca a la luz alguna de las primeras fotografías que profesionales franceses realizaron de España. Joseph Carpentier, J. Andrieu o Ernest Lamy captaron imágenes que se difundían posteriormente en Francia y que dieron a conocer la sociedad española en Europa.

Asistimos al surgimiento de la fotografía de viajes en una época, el siglo XIX, en que España se consideraba un destino exótico e ineludible para los artistas.

La muestra se organiza en varios ámbitos temáticos. En primer lugar, El viaje fotográfico a España, donde vemos la producción de fotografía estereoscópica sobre España en el momento de máximo auge de la literatura de viajes. En un segundo espacio, El artificio y la explotación de la visión espacial, vemos los esfuerzos e investigaciones que dieron como resultado la obtención de la visión tridimensional y su aplicación a la fotografía.

La exposición se cierra con un nutrido repertorio de imágenes elaborado por Carpentier, Lamy y Andrieu y las empresas editoriales de los hermanos Gaudin y Ferrier-Soulier. Imágenes que muestran escenarios del poder político como palacios, puertas urbanas o puertos de mar. Se podrá ver hasta  el 22 de Enero.

En el Museo Reina Sofía de Madrid, en el  edificio Sabatini, y Edificio Nouvel,   comisariaza por: Daina Augaitis  se puede ver “Encuentro, Entre/Between”, del artista, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942). Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedia a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos. Hasta el 26 de marzo de 2012.

Continuamos en Madrid. Si dais un paseo por el parque del Retiro no dejéis de visitar la exposición de la magnífica artista Soledad Sevilla (Valencia, 1944), cuyo título es “Escrito en los cuerpos celestes”. En esta muestra ha tratado de explorar las relaciones entre luz, materia y espacio, combinando el rigor analítico y el orden geométrico con la búsqueda de una experiencia sensorial y orgánica. Sus obras poseen una lógica poética interna que las singulariza y en ellas desempeñan un papel fundamental la evocación de lo intangible, la reflexión en torno al tiempo y el lenguaje, la presencia de lo paradójico o la investigación sobre las condiciones perceptivas de los sentidos.

De una pintura de carácter serial y geométrico, Soledad Sevilla ha ido derivando en una abstracción más “lírica” en la que se busca una complicidad entre lo emocional y lo racional y la geometría se convierte en una herramienta para el análisis espacial. A mediados de los años ochenta comienza a realizar sus primeras instalaciones que ella concibe como un medio complementario al pictórico, estableciendo entre ambos un fértil proceso de retroalimentación. En sus instalaciones -que se sitúan en la frontera entre la escultura, el land art y la arquitectura.

Escrito en los cuerpos celestes es una instalación creada ex profeso para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid. En ella Soledad Sevilla reproduce la bóveda y las paredes de este edificio a través de una estructura de aluminio y de una serie de paneles de policarbonato que recrean la imagen de un cielo nocturno en el que flotan, como si fueran estrellas ordenadas aleatoriamente, diversos signos lingüísticos. Es decir, el Palacio de Cristal, que en su origen fue un invernadero para plantas tropicales, alberga en su interior una réplica de sí mismo que funciona como su segunda piel. Una piel porosa y efímera que a la vez que le protege del exterior (del afuera), lo refleja y recrea, y que posibilita que el edificio se transforme en un espacio de reflexión sobre la fragilidad del lenguaje y la necesidad de comunicar y compartir. Se podrá ver hasta el  29 de abril de 2012, en el Palacio de Cristal, Parque del Retiro de Madrid.

Sin abandonar aún Madrid. La artista Amaya Bozal (Madrid, 1972) expone una nueva serie de pinturas en la que es  su segunda individual en la Galería Rayuela de Madrid. En esta ocasión, imbuida por la poesía romántica de William Blake, se sumerge en plena naturaleza de la sierra de Madrid para crear una nueva serie inspirada en las nubes y en el transcurrir de las distintas estaciones. Luces, aire y fenómenos atmosféricos. Pinturas que condensan en la tela la sensación de vivir y sentir el entorno natural. La exposición se compone de dos apartados: la obra sobre lienzo y sobre papel. En las nubes de las obras se monumentaliza el azul de Prusia casi en estado puro, resaltado con polvo de plata y aplicaciones de pan de plata, en un paisaje sin horizonte ni medidas, donde la luz surge de la propia tela, de la propia pintura. Podremos disfrutarla hasta el  31 de diciembre.

Y  ahora nos vamos al norte de España. El Museo Guggenheim Bilbao presenta Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao II. Esta es la segunda exposición de un ciclo iniciado en 2009, que se desarrollará hasta el año 2012, y que tiene como objetivo mostrar al público una selección de obras de la Colección del Museo, contextualizándolas y facilitando así una visión detallada del enfoque de la Colección. La muestra, comisariada por Petra Joos, Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao, profundiza en la obra de una serie de artistas europeos que irrumpieron mediante diversas expresiones artísticas en la escena ideológica, económica, social y política que regía el mundo en las décadas de los setenta y ochenta y originaron un interesante debate artístico. Se incluyen nombres como:  Georg Baselitz, Christian Boltanski, Anselm Kiefer, Jannis Kounellis, Richard Long, Gerhard Richter y Francesc Torres. La presentación se inicia en la sala 103 con dieciséis lienzos de Georg Baselitz (Deutschbaselitz, Alemania, 1938), que conforman su obra La señora Lenin y el Ruiseñor (Mrs. Lenin and the Nightingale, 2008) y que se muestran por primera vez en el Museo desde su reciente incorporación a la Colección Propia.

Con la creación del Museo Guggenheim Bilbao se creaba un compromiso de forjar una Colección que, al tiempo que complementara los fondos artísticos de los demás museos de la Red Guggenheim (la Colección Permanente), tuviera sus propias señas de identidad y sus rasgos distintivos.

Sin salir del Museo Guggenheim Bilbao podemos ver, también,  la exposición Brancusi-Serra, dedicada a dos de los escultores más relevantes del siglo XX: Constantin Brancusi (1876-1957) y Richard Serra (1938). Organizada en colaboración con la Fundación Beyeler de Basilea, la muestra examina la relación entre estos dos pioneros de la escultura por medio de cerca de cincuenta obras; una mirada a más de un siglo en el desarrollo de la escultura moderna. Brancusi, nacido en Rumania y residente en París desde 1904, redujo las formas escultóricas a su esencia, sentando así las bases primordiales para la escultura abstracta. Medio siglo más tarde, el artista estadounidense Richard Serra ha redefinido el efecto de la escultura creando minimalistas piezas de acero que atraen, literalmente, al observador a la obra. La muestra, concebida conjuntamente por el Museo Guggenheim Bilbao y la Fundación Beyeler, confronta la obra de estos dos artistas y propone un diálogo abierto entre ellos; ambos artistas han dejado una impronta dinámica en la historia del arte y han cambiado para siempre el curso de la escultura moderna. Hasta el 15 de abril. De martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.

