A pesar de todo, el ambiente  cálido y festivo de la Navidad genera un poquito de optimismo y alegría. Son fechas de compras y regalos y aunque tengamos que apretarnos un poco más el cinturón, porque  la crisis que tenemos  no es ninguna tontería y es  “para preocuparse”. Pero no debemos de perder la esperanza de que podamos entre todos resolverla, sobre todo por lo indignante que resulta ver tantas personas en paro y una juventud también desencantada. Creo que este cambio en elecciones nos haga reflexionar y darnos cuenta que no se puede ser cigarra por mucho tiempo y que el ejemplo de las hormigas es mucho más productivo, sobre todo ahora, en fin, que cada uno saque sus propias conclusiones.

De todas maneras  para quienes disfrutan con el arte, como yo, esto sigue siendo un método muy bueno  para olvidar un poco los problemas diarios y de hacer frente a la crisis con una actitud optimista. Yo me siento feliz de hacer estas humildes recomendaciones, de las cuales unas gustaran mas que otras, “faltaría mas”,  pero, eso sí, respetando siempre a todo el mundo, pues  “para gustos, colores”.  Recomendaciones siempre positivas, ya que de todas siempre se aprende algo y creo, cómo una vez me dijo un celebre y muy notable amigo escritor”…en la vida lo importante es avanzar, nos caemos, pero nos  levantamos, y seguimos andando…”. Después de esta reflexión, vamos a lo nuestro que es recomendar arte y que con esta crisis, siempre tenemos la posibilidad, en  la mayoría de las veces, de verlo gratis. También  es una forma de evadirnos, gozar, meditar, reflexionar y sentirnos en paz con nosotros mismos que tanta falta nos hace.

Empezaré por Madrid recomendando, en  la Academia de San Fernando, “Los orígenes de la fotografía en tres dimensiones “, que presenta una interesante exposición sobre fotografía estereoscópica, una técnica que surgió a mediados del siglo XIX y que se convertiría en el origen de lo que hoy conocemos como 3D. La exposición es el resultado de un proceso de investigación llevado a cabo por un grupo de fotógrafos y expertos en estereoscopía de toda España que ha durado más de seis años. Carlos Sánchez y Javier Piñar, comisarios de la muestra, han dirigido este proyecto que ha sacado a la luz “un ingente material fotográfico sobre España, que enseña una antigua y desconocida imagen del país”.

La muestra que se inaugura reúne más de un centenar de piezas, entre libros de viaje e imágenes de reconocidos fotógrafos, documentos sobre fotografía estereoscópica y cámaras y visores correspondientes, que dan cuenta del nacimiento de esta nueva técnica óptica.

Además de ilustrar cómo nació esta técnica fotográfica en la década de los 40, la exposición saca a la luz alguna de las primeras fotografías que profesionales franceses realizaron de España. Joseph Carpentier, J. Andrieu o Ernest Lamy captaron imágenes que se difundían posteriormente en Francia y que dieron a conocer la sociedad española en Europa.

Asistimos al surgimiento de la fotografía de viajes en una época, el siglo XIX, en que España se consideraba un destino exótico e ineludible para los artistas.

La muestra se organiza en varios ámbitos temáticos. En primer lugar, El viaje fotográfico a España, donde vemos la producción de fotografía estereoscópica sobre España en el momento de máximo auge de la literatura de viajes. En un segundo espacio, El artificio y la explotación de la visión espacial, vemos los esfuerzos e investigaciones que dieron como resultado la obtención de la visión tridimensional y su aplicación a la fotografía.

La exposición se cierra con un nutrido repertorio de imágenes elaborado por Carpentier, Lamy y Andrieu y las empresas editoriales de los hermanos Gaudin y Ferrier-Soulier. Imágenes que muestran escenarios del poder político como palacios, puertas urbanas o puertos de mar. Se podrá ver hasta  el 22 de Enero.

En el Museo Reina Sofía de Madrid, en el  edificio Sabatini, y Edificio Nouvel,   comisariaza por: Daina Augaitis  se puede ver “Encuentro, Entre/Between”, del artista, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942). Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedia a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos. Hasta el 26 de marzo de 2012.