Y del norte bajamos al sur hasta Málaga.  La Galería Isabel Hurley presenta la exposición que bajo el título “Corrección” nos muestra la obra de Mª Ángeles Díaz Barbado. Esta segunda exposición de Mª Angeles Díaz Barbado en la galería resulta del intento de reconstrucción de un paisaje desconocido, nunca visitado. Una selección de pinturas y dibujos sobre diferentes soportes y fotografías tratan de acercarnos al lugar donde se suceden los episodios decisivos en la vida de Roithamer y sus más allegados, que, junto al paisaje, componen la novela de igual título de Thomas Bernhard. El claustrofóbico entramado de construcción-corrección-destrucción pone de manifiesto las carencias afectivas y emocionales del hombre contemporáneo. Las aspiraciones de su autor, conducentes a la creación de un espacio utópico destinado a la salvación, un espacio concebido para la felicidad y que, sin embargo, porta el germen de la aniquilación. Igual que pasa con la vida, tampoco existe la obra perfecta, concluida. No es posible determinar el final de un proceso y su propósito último; sólo existe la certeza del proceso en una sucesión de etapas. La artista, poseedora también de una idea, capaz de diseñar una estrategia creativa alentada por la lectura de un texto estimulante, con el que se identifica y, asimismo, de unos valores y convicciones afines  , siguiendo su línea habitual, orden, pulcritud, sobriedad y acierto en la dosis equilibrada de lo emocional y lo racional, son el secreto de una fórmula magistral cuya poética se asienta en la economía de medios y el gesto expresionista en la línea y en la mancha. La omnipresencia del paisaje es el reflejo de su protagonismo en la obra de Bernhard y nos sitúa en otra órbita de reflexiones. No se trata de una naturaleza reproducida, ni se parte de una realidad natural, sino de la construcción a partir de un texto del que busca su equivalente. En el continuo salto entre el ámbito de la textualidad y el de la hipertextualidad se encuentra una de las claves más interesantes para abordar la lectura de Corrección, ya que bajo la apariencia de sencillez extrema subyace una compleja red de significantes y contenidos que aportan un dinamismo vivificante. Sus obras no son, por lo tanto, imágenes de la Naturaleza, sino de un sentimiento metafísico inaprensible. Del 25 de Noviembre de 2011 hasta el 14 de Enero de 2012.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta m.a.r.s. de Thomas Ruff. Gran referente de la fotografía y el arte contemporáneo y uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80.  La exposición, comisariada por Fernando Francés, muestra diferentes imágenes del universo, todas con un hilo conductor, que muestran espacios aparentemente lejanos, al alcance de la vista del espectador. El origen de las imágenes pasa a un segundo plano con la intervención de Ruff en todo el proceso creativo. La postproducción es lo que realmente importa en el trabajo del artista alemán, con unos resultados inesperados. La fotografía de Thomas Ruff se caracteriza por su persistente experimentación en torno a las propiedades del medio. Se aleja de la fotografía documental pues es consciente de que la fotografía sólo puede alcanzar la superficie de las cosas. Desde el 21 de octubre al 29 de enero.

En el Museo Picasso Málaga podremos disfrutar de la Colección de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, París. Alberto Giacometti, una exposición que muestra con precisión las diferentes etapas de la trayectoria artística de uno de los creadores más destacados del pasado siglo. Su obra es clave para entender el desarrollo de las vanguardias y la posterior evolución del arte contemporáneo, siendo a pesar de ello un autor inclasificable. Se trata de un proyecto que cuestiona la visión reduccionista con la que frecuentemente ha sido considerada la obra de este creador La exposición de Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901 – Coira, Suiza, 1966) reflexiona sobre trabajo de este creador clave en el arte del siglo XX, que coincidió en París con Pablo Picasso, si bien el artista suizo pertenecía a una generación posterior.  A pesar de las evidentes diferencias estéticas e intereses existenciales que definen la obra y la actitud de ambos, es posible detectar algunas coincidencias en la trayectoria de los dos creadores, como el hecho de que sus padres fueran también artistas, su formación académica, el traslado a París en su juventud desde países periféricos al centro artístico de la época o el gran interés compartido por los Maestros del pasado. Las  obras que reúne la exposición entre óleos, esculturas, dibujos, grabados, mobiliario y textiles, así como la veintena de fotografías de otros creadores que la documentan, están  distribuidas en varias secciones, organizadas cronológicamente para mostrar los diferentes momentos en la evolución de la investigación estética del artista suizo. Es importante reseñar que veinte de las obras que han venido a Málaga, entre las que se encuentran dos óleos, nunca antes habían sido prestadas por la Fundación Alberto y Annette Giacometti para una exposición, por lo que es la primera vez que pueden ser vistas.

Cabe destacar que por vez primera, y como complemento a la retrospectiva centrada en el artista, se muestran seis réplicas de esculturas en resina que ha producido expresamente la Fondation Alberto et Annette Giacometti  para esta exposición en el Museo Picasso Málaga. En colaboración con la ONCE se han organizado una serie de visitas para que personas con deficiencias visuales y el público en general conozcan el trabajo y creatividad del artista suizo. Del 17 octubre del 2011  al 5 de febrero de 2012.

Y para terminar, la Galería Alfredo Viñas expone la nueva muestra del pintor cántabro, establecido en Berlín, Antonio Mesones. El trabajo de Mesones se asienta sobre dos bases: la experiencia de la pintura, una cierta maestría e intuición adquiridas en el gesto y en el uso del color, y la búsqueda de la forma a través del dibujo. En las piezas expuestas en Alfredo Viñas los que conocen su obra verán el resultado de una coherente evolución, quienes, en cambio, se acerquen a su trabajo por primera vez, disfrutarán recreándose en las emociones inmediatas que generan las diversas composiciones y la amplia paleta de color. No se la pierdan. Estará abierta al público hasta el 8 de enero de 2012.

Espero que mis recomendaciones os sirvan de guía para que podáis pasar unas fiestas más optimistas, llenas de arte y con la ilusión de ver la luz al final del túnel.

Feliz Navidad y buena entrada al 2012 para todos. Nos reencontramos el año que viene.

Pero el espectador que acuda a ver la exposición no sólo contemplará esa confrontación entre el misterio y el tiempo, porque de lo que no podrá librase y salir indemne, es de la luz que desborda a sus creaciones, donde el sol es suplantado por su reflejo y el de éste sobre los edificios que caen embrujados ante la mirada de este prestidigitador de la pintura. Su maestría es tal, que en sus grandes perspectivas juega con nosotros sin que nos demos cuenta, pues en muchas de ellas, fija su atención en una parte concreta, que puede ser la central o no del cuadro, para ir difuminando sus pinceladas poco a poco, hasta convertirlas en meros apuntes que poseen la fuerza y la definición que sólo atesoran las obras de los grandes maestros de la pintura. Ese poder sobre el color y el trazo, alcanza momentos sublimes en la serie de flores (y en concreto, las rosas) que hay en la parte final de la exposición, lo que te lleva a preguntarte cómo hay tanto con tan poco, pues los pétalos apenas están sugeridos, pero son tan impactantes, que te dejan con la boca abierta.