Continuamos en Madrid. Si dais un paseo por el parque del Retiro no dejéis de visitar la exposición de la magnífica artista Soledad Sevilla (Valencia, 1944), cuyo título es “Escrito en los cuerpos celestes”. En esta muestra ha tratado de explorar las relaciones entre luz, materia y espacio, combinando el rigor analítico y el orden geométrico con la búsqueda de una experiencia sensorial y orgánica. Sus obras poseen una lógica poética interna que las singulariza y en ellas desempeñan un papel fundamental la evocación de lo intangible, la reflexión en torno al tiempo y el lenguaje, la presencia de lo paradójico o la investigación sobre las condiciones perceptivas de los sentidos.

De una pintura de carácter serial y geométrico, Soledad Sevilla ha ido derivando en una abstracción más “lírica” en la que se busca una complicidad entre lo emocional y lo racional y la geometría se convierte en una herramienta para el análisis espacial. A mediados de los años ochenta comienza a realizar sus primeras instalaciones que ella concibe como un medio complementario al pictórico, estableciendo entre ambos un fértil proceso de retroalimentación. En sus instalaciones -que se sitúan en la frontera entre la escultura, el land art y la arquitectura.

Escrito en los cuerpos celestes es una instalación creada ex profeso para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid. En ella Soledad Sevilla reproduce la bóveda y las paredes de este edificio a través de una estructura de aluminio y de una serie de paneles de policarbonato que recrean la imagen de un cielo nocturno en el que flotan, como si fueran estrellas ordenadas aleatoriamente, diversos signos lingüísticos. Es decir, el Palacio de Cristal, que en su origen fue un invernadero para plantas tropicales, alberga en su interior una réplica de sí mismo que funciona como su segunda piel. Una piel porosa y efímera que a la vez que le protege del exterior (del afuera), lo refleja y recrea, y que posibilita que el edificio se transforme en un espacio de reflexión sobre la fragilidad del lenguaje y la necesidad de comunicar y compartir. Se podrá ver hasta el  29 de abril de 2012, en el Palacio de Cristal, Parque del Retiro de Madrid.

Sin abandonar aún Madrid. La artista Amaya Bozal (Madrid, 1972) expone una nueva serie de pinturas en la que es  su segunda individual en la Galería Rayuela de Madrid. En esta ocasión, imbuida por la poesía romántica de William Blake, se sumerge en plena naturaleza de la sierra de Madrid para crear una nueva serie inspirada en las nubes y en el transcurrir de las distintas estaciones. Luces, aire y fenómenos atmosféricos. Pinturas que condensan en la tela la sensación de vivir y sentir el entorno natural. La exposición se compone de dos apartados: la obra sobre lienzo y sobre papel. En las nubes de las obras se monumentaliza el azul de Prusia casi en estado puro, resaltado con polvo de plata y aplicaciones de pan de plata, en un paisaje sin horizonte ni medidas, donde la luz surge de la propia tela, de la propia pintura. Podremos disfrutarla hasta el  31 de diciembre.

Y  ahora nos vamos al norte de España. El Museo Guggenheim Bilbao presenta Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao II. Esta es la segunda exposición de un ciclo iniciado en 2009, que se desarrollará hasta el año 2012, y que tiene como objetivo mostrar al público una selección de obras de la Colección del Museo, contextualizándolas y facilitando así una visión detallada del enfoque de la Colección. La muestra, comisariada por Petra Joos, Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao, profundiza en la obra de una serie de artistas europeos que irrumpieron mediante diversas expresiones artísticas en la escena ideológica, económica, social y política que regía el mundo en las décadas de los setenta y ochenta y originaron un interesante debate artístico. Se incluyen nombres como:  Georg Baselitz, Christian Boltanski, Anselm Kiefer, Jannis Kounellis, Richard Long, Gerhard Richter y Francesc Torres. La presentación se inicia en la sala 103 con dieciséis lienzos de Georg Baselitz (Deutschbaselitz, Alemania, 1938), que conforman su obra La señora Lenin y el Ruiseñor (Mrs. Lenin and the Nightingale, 2008) y que se muestran por primera vez en el Museo desde su reciente incorporación a la Colección Propia.

Con la creación del Museo Guggenheim Bilbao se creaba un compromiso de forjar una Colección que, al tiempo que complementara los fondos artísticos de los demás museos de la Red Guggenheim (la Colección Permanente), tuviera sus propias señas de identidad y sus rasgos distintivos.

Sin salir del Museo Guggenheim Bilbao podemos ver, también,  la exposición Brancusi-Serra, dedicada a dos de los escultores más relevantes del siglo XX: Constantin Brancusi (1876-1957) y Richard Serra (1938). Organizada en colaboración con la Fundación Beyeler de Basilea, la muestra examina la relación entre estos dos pioneros de la escultura por medio de cerca de cincuenta obras; una mirada a más de un siglo en el desarrollo de la escultura moderna. Brancusi, nacido en Rumania y residente en París desde 1904, redujo las formas escultóricas a su esencia, sentando así las bases primordiales para la escultura abstracta. Medio siglo más tarde, el artista estadounidense Richard Serra ha redefinido el efecto de la escultura creando minimalistas piezas de acero que atraen, literalmente, al observador a la obra. La muestra, concebida conjuntamente por el Museo Guggenheim Bilbao y la Fundación Beyeler, confronta la obra de estos dos artistas y propone un diálogo abierto entre ellos; ambos artistas han dejado una impronta dinámica en la historia del arte y han cambiado para siempre el curso de la escultura moderna. Hasta el 15 de abril. De martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.

Y del norte bajamos al sur hasta Málaga.  La Galería Isabel Hurley presenta la exposición que bajo el título “Corrección” nos muestra la obra de Mª Ángeles Díaz Barbado. Esta segunda exposición de Mª Angeles Díaz Barbado en la galería resulta del intento de reconstrucción de un paisaje desconocido, nunca visitado. Una selección de pinturas y dibujos sobre diferentes soportes y fotografías tratan de acercarnos al lugar donde se suceden los episodios decisivos en la vida de Roithamer y sus más allegados, que, junto al paisaje, componen la novela de igual título de Thomas Bernhard. El claustrofóbico entramado de construcción-corrección-destrucción pone de manifiesto las carencias afectivas y emocionales del hombre contemporáneo. Las aspiraciones de su autor, conducentes a la creación de un espacio utópico destinado a la salvación, un espacio concebido para la felicidad y que, sin embargo, porta el germen de la aniquilación. Igual que pasa con la vida, tampoco existe la obra perfecta, concluida. No es posible determinar el final de un proceso y su propósito último; sólo existe la certeza del proceso en una sucesión de etapas. La artista, poseedora también de una idea, capaz de diseñar una estrategia creativa alentada por la lectura de un texto estimulante, con el que se identifica y, asimismo, de unos valores y convicciones afines  , siguiendo su línea habitual, orden, pulcritud, sobriedad y acierto en la dosis equilibrada de lo emocional y lo racional, son el secreto de una fórmula magistral cuya poética se asienta en la economía de medios y el gesto expresionista en la línea y en la mancha. La omnipresencia del paisaje es el reflejo de su protagonismo en la obra de Bernhard y nos sitúa en otra órbita de reflexiones. No se trata de una naturaleza reproducida, ni se parte de una realidad natural, sino de la construcción a partir de un texto del que busca su equivalente. En el continuo salto entre el ámbito de la textualidad y el de la hipertextualidad se encuentra una de las claves más interesantes para abordar la lectura de Corrección, ya que bajo la apariencia de sencillez extrema subyace una compleja red de significantes y contenidos que aportan un dinamismo vivificante. Sus obras no son, por lo tanto, imágenes de la Naturaleza, sino de un sentimiento metafísico inaprensible. Del 25 de Noviembre de 2011 hasta el 14 de Enero de 2012.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta m.a.r.s. de Thomas Ruff. Gran referente de la fotografía y el arte contemporáneo y uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80.  La exposición, comisariada por Fernando Francés, muestra diferentes imágenes del universo, todas con un hilo conductor, que muestran espacios aparentemente lejanos, al alcance de la vista del espectador. El origen de las imágenes pasa a un segundo plano con la intervención de Ruff en todo el proceso creativo. La postproducción es lo que realmente importa en el trabajo del artista alemán, con unos resultados inesperados. La fotografía de Thomas Ruff se caracteriza por su persistente experimentación en torno a las propiedades del medio. Se aleja de la fotografía documental pues es consciente de que la fotografía sólo puede alcanzar la superficie de las cosas. Desde el 21 de octubre al 29 de enero.