La luz y su estudio, es sin duda, otro de los grandes hallazgos en la obra de Antonio López, que se postula como una artista concienzudo, perseverante y meticuloso cuando una y otra vez nos propone la quietud del instante y del tiempo atrapado en un segundo, porque esa es una de las esencias de su pintura, el poder detener el tiempo en apenas un instante que se hace infinito y maravilloso. Y como muestra de todo ello, podemos contemplar el laborioso estudio que está realizando sobre la Gran Vía madrileña y los diferentes edificios que pinta a distintas horas del día, que nos muestran un resultado inacabado, pero sencillamente sublime, porque como un mago todopoderoso, se impone a esa atmósfera de la ciudad de Madrid que también conoce, y de la que nosotros podemos disfrutar como observadores privilegiados.

Esa pasión con la que Antonio López se enfrenta a sus creaciones, es también la culpable de su dispersión y de la escasa culminación de sus obras, pero debemos admitir, que su pintura no precisa de ser meticulosamente terminada, porque sus cuadros a medio hacer, poseen en sí mismos la esencia de la obra completa. Un matiz que también podemos aplicar a sus esculturas, que buscan la perfección con un minucioso estudio de las proporciones humanas y que resultan deudoras de la escuela clásica, y a las que el artista de Tomelloso, dota de contornos limpios y volúmenes armoniosos para dejarlas a solas con su estudiado equilibrio, que tiñe de realidad cuando las da ese barniz externo, blanco en ocasiones o color carne en otras, para transformarlas en espectadores perennes de sus limpias y cuidadas líneas.

La exposición recorre una buena parte de su trayectoria artística, donde no sólo hay perspectivas urbanas y esculturas, sino que también podemos descubrir a ese otro Antonio López más desconocido, con algunos cuadros de su primera juventud en los que adivinamos alguna huella surrealista; o sus primeras aproximaciones al retrato con imágenes de su familia, para posteriormente desplazarnos a los bajorrelieves de la mujer descansando en la cama, realizados con diferentes materiales y colores que nos vuelven a mostrar la inquietud creativa de un artista curioso e insatisfecho, y que luego nos desplaza hacia sus bodegones y la serie de las flores, que de nuevo nos vuelve a situar en ese territorio íntimo, donde lo mágico y lo hiperreal se dan la mano y que no se sueltan en el profuso estudio de las cabezas de sus nietos.

La exposición seguirá abierta al público hasta el próximo 25 de septiembre en el Museo Thyssen de Madrid, como una forma de expresión artística que nos traslada a la búsqueda de la belleza a través del anonimato.

Una gran fotografía de cuerpo entero del artista delante de un espejo al inicio de la exposición, es la primera pista acerca de cuál es la esencia de lo que luego vamos a ver, que no es otra, que esa particular y atormentada mirada con la que Schiele observa el mundo. Ese universo convulso que recorre los días de su existencia, se inician en el Leopold Museum con su superpuesta capacidad para dotar a las casas de una vida que al natural no tienen, transformando su linealidad en una superposición de objetos que reclaman nuestra atención no sólo por la fuerza que desprenden los colores con los que los ha pintado, sino también, por esa ausencia de perspectiva, dejándonos indefensos ante esa única y nueva imagen tan distinta a la real, que en este caso, juega a enseñarnos la realidad desde un punto de vista que no conocíamos. Sus construcciones, por tanto, se desenvuelven como formas superpuestas que intentan transmitirnos esa capacidad de fuerza y tenebrismo que también conjuga Schiele en sus paisajes arquitectónicos.

Casi sin darnos cuenta, sus casas superpuestas dejan paso a su retratos y autorretratos, en una sucesión de instantáneas que nos muestran bien a las claras las dotes de gran dibujante de este pintor austriaco, que consigue con apenas unos trazos, proporcionar de una singular vida a sus personajes, a los que por no faltarles, no les hace falta casi ni colorearles la piel, pues en sí misma se ensalza de una forma independiente de todo aquello que no sea el trazo que la define. Pero no todo es simplicidad en las formas de sus retratos, pues esa expresividad que tanto marca su obra, se desplaza tanto en las posturas y en los gestos que contienen sus formas humanas, que en ocasiones llegan al éxtasis del amor, con por ejemplo sucede en el cuadro “el abrazo”, donde unas figuras humanas entrelazadas en una superficie que a modo de alfombra mágica los traslada por un espacio sin límites ni roces, nos hace sentirnos por fin libres de toda atadura, y nos concede esa extraña capacidad del deseo sin límites.

En esa aparente sencillez, no deja de sorprendernos la comparación que en el Leopold Museum hacen de la mirada, la expresión y la vida de Schiele y James Dean, que por caprichosamente paralela, te deja boquiabierto tras la comparación de las fotografías que de ambos se nos ofrecen y de ese tupé rebelde que protagonizan una buena parte de sus autorretratos, que a modo de montaña, juegan al despiste de sus ojos tan marcados y a veces saltones. Esos ojos que nos miran y nos interrogan, pero que también nos dicen que tras de sí hay mucho ingenio, tormento, vanidad y ganas de vivir, lo que nos lleva a preguntarnos una y mil veces ¿Qué hay detrás de la mirada de Schiele?, para en el siguiente retrato o en la siguiente composición, replantearnos lo que hasta entonces hemos visto, en una sucesión de interrogantes que nos dejan sin palabras, pues la estética de Schiele está delante de nosotros para disfrutarla, y es en ese gozo estético donde uno se pierde en el Leopold Museum, que horadado mediante ventanas imposibles y caprichosas, nos muestra esa necesidad de expresión que le llevarán hasta Klimt, como símbolos de los nuevos tiempos que transcurren desde la Academia de Bellas Artes de Viena al estilo de la Secesión.

Tras la fugaz vida de Schiele, quedan su hombres, sus mujeres, sus paisajes arquitectónicos y tantos y tantos dibujos y pinturas que no hacen sino lamentarnos de su temprana desaparición, pero que a modo de ironía del destino, siempre nos recodarán, que él y su mirada, siempre permanecerán ahí, en lo más profundo del ser humano.

Empezaré mis recomendaciones por la capital y centro geográfico de España: Madrid. En  el Museo del Prado la exposición,  “Roma. Naturaleza e Ideal (Paisajes 1600-1650)”. Una visita fundamental para entender el nacimiento del paisaje en el arte, su desarrollo y a los artistas que más influyeron en su consolidación. Una muestra que ya se ha podido apreciar en el Grand Palais de París. En total 84 pinturas y 19 dibujos, dispuestos en un orden cronológico, que nos adentra en el paisaje  como un género menor a un tema de prestigio, que era lo  requerido por los grandes mecenas de la época para decorar sus residencias. Se podrá ver  del 5 de julio al 25 de septiembre.

Y siguiendo en el Prado no olvidarse visitar la Galería Central y su nueva remodelación  que es un recorrido por la pintura europea ,que arranca en Tiziano, continúa por las obras de los pintores de la escuela veneciana, enlaza con Rubens, y termina con Goya. Y todo ello, bajo la atenta mirada de Velázquez.