En el Museo Picasso Málaga podremos disfrutar de la Colección de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, París. Alberto Giacometti, una exposición que muestra con precisión las diferentes etapas de la trayectoria artística de uno de los creadores más destacados del pasado siglo. Su obra es clave para entender el desarrollo de las vanguardias y la posterior evolución del arte contemporáneo, siendo a pesar de ello un autor inclasificable. Se trata de un proyecto que cuestiona la visión reduccionista con la que frecuentemente ha sido considerada la obra de este creador La exposición de Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901 – Coira, Suiza, 1966) reflexiona sobre trabajo de este creador clave en el arte del siglo XX, que coincidió en París con Pablo Picasso, si bien el artista suizo pertenecía a una generación posterior.  A pesar de las evidentes diferencias estéticas e intereses existenciales que definen la obra y la actitud de ambos, es posible detectar algunas coincidencias en la trayectoria de los dos creadores, como el hecho de que sus padres fueran también artistas, su formación académica, el traslado a París en su juventud desde países periféricos al centro artístico de la época o el gran interés compartido por los Maestros del pasado. Las  obras que reúne la exposición entre óleos, esculturas, dibujos, grabados, mobiliario y textiles, así como la veintena de fotografías de otros creadores que la documentan, están  distribuidas en varias secciones, organizadas cronológicamente para mostrar los diferentes momentos en la evolución de la investigación estética del artista suizo. Es importante reseñar que veinte de las obras que han venido a Málaga, entre las que se encuentran dos óleos, nunca antes habían sido prestadas por la Fundación Alberto y Annette Giacometti para una exposición, por lo que es la primera vez que pueden ser vistas.

Cabe destacar que por vez primera, y como complemento a la retrospectiva centrada en el artista, se muestran seis réplicas de esculturas en resina que ha producido expresamente la Fondation Alberto et Annette Giacometti  para esta exposición en el Museo Picasso Málaga. En colaboración con la ONCE se han organizado una serie de visitas para que personas con deficiencias visuales y el público en general conozcan el trabajo y creatividad del artista suizo. Del 17 octubre del 2011  al 5 de febrero de 2012.

Y para terminar, la Galería Alfredo Viñas expone la nueva muestra del pintor cántabro, establecido en Berlín, Antonio Mesones. El trabajo de Mesones se asienta sobre dos bases: la experiencia de la pintura, una cierta maestría e intuición adquiridas en el gesto y en el uso del color, y la búsqueda de la forma a través del dibujo. En las piezas expuestas en Alfredo Viñas los que conocen su obra verán el resultado de una coherente evolución, quienes, en cambio, se acerquen a su trabajo por primera vez, disfrutarán recreándose en las emociones inmediatas que generan las diversas composiciones y la amplia paleta de color. No se la pierdan. Estará abierta al público hasta el 8 de enero de 2012.

Espero que mis recomendaciones os sirvan de guía para que podáis pasar unas fiestas más optimistas, llenas de arte y con la ilusión de ver la luz al final del túnel.

Feliz Navidad y buena entrada al 2012 para todos. Nos reencontramos el año que viene.

Empezaré mis recomendaciones por la capital y centro geográfico de España: Madrid. En  el Museo del Prado la exposición,  “Roma. Naturaleza e Ideal (Paisajes 1600-1650)”. Una visita fundamental para entender el nacimiento del paisaje en el arte, su desarrollo y a los artistas que más influyeron en su consolidación. Una muestra que ya se ha podido apreciar en el Grand Palais de París. En total 84 pinturas y 19 dibujos, dispuestos en un orden cronológico, que nos adentra en el paisaje  como un género menor a un tema de prestigio, que era lo  requerido por los grandes mecenas de la época para decorar sus residencias. Se podrá ver  del 5 de julio al 25 de septiembre.

Y siguiendo en el Prado no olvidarse visitar la Galería Central y su nueva remodelación  que es un recorrido por la pintura europea ,que arranca en Tiziano, continúa por las obras de los pintores de la escuela veneciana, enlaza con Rubens, y termina con Goya. Y todo ello, bajo la atenta mirada de Velázquez.

Y seguimos en Madrid ya que desde el 8 de septiembre al 20 de noviembre,  el artista  madrileño José Manuel Ballester (Madrid, 1960)    protagonizará una gran exposición de fotografía en la Sala Alcalá 31 con el título de “abstracción en la realidad”. La muestra estará compuesta por medio centenar de las obras más recientes de Ballester prácticamente todas inéditas. La abstracción en la realidad quiere mostrar la capacidad de la mirada de Ballester para lograr que lo estático se convierta en eterno, eliminando la percepción temporal y trabajando con total destreza la dimensión espacial.  La fotografía de José Manuel Ballester, que ha expuesto en ciudades como Nueva York, París, Pekín y Toronto, retrata el instante de manera tal que parece atemporal incluso antes de que el objetivo se fije en la escena.

En la Caixa Forum de Madrid, hasta el 20 de noviembre os recomiendo la exposición “Teotihuacan, Ciudad de Dioses”, es la mayor exposición organizada nunca sobre la mítica civilización prehispánica que se desarrolló en el centro de México. La muestra reúne más de 400 piezas que permitirán al visitante descubrir los aspectos más destacados de su cultura. Situada a cuarenta y cinco kilómetros de Ciudad de México, Teotihuacan fue durante ocho siglos (desde el s. II A.C. hasta el s. VII d. C.) el centro cultural, político y religioso de una potente civilización, que tiene en las célebres Pirámide del Sol y Pirámide de la Luna sus símbolos más reconocibles. Se podrá disfrutar de pintura mural, esculturas en piedra, estatuillas trabajadas en obsidiana, bellos recipientes de cerámica, suntuosos ornamentos de joyería prehispánica, máscaras rituales o figurillas de animales mitológicos de gran importancia en esta civilización como el jaguar o la serpiente. A lo largo del recorrido se aborda la civilización teotihuacana desde diferentes puntos de vista: la arquitectura y el urbanismo, la política, la guerra y la economía, las creencias y los rituales, la vida en los palacios y en las calles de la ciudad, y las relaciones con las culturas de su entorno.

No es la primera vez que la Obra Social “la Caixa” se interesa por las grandes culturas del pasado. En pasadas temporadas se pudieron ver muestras sobre la ruta de las estepas, Afganistán, Nubia, el Imperio persa o los tesoros del Reino de Arabia Saudí. El objetivo es mostrar al público las distintas formas en que hombres y mujeres de diversos lugares y épocas se han enfrentado a las grandes cuestiones universales, además de ampliar perspectivas sobre el mundo.

Y para quien le guste la fotografía, también en la Caixa Forum de Madrid  se puede ver una exposición interactiva de fotografías sobre Haití, que tiene el   objetivo de que no se olvide la grave situación que todavía hoy sufre el pueblo de Haití un año después del terremoto que devastó el país. La exposición “Haití. 34 segundos después”, es un recorrido por el seísmo y sus consecuencias. A través de las fotografías de Emilio Morenatti y Marta Ramoneda y de los documentales de Oriol Gispert, el visitante podrá acercase a cómo fueron los segundos del terremoto y conocer los proyectos de rehabilitación que llevan a cabo las ONGs que trabajan en el país caribeño. Se puede ver hasta el 2 de octubre.