Y seguimos en Madrid ya que desde el 8 de septiembre al 20 de noviembre,  el artista  madrileño José Manuel Ballester (Madrid, 1960)    protagonizará una gran exposición de fotografía en la Sala Alcalá 31 con el título de “abstracción en la realidad”. La muestra estará compuesta por medio centenar de las obras más recientes de Ballester prácticamente todas inéditas. La abstracción en la realidad quiere mostrar la capacidad de la mirada de Ballester para lograr que lo estático se convierta en eterno, eliminando la percepción temporal y trabajando con total destreza la dimensión espacial.  La fotografía de José Manuel Ballester, que ha expuesto en ciudades como Nueva York, París, Pekín y Toronto, retrata el instante de manera tal que parece atemporal incluso antes de que el objetivo se fije en la escena.

En la Caixa Forum de Madrid, hasta el 20 de noviembre os recomiendo la exposición “Teotihuacan, Ciudad de Dioses”, es la mayor exposición organizada nunca sobre la mítica civilización prehispánica que se desarrolló en el centro de México. La muestra reúne más de 400 piezas que permitirán al visitante descubrir los aspectos más destacados de su cultura. Situada a cuarenta y cinco kilómetros de Ciudad de México, Teotihuacan fue durante ocho siglos (desde el s. II A.C. hasta el s. VII d. C.) el centro cultural, político y religioso de una potente civilización, que tiene en las célebres Pirámide del Sol y Pirámide de la Luna sus símbolos más reconocibles. Se podrá disfrutar de pintura mural, esculturas en piedra, estatuillas trabajadas en obsidiana, bellos recipientes de cerámica, suntuosos ornamentos de joyería prehispánica, máscaras rituales o figurillas de animales mitológicos de gran importancia en esta civilización como el jaguar o la serpiente. A lo largo del recorrido se aborda la civilización teotihuacana desde diferentes puntos de vista: la arquitectura y el urbanismo, la política, la guerra y la economía, las creencias y los rituales, la vida en los palacios y en las calles de la ciudad, y las relaciones con las culturas de su entorno.

No es la primera vez que la Obra Social “la Caixa” se interesa por las grandes culturas del pasado. En pasadas temporadas se pudieron ver muestras sobre la ruta de las estepas, Afganistán, Nubia, el Imperio persa o los tesoros del Reino de Arabia Saudí. El objetivo es mostrar al público las distintas formas en que hombres y mujeres de diversos lugares y épocas se han enfrentado a las grandes cuestiones universales, además de ampliar perspectivas sobre el mundo.

Y para quien le guste la fotografía, también en la Caixa Forum de Madrid  se puede ver una exposición interactiva de fotografías sobre Haití, que tiene el   objetivo de que no se olvide la grave situación que todavía hoy sufre el pueblo de Haití un año después del terremoto que devastó el país. La exposición “Haití. 34 segundos después”, es un recorrido por el seísmo y sus consecuencias. A través de las fotografías de Emilio Morenatti y Marta Ramoneda y de los documentales de Oriol Gispert, el visitante podrá acercase a cómo fueron los segundos del terremoto y conocer los proyectos de rehabilitación que llevan a cabo las ONGs que trabajan en el país caribeño. Se puede ver hasta el 2 de octubre.

Recomendadísima también es la exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de la obra del artista Antonio López,  nacido en Tomelloso (Ciudad Real) en 1936 y considerado como el gran representante del realismo y la figuración española contemporánea , es, sin duda, el artista español vivo más cotizado y reconocido, tanto fuera como dentro de España. Y sin embargo, a sus 75 años, el genio sigue siendo el hombre humilde, sencillo y cercano que ha sido siempre. Exposición de carácter casi autobiográfico, ya que ha sido el propio artista el que ha pilotado la selección y montaje junto a los comisarios. La exposición reúne las piezas de los últimos veinte años y las que llegan directamente de su estudio, No hay un orden cronológico, el recorrido va hacia adelante y hacia atrás en la obra en la que convive, de manera equilibrada, la pintura, el dibujo y la escultura. Las vistas de Madrid, incluidas las más recientes de la Gran Vía, se exponen junto a cuadros de su Tomelloso natal, a pinturas y dibujos o a sus retratos de parejas y sus interiores. Están los temas recurrentes en el universo de Antonio López, sus influencias y su conexión con la tradición, de la que se considera heredero hasta la obsesión. La muestra se completa con la proyección en una de las salas de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López en este último año. Se puede ver hasta el 25 de Septiembre.

Quien esté por la bella localidad de Riaza, provincia de Segovia,  recomiendo no dejar de ver, en  la galería de arte Fontanar,  la  exposición de Luis Moro,  trilogía (2008-2011). Se trata de una cuidada selección de obras  de tres series del artista segoviano, dichas series fueron expuestas del 2008 al 2011  en museos de Francia, España y México, se acompañan de varias obras inéditas  y de obra gráfica original de Luis Moro editada por Fontanar ediciones. Reflejos es una serie de dibujos, pinturas, acuarelas y grabados sobre el elemento líquido, las fuentes de La Granja y su mitología barroca. Ha sido presentada en el Museo Centro Nacional del Vidrio de esta localidad segoviana y en el Museo Goya de Castres, creando un puente entre ambas ciudades. Se acompañará de una serie de grabados editados por Fontanar. La exposición  de Luis Moro, Trilogía (2008-2011)  se puede ver hasta el 11 de Septiembre.

Y si estáis cerca del encantador pueblo de Azuzar en Navarra no dejéis de visitar el Museo Oteiza, que además de la obra del prestigioso escultor, también podéis ver una exposición temporal titulada “Grávido o liviano” del  artista Juan Navarro Baldeweg.  La  relación entre la práctica arquitectónica y la creación artística en la obra de Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939) ha trazado un territorio de escasas delimitaciones a lo largo de la trayectoria creativa de este autor.  Esa preocupación por lo experimental, más allá de los límites de lo arquitectónico, ha encontrado uno de sus mejores exponentes en el proyecto La mesa (1974-2005), conformado por un gran escenario sobre el que se disponen un  conjunto de piezas, en las que el equilibrio, la gravedad y la tensión estructural articulan una singular propuesta artística.

Junto con La mesa, el Museo Oteiza muestra también un conjunto formado por 160 dibujos, que muestran el escenario de la ideación previa, en el que la mano de autor proyecta los primeros bocetos de este escenario trazado. Los dibujos se exponen junto a los cuadernos originales que los contienen, que se presentan por primera vez en una exposición.  Se puede ver hasta el 11 de septiembre de 2011.

Bajamos al sur, en Málaga,  recomiendo la exposición “Intervalos”, de la artista valenciana Carmen Calvo, en el convento de Santo Domingo de Ronda. Es una de las artistas españolas de más prestigio internacional en este momento. Estará hasta el 11 de  septiembre.

En Benalmádena, en el  Centro de Exposiciones del Ayuntamiento, os recomiendo, sobre todo a aquellos que os gusta la fotografía, la exposición “Al fin y al cabo”, del artista Carlos Perez Siquier (Almería, 1930), quien está considerado uno de los históricos de la vanguardia fotográfica en España. Se puede ver hasta el 18 de Septiembre.

Y para terminar   y siguiendo con la fotografía, os recomiendo  “Picasso crea”, que es una exposición  de David Douglas Duncan y que reúne en el Museo Picasso Málaga una selección de 115 fotografías, escogidas de entre las miles que Duncan tomó del artista y su entorno en aquellos años. La exposición muestra asimismo un total de 77 obras de Pablo Picasso que aparecen en las instantáneas para dialogar con ellas y permitir adentrarse en el universo insólito del creador.  Se puede visitar hasta el 25 de septiembre.