Recomendadísima también es la exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de la obra del artista Antonio López,  nacido en Tomelloso (Ciudad Real) en 1936 y considerado como el gran representante del realismo y la figuración española contemporánea , es, sin duda, el artista español vivo más cotizado y reconocido, tanto fuera como dentro de España. Y sin embargo, a sus 75 años, el genio sigue siendo el hombre humilde, sencillo y cercano que ha sido siempre. Exposición de carácter casi autobiográfico, ya que ha sido el propio artista el que ha pilotado la selección y montaje junto a los comisarios. La exposición reúne las piezas de los últimos veinte años y las que llegan directamente de su estudio, No hay un orden cronológico, el recorrido va hacia adelante y hacia atrás en la obra en la que convive, de manera equilibrada, la pintura, el dibujo y la escultura. Las vistas de Madrid, incluidas las más recientes de la Gran Vía, se exponen junto a cuadros de su Tomelloso natal, a pinturas y dibujos o a sus retratos de parejas y sus interiores. Están los temas recurrentes en el universo de Antonio López, sus influencias y su conexión con la tradición, de la que se considera heredero hasta la obsesión. La muestra se completa con la proyección en una de las salas de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López en este último año. Se puede ver hasta el 25 de Septiembre.

Quien esté por la bella localidad de Riaza, provincia de Segovia,  recomiendo no dejar de ver, en  la galería de arte Fontanar,  la  exposición de Luis Moro,  trilogía (2008-2011). Se trata de una cuidada selección de obras  de tres series del artista segoviano, dichas series fueron expuestas del 2008 al 2011  en museos de Francia, España y México, se acompañan de varias obras inéditas  y de obra gráfica original de Luis Moro editada por Fontanar ediciones. Reflejos es una serie de dibujos, pinturas, acuarelas y grabados sobre el elemento líquido, las fuentes de La Granja y su mitología barroca. Ha sido presentada en el Museo Centro Nacional del Vidrio de esta localidad segoviana y en el Museo Goya de Castres, creando un puente entre ambas ciudades. Se acompañará de una serie de grabados editados por Fontanar. La exposición  de Luis Moro, Trilogía (2008-2011)  se puede ver hasta el 11 de Septiembre.

Y si estáis cerca del encantador pueblo de Azuzar en Navarra no dejéis de visitar el Museo Oteiza, que además de la obra del prestigioso escultor, también podéis ver una exposición temporal titulada “Grávido o liviano” del  artista Juan Navarro Baldeweg.  La  relación entre la práctica arquitectónica y la creación artística en la obra de Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939) ha trazado un territorio de escasas delimitaciones a lo largo de la trayectoria creativa de este autor.  Esa preocupación por lo experimental, más allá de los límites de lo arquitectónico, ha encontrado uno de sus mejores exponentes en el proyecto La mesa (1974-2005), conformado por un gran escenario sobre el que se disponen un  conjunto de piezas, en las que el equilibrio, la gravedad y la tensión estructural articulan una singular propuesta artística.

Junto con La mesa, el Museo Oteiza muestra también un conjunto formado por 160 dibujos, que muestran el escenario de la ideación previa, en el que la mano de autor proyecta los primeros bocetos de este escenario trazado. Los dibujos se exponen junto a los cuadernos originales que los contienen, que se presentan por primera vez en una exposición.  Se puede ver hasta el 11 de septiembre de 2011.

Bajamos al sur, en Málaga,  recomiendo la exposición “Intervalos”, de la artista valenciana Carmen Calvo, en el convento de Santo Domingo de Ronda. Es una de las artistas españolas de más prestigio internacional en este momento. Estará hasta el 11 de  septiembre.

En Benalmádena, en el  Centro de Exposiciones del Ayuntamiento, os recomiendo, sobre todo a aquellos que os gusta la fotografía, la exposición “Al fin y al cabo”, del artista Carlos Perez Siquier (Almería, 1930), quien está considerado uno de los históricos de la vanguardia fotográfica en España. Se puede ver hasta el 18 de Septiembre.

Y para terminar   y siguiendo con la fotografía, os recomiendo  “Picasso crea”, que es una exposición  de David Douglas Duncan y que reúne en el Museo Picasso Málaga una selección de 115 fotografías, escogidas de entre las miles que Duncan tomó del artista y su entorno en aquellos años. La exposición muestra asimismo un total de 77 obras de Pablo Picasso