Espero que mis recomendaciones os orienten, de alguna manera, a que vuestras vacaciones sean más enriquecedoras y fructíferas, en definitiva a que disfrutéis  todo lo que podáis con vuestros cinco sentidos, ya que las vacaciones duran poco y la vuelta al trabajo y a la rutina nos tiene que encontrar fortalecidos de cuerpo y mente. Felices vacaciones.

Ahora, y desde el 23 de julio y hasta el próximo 15 de septiembre, podemos disfrutar de una singular y magnífica exposición que bajo el título, “Nacidos en los 70″, nos ofrece una inigualable oportunidad de acercarnos al mundo creativo de siete jóvenes artistas, que bajo el denominador común del realismo, nos proponen diversas y muy interesantes formas de ver el mundo. Por ejemplo, Guillermo Oyagüez se para en las majestuosas dimensiones de una naturaleza que en forma de montañas, lagos y nieves teñidas de amaneceres, son capaces de llevarnos a tocar terrenos cargados de una trascendencia espiritual que busca proporcionarnos un poco de paz. A su lado, Juan Manuel Fernández-Pinedo nos presenta la naturaleza del campo en exuberantes brochazos de color, que intentan acercarnos su singularidad; o sus edificaciones en grandes bloques que comparten espacio con árboles y más naturaleza.

En esa mima planta de la galería, también podemos disfrutar de las obras de Guillermo A. Pérez Masedo, que nos presenta su particular visión acerca de lo que él entiende como “no lugares” abandonando los tonos negros y grises a los que nos tenía acostumbrados, parar trasladarse a una gama cromática más amplia, donde el juego con la perspectiva de las edificaciones que nos propone y el cielo que las cobija, es sencillamente sublime, lo que convierten a sus cuadros, en un buen ejemplo de la evolución de este joven artista que va madurando en cada propuesta que nos ofrece.

En la planta de arriba de este singular y bello edificio que regenta ESPACIO NOLDE, podemos disfrutar de las noches estrelladas de David Morago, que cargadas de un gran simbolismo, se muestran como mensajeras de nuestros deseos, envolviendo el espacio en que se encuentran expuestas de una singular ternura. A su lado, los árboles sin vida aparente de Eduardo Alonso, consiguen transmitirnos con una imagen esquemática de una naturaleza muerta, la fuerza de la vida y del cielo hacia el que se orientan sus espacios arbóreos. Justo al otro lado de la sala, Cecilio Chávez nos propone una sucesión de pueblos blancos pletóricos de luz que van de lo cercano a lo abstracto en una definida línea de fuga, que nos llevan hacia las vacas indefinidas de Dora Piñón.

Sin duda Nacidos en los 70, es una buena forma de acercarse al realismo en la pintura española, y que sirve de magnífico contrapunto a los grandes circuitos museísticos y culturales de la capital española. Para conseguir más información de los artistas y sus obras, visitar: http://www.nolde.es/

En cuanto a exposiciones el movimiento artístico en las galerías de arte  sevillanas  no cesa. Además de las galerías clásicas , por todos conocidas, como Juana de Aizpuru, Félix Gómez o Rafael Ortiz, con propuestas siempre ineludibles  e interesantes, o también, las galerías de arte Concha Pedrosa, La Caja China e Isabel Ignacio habría que sumar otros nuevos espacios.

En la Galería Concha Pedrosa actualmente se expone “ ou est le somier?” de la artista Magdalena Bachiller,  consta de una maqueta realizada con materiales de desechos de forma que esos fragmentos proyectan arquitecturas y formas “reales” que cuestionan la naturaleza de la realidad simulada o virtual en que vivimos.

La galería de arte Isabel Ignacio  ofrece una colectiva de Chico Lopez, Jesus Zurita y Felipe Ortega y en la Galería de arte La Caja China se expone actualmente una muestra de la pintura geométrica del artista Julián Gil  con el titulo de “ Formas y molinos”.

A estas galerías sevillanas  se les han unido la apertura de nuevos espacios  como:  Mecánica Galería de Arte y AJG Contemporary Art Gallery. En esta última, fue un autentico placer conocer a su director con el que departí muy cordialmente sobre su visión y perspectivas sobre la línea a seguir  de la galería y del mercado del arte en general. En este momento presenta la exposición: “THE OTHER SIDE” (El otro lado, la otra cara) un conjunto de obras e imágenes que nos muestran que podemos vivir bajo otra identidad e incluso bajo otra forma física, invitándonos,  también, a participar no solo como espectadores, si no como individuos anónimos convertidos en “voyeurs” de imágenes.    En la muestra participan importantes artistas del panorama internacional: fotografías de Maleonn (China), Janneke Van Leeuwen (Holanda), Francisco Reina (España-Holanda), Matías Costa (Argentina-España) y José Toro (España). Pinturas de Ruth Morán (España), Judas Arrieta (España-China) y Roberto Coromina (España) que convierte la pintura en instalación y objeto escultórico. Cristina Garrido (España-Reino Unido) presenta una instalación y una acción capturada en vídeo y el trío de artistas Joaquín Cociña, Niles Atallah y Cristóbal León (Chile-Holanda) nos muestran vídeos de animación donde varias disciplinas se mezclan.

Esta claro que estas nuevas galerías, amplían una vez más el amplio espectro expositivo de Sevilla y por ende de Andalucía.

Seguimos en el sur, y nos vamos a la bella ciudad de  Málaga  para recomendar visitar  el Museo Carmen Thyssen, que, por cierto, está teniendo una acogida excelente como demuestra el gran número de visitas que recibe. Ahora se presenta la primera exposición temporal del Museo que con el titulo: “La tradición moderna”, reúne  60 piezas de autores representativos de la pintura europea como son Monet, Picasso, Matisse o Miró. Se podrá ver  hasta el 16 de Octubre.

Otra exposición que no se deben perder es la del extraordinario artista malagueño  Eugenio Chicano en el Centro Provincial de la Diputación, en esta ocasión con obra gráfica realizada entre los años 1969 y 2000. Tengo que resaltar, de Chicano,  que mientras más conozco su obra más me sorprende, creo que es un artista  extraordinario e inconmensurable, que conoce y aplica perfectamente la técnica, domina el oficio como nadie  y por supuesto todos los estilos artísticos. Como ejemplo, destacaría la pasada muestra en Unicaja-Italcable, verdadera lección de arte para cualquiera de los que amamos esta profesión,  donde hacía una de las más geniales interpretaciones de obras de otros artistas sin perder para nada su identidad e incluso, yo diría, saliendo fortalecido de la experiencia. Desde estas líneas mi enhorabuena maestro.

Y otra inauguración, en este caso en el Centro de Arte Contemporáneo (CAC) Málaga, que acoge desde este viernes al 9 de octubre el universo mitológico de Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, Cádiz, 1948) a través de una selección de pinturas realizadas en la última década. La muestra lleva como titulo:”Las metamorfosis y otras mitologías”, y está compuesta por 42 pinturas y 22 dibujos preparatorios inéditos, con los que el CAC Málaga repasa la trayectoria de una de las figuras más versátiles y prolíficas del panorama artístico nacional. Podrá contemplarse hasta el 9 de octubre.

Y aquí, en Málaga, desde esta tribuna, quiero aprovechar para darle la enhorabuena al critico y amigo José María Luna Aguilar, hasta ahora director del Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella,  que acaba de ser nombrado nuevo responsable de la Fundación Pablo Ruiz Picasso – Museo Casa Natal, después de que Lourdes Moreno, anterior directora de la fundación, fuera nombrada, a mediados de abril, directora del Museo Carmen Thyssen de Málaga.

Nos marchamos a  Madrid  para recomendar la gran retrospectiva que le hace el Museo Reina Sofía  a  la obra de la madrileña Elena Asins (Madrid, 1940), ella es una de las pioneras en el arte creado con el ordenador,  se completa así la oferta expositiva de este verano en el Museo Reina Sofía. Con el título de “Fragmentos de la memoria”, abarca piezas desde los años sesenta, hasta sus trabajos más recientes, y nos acerca al universo de esta artista “al margen” que “no marginal”, como la definió Borja-Villel.

Elena Asins trata de crear en sus obras “un mundo perfecto, alejado de toda pasión o sentimiento, como el mundo matemático. Y para ello, el ordenador es una herramienta excelente, que nos da gran cantidad de posibilidades” como aseguró la propia artista durante la presentación de la exposición.  Se podrá ver del 14 de junio al 31 de octubre.

Y para terminar, si viajáis hasta Bilbao no debéis de olvidar visitar  el Museo Guggenheim-Bilbao. En esta ocasión  presenta la magnifica muestra:”El intervalo luminoso”. La exposición incluye aproximadamente 60 obras, a cargo de más de una treintena de artistas internacionales, procedentes de la D.Daskalopoulos Collection, una de las colecciones particulares de arte contemporáneo más importantes del mundo.

La muestra constituye una amplia exploración en torno a la coexistencia de la esperanza y la desesperación en la condición humana, y a las posibilidades generativas de la tensión dialéctica entre ambas.

Fundamentada en un conjunto de piezas que datan de las décadas de 1980 y 1990 realizadas por reconocidas figuras como Louise Bourgeois, Robert Gober, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Annette Messager y Kiki Smith, la exposición también integra proyectos de jóvenes talentos como Paul Chan, Guyton/Walker, Nate Lowman y Wangechi Mutu.Esta  comisariada por Nancy Spector  y  se podra ver hasta el 11 de Septiembre.

Pero acercarse a sus cuadros, es hacerlo también a esa intensa poesía, mitad melancólica, mitad escapista de una realidad existente a la que no le prestamos atención, como hacemos con nuestras propias heridas, y él, con su magnífico trabajo, nos hace reflexionar sobre el hombre y su pasado, a través de las construcciones a las que dota de un protagonismo exultante en el que sin duda cabe el afán de la memoria. Su regreso a las galerías y a la actualidad del panorama de la pintura contemporánea española, viene acompañado del flamante Primer Premio del X Concurso Internacional de Artes Plásticas de la Universidad de Zaragoza que hace escasos días ha recibido, lo que le sirve de una magnífica carta de presentación para esta nueva aventura pictórica, que en esta ocasión, tiene su punto de partida en la Galería Gema Llamazares de Gijón (http://www.gemallamazares.com/), bajo el título de Estío 11. Una exposición colectiva que se desarrollará del 24 de junio al 30 de septiembre en la galería gijonesa, y de la que la obra de Guillermo va a formar parte, y lo hará, con esa nueva dimensión de sus cuadros algo más coloristas, donde el cielo ya no está tan encapotado y en el que los reflejos del rey sol sobre sus edificaciones, nos producen de nuevo esa convulsión que sólo nos producen las cosas bellas, esas que transitan más allá de nuestra vulgaridad cotidiana, como queriéndonos hacer partícipes, aunque sólo sea por un instante, de un universo del que también podemos ser protagonistas, y todo ello, gracias a esa sabiduría universal que sólo atesoran los grandes artistas, un don del que Guillermo A. Pérez Masedo ha sido dotado para su fortuna individual y colectiva, y que él tan bien refleja en el siguiente texto.

Guillermo Adolfo Pérez Masedo
En tierra de nadie. Exposición en Gema Llamazares
“¿Son las ciudades contemporáneas como los aeropuertos, es decir, todas iguales?”(1)
“Si un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un no-lugar.” (2)
No me gustan, a priori, los planteamientos localistas, territoriales; cercenan la creatividad. A lo largo de todos estos últimos años me he perdido por caminos limítrofes, suburbiales, alejados de los centros urbanos, del ruido, de las luces de neón, de la gente; siempre me han interesado las grietas, las heridas, mirar entre los resquicios de lo evidente, por eso he intentado traducir en pintura las sensaciones que me ha producido visitar ciudades asoladas por la guerra, espacios deshabitados, arrabales, nuevos barrios en construcción, zonas portuarias…: el germen, la basura, el residuo, se han convertido en mi lugar de acción, y en él me encuentro cómodo – allí no tengo que dar explicaciones a nadie-. Me alimento de todos ellos, y desnutrido me siento bien, con fuerzas para afrontar cada una de las batallas. Me he olvidado ya de lo que convierte en distinta y genuina a cada una de las ciudades, y también de su perenne quietud, de su inmovilidad, y de lo particular de cada una de ellas –sus sellos, sus monumentos, sus hitos-. Al contrario de ella y de sus históricos núcleos, la periferia se presenta ante mí como un elemento dinámico – y cruelmente devastador-, que absorbe con urgencia imprevisible territorios naturales, que muta por sí misma y a su vez modifica el entorno que lo cobija, destruyendo en un inicio para posteriormente construir nuevas realidades…es allí dónde la distinción se nubla y lo propio desparece a favor de lo semejante -”no es París ni América donde hay que buscar; todo es eternamente parecido en todas partes” (3) -.

Invasivos no-lugares que ganan terreno a lo establecido de forma natural, ya sea por mar o por tierra, futuros espacios incapaces de generar historia, de generar ruinas reales, catalogadas, imperecederas –las ruinas de mis cuadros no son ruinas sino detritus fugaces, momentos instantáneos a punto de desaparecer para siempre-, eternamente incompletos, puesto que “igual que un hombre sin sombra no está completo, un lugar que no genera ruinas es un lugar incompleto”(4) , dónde la identidad es un bien escaso, que aparece en momentos determinados, puesto que “el pasajero de los no lugares sólo encuentra su identidad en el control aduanero, en el peaje o en la caja registradora” (5) … nuevos territorios, nuevas extensiones de vida propia, cada vez menos dependientes de la vida cotidiana de las ciudades, que igualan, que no distinguen, que no caracterizan. Algo concebido por la sobremodernidad en la que nos encontramos, capaz de generar “espacios que no son en sí lugares antropológicos y que, contrariamente a la modernidad baudeleriana, no integran a los lugares antiguos” (6). Y es en esos espacios circunscritos, limítrofes, donde las personas desaparecen, pero su presencia está latente en todos los rincones; existencia real, no por abundancia, sino por abandono. Su huella, el carácter destructivo que el hombre impone en muchas de sus acciones, ya sea a través de una episodio bélico o a partir de la colonización de un terreno hasta entonces ajeno a él, se magnifica en cuanto su presencia desaparece, pues su sombra inflinge aún más respeto.

Cada ciudad abandonada, cada ciudad destruida, cada zona industrial corroída por el óxido, cada nueva extensión urbana limítrofe, cada suburbio a los pies de las nuevas infraestructuras urbanas, todos ellos distintos entre sí pero globalmente iguales a todos los demás, todos ellos no-lugares, nos producen una sensación de inseguridad infinitamente superior a una ciudad superpoblada, allí “siempre estamos obligados a probar nuestra inocencia” (7) : es allí donde el pasado ha perdido su lugar, porque no existe, es allí donde se nos invita a una contemplación más introspectiva con la realidad, y es allí donde el miedo aviva nuestro sistema perceptivo, dilatando nuestros poros ante la intuición de poder absorber nuevas y desconocidas experiencias.

Referencias:
(1) Koolhaas, Rem. “La ciudad genérica”. Editorial Gustavo Gili.
(2) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.
83) Van Gogh, Vincent. “Cartas a Theo”. Adriana Hidalgo editora.
(4) “Periferias.” Prólogo del catálogo de la exposición en el Centro de Arte Dos de Mayo (14/05/2009-27/09/2009).
(5) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.
(6) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.
(7) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.

 
Cecilia viene a vernos, y estará en el Palacio Real de Madrid hasta el 4 de septiembre, después seguirá con su penúltimo periplo por Berlín y Londres hasta volver a su casa de acogida en el Museo Czartoryski de Cracovia, desde donde una vez más, mirará a través de su ventana, y lo hará hacia ese lugar donde pasó a la Historia de la Humanidad, en una época donde la dimensión del mundo era el Hombre, y en la que ella se buscó a sí misma en una suerte de batallas interiores que finalmente la llevaron a indagar más allá de los límites de su existencia, porque hubo un momento en el que ella se dio cuenta que sus fronteras estaban más allá de las líneas de su cuerpo. Cuando fue consciente de ello, Cecilia se convirtió en La dama del armiño y fue en busca de la luz.

La recién clausurada semana ferial madrileña se ha cerrado en clave optimista y sobre todo sin las polémicas ya  habituales de  los últimos años. La situación económica y los desencuentros que se produjeron el año  pasado entre los organizadores, el Instituto Ferial de Madrid (IFEMA) y los galeristas han hecho que esta trigésima edición fuera un punto y aparte en la trayectoria de ARCO.  Hay que tener en cuenta que  el objetivo de una feria internacional de arte contemporáneo  siempre es vender y dar a conocer a sus artistas, y eso parece ser que este año se ha superado  a pesar de las críticas y la crisis.  Tanto coleccionistas como galeristas y público, por cierto con más de 150.000 visitantes, se han unido para apoyar “una feria muy querida por todos”, en opinión de la galerista Soledad Lorenzo, veterana de la cita y miembro del Comité Organizador del Certamen.

El país invitado este año en ARCO ha sido Rusia cuyos galeristas han dado a conocer artistas muy buenos que nunca habían tenido la oportunidad de mostrarse en España, mostrando que tienen la  intención de volver.

En palabras del  director Carlos Urroz podemos resumir el objetivo principal alcanzado este año en Arco:”… la atmósfera de optimismo que se ha vivido pone de manifiesto la recuperación de la confianza del mercado”.

Destacar también  la participación de  la  prestigiosa galería  Alfredo Viñas de Málaga que este año acudió por octava vez y nos presentó a tres artistas: Curro González (pintura), Juan del Junco (fotografía) y las esculturas de  Javier Calleja.

Recomiendo, si estáis  o pasáis por Málaga, visitar esta galería, ya que es una de las pioneras del arte de vanguardia que ofrece continuamente exposiciones muy interesantes y felicito a su director  D.Alfredo Viñas por esa gran y difícil labor de promoción y difusión del arte contemporáneo.

Y ya que estamos en Málaga no perderse la exposición en el Museo Picasso Málaga del  irreverente, prolífico y controvertido artista Martin Kippenberger (Dortmund, Alemania, 1953 – Viena, Austria, 1997), que con el título  “Kippenberger miró a Picasso”,  reúne una selección de 55 obras entre pinturas de gran formato, dibujos y esculturas, así como 48 libros de artista y 73 carteles y tarjetas de invitación realizados por el creador alemán a lo largo de su carrera. Kippenberger  sintió siempre una gran atracción por la figura de Pablo Picasso desde sus inicios hasta el final de su vida. Esta atracción se tradujo en trabajos y series completas de obras directamente referidas al creador andaluz. La exposición que el Museo Picasso Málaga le dedica es una de las más completas de su obra en España, país en el que habitó a finales de los años ochenta y en el que creó una de sus series de obras directamente referida a Pablo Picasso.se podrá ver hasta el 29 de Mayo.

Obra de Martin Kippenberger

Quien tenga la suerte de estar por las islas Baleares, les recomiendo, en la capital Palma de Mallorca,  una exposición  del pintor, escultor y grabador español  Eduardo Arroyo ( Madrid, 1937)  una de las más  destacadas figuras del movimiento neofigurativista español. La podremos contemplar en  Es

Obra de Eduardo Arroyo

Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma y lleva por título “EDUARDO ARROYO. PINTAR LA LITERATURA”. Es  un recorrido por 193 obras que, el Premio Nacional de Artes Plásticas 1982, ha llevado a cabo desde 1965 en distintas disciplinas (pintura, dibujo, libros, litografía y escenografía), con el común denominador de que todas ellas guardan relación con la literatura. Es la primera revisión de la obra del artista madrileño que se celebra en Baleares, La exposición muestra a los escritores y personajes que le han inspirado a lo largo de toda su extensa trayectoria.

Los visitantes comprobarán en ella lo que el artista ha declarado siempre: su fascinación por la literatura y su permanente combate con la pintura. Se podrá ver hasta el 22 de mayo.

De vuelta a la península, otra exposición que no se pueden perder es la de mi admirado artista  Jasper Johns (Allendale, Carolina del Sur, EEUU, 1930)  en  el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) en Valencia. Es indiscutiblemente uno de los artistas de primerísimo plano contemporáneo, investigador incansable, que en sus inicios reaccionará contra la abstracción lírica y el expresionismo abstracto, se mantiene fiel a un cierto estetismo y extrae su inspiración de la historia del arte, sus consecuencias, las podemos ver en el origen de muchas otras innovaciones en el terreno de las artes plásticas.

Obra de Jasper Johns

Considerado como  precursor del arte pop  y  promotor del neo-dadaísmo no obstante su arte es inclasificable, pero imprescindible para entender  el arte de la segunda mitad del siglo XX.  En este caso nos presenta un centenar de piezas, que se compone de obras que abarcan unos cincuenta años de una de las carreras más apasionantes y consagradas del arte contemporáneo. Evidentemente, algunas pinturas proceden de museos americanos y europeos. Se podrá ver hasta el 24 de abril.

Nos vamos ahora  a Bilbao para recomendar no solo visitarla y degustar su excelente gastronomía, sino para que no se pierdan la exposición:”Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936”, en el  Museo Guggenheim Bilbao. Su propósito es  mostrar la transformación de la cultura europea acaecida en el intensamente agitado período de entreguerras. Resurgiendo del horror bélico, los artistas europeos deseaban recuperar el orden, la organización racional y los valores perdurables, en contraste con el prebélico énfasis de innovación a toda costa. Como consecuencia, durante el período de entreguerras, el equilibrio y la contundencia de las formas clásicas engendró una fusión de modernidad y antigüedad, alejándose de los espacios bidimensionales abstractos y de la fragmentación del Cubismo, el Futurismo, el Expresionismo y otros movimientos de vanguardia de principios del siglo XX.

Con más de 150 obras de distintas manifestaciones artísticas como pintura, escultura, fotografía, arquitectura, cine, moda o artes decorativas, esta muestra examina el “retorno al orden” en el período de entreguerras en Europa por medio de más de 90 artistas, entre los cuales se encuentran algunos de los más grandes maestros modernos de la primera mitad del siglo pasado como Georges Braque, Carlo Carrà, Giorgio de Chirico, Otto Dix, Pablo Gargallo, Fernand Léger, Aristide Maillol, Ludwig Mies van der Rohe, Pablo Picasso, Gio Ponti, Émile-Jacques Ruhlmann o August Sander.  Se podrá ver  del 22 de febrero al 15 de mayo de 2011.

Obra de Roberto Jacoby

Y en Madrid  recomendar en el Museo Reina Sofía la obra de Roberto Jacoby (Buenos Aires, 1944), protagonista del conceptualismo en Latina. La exposición es una  retrospectiva sobre el artista. La muestra, que se podrá ver en el Espacio Uno, Bóvedas y la Sala de Protocolo del Edificio Sabatini, estará abierta al público ente el 25 de febrero y el 30 de mayo. Como figura artística de referencia, Roberto Jacoby fue uno de los protagonistas del inicio del conceptualismo en Latinoamérica y uno de los artistas más prolíficos, versátiles e inquietos de su generación.

Y seguimos en el Museo Reina Sofía, recomendando ahora otra interesante exposición del artista Asier Mendizabal (Guipuzkoa, 1973). Se trata de una muestra “deliberadamente” sin título, que reúne varios de los trabajos más

recientes del autor vasco. A lo largo de doce piezas, entre esculturas, collages, fotografías e impresiones, Mendizabal investiga las relaciones entre forma, discurso e ideología.

Según afirmó Manuel Borja-Villel, director del museo, en la obra de Asier Mendizabal “los contenidos están en la forma”. El director del Reina opinó que posiblemente, “la modernidad ha dejado de ser un proyecto de futuro y haya pasado a ser nuestra tradición”. “Asier se enfrenta precisamente a este problema”, aseguró.

La exposición podrá verse hasta el 2 de mayo y se encuentra ubicada en la cuarta planta del Edificio Sabatini.

Seguimos en Madrid para recomendar en el Círculo de Bellas Artes  un recorrido por la evolución artística de José Caballero (Huelva, 1915- Madrid 1991), representante fundamental del arte abstracto español de la segunda mitad del siglo XX, a través de su obra en papel “Caminos de papel 1951-1991”  reúne más de 100 obras realizadas en cuarenta años de trayectoria creativa, donde se aprecia el alejamiento de la figuración y la

Obra de José Caballero

entrada en la abstracción del pintor. Comisariada espléndidamente por Jesús Cámara , quien comenta: “En esta muestra apreciamos el primer paso en la creación del artista…”. Para un pintor, el papel es el material primero donde visualiza el concepto, donde goza de libertad plena y donde puede experimentar. Y en la obra de Caballero esa libertad y los resultados que logra en sus bocetos son tan óptimos que se convierten en obras definitivas. La exposición José Caballero. Caminos de papel 1951 -1991 abarca desde principios de los años cincuenta, coincidiendo con su entrada de lleno en la pintura (primera exposición en la Galería Clan), hasta el final de sus días. Antes de 1950 había realizado sobre todo ilustraciones para libros y publicaciones, así como diseños para decoraciones teatrales y cinematográficas. Son cuarenta años de creatividad sobre papel, que van en paralelo al devenir de su pintura. En las obras que conforman la muestra podemos seguir su alejamiento de la figuración y su entrada en la abstracción, campo en el que no dejará de investigar y experimentar. Una abstracción en la que de vez en cuando aflora de nuevo la figuración, generalmente geométrica. En su obra, José Caballero no dejará nunca de investigar y de experimentar. Este complejo y nunca acabado proceso de búsqueda está plasmado en esta muestra, que podrá verse hasta el 3 de abril.

Obra de Darío Urzay

También recomendar en la galería Jorge Ontiveros de Madrid una muestra colectiva de doce artistas. Decorando las paredes de este espacio, casi mítico en Madrid, conforman esta propuesta: Nacho Angulo, Aldo Bahamonde, José Beulas, Martín Carral, Andoni Euba, Jorge Galindo, José Gallego, Raúl Montesdeoca, Carlos Morago, Carlos de Paz, Agustín Úbeda y Darío Urzay. Su director Rafael Navarro y sus colaboradores nos hacen un guiño con el título de la exposición “Arte y Funcionalidad”, intentando demostrar que cualquier objeto, desde el soporte más clásico como el lienzo y la pintura hasta elementos de reciclados con una clara idea “Dada”, puede y son obras de arte, teniendo en cuenta que siempre primará el concepto, la idea de la persona o las personas que lo han creado. Hacer cercana la obra de arte, obtenerla, compartir sitio y enriquecerla más aún incorporándola a la decoración, se consigue dándole funcionalidad. Se podrá ver  hasta el 31 de marzo.

Obra de Daniel Canogar

Y para terminar, no se pierdan en  la Sala Canal de Isabel ll la exposición de  Daniel Canogar “Travesías”  organizada por la Comunidad de Madrid. Travesías es una pantalla, de 30 metros de largo por 1,65 de ancho y traza en el aire una forma ondulante con bucle incluido. Esta pieza escultórica, alargada y estrecha, toma la apariencia de un enrevesado camino suspendido en el aire, creando formas sinuosas y generando interesantes perspectivas, con la aparición y desaparición de las imágenes a lo largo del recorrido.

El vídeo presentado sobre esta particular pantalla muestra diversas micro-narrativas o acciones captadas cenitalmente con una cámara de video digital, algunas ya presentadas en Bruselas, pero muchas otras captadas especialmente para la presentación vertical de la pieza en esta Sala.

De forma paralela, en la Fundación Canal (Mateo Inurria 2), se podrá ver la muestra Daniel Canogar. Vórtices, donde el artista nos invita a reflexionar sobre algunas cuestiones sociales derivadas del consumo de agua, su distribución y creciente contaminación.

Se podrá ver hasta el 15 de Mayo de 2011.

Espero que mis consejos os sirvan de guía, y me despido de vosotros hasta la primavera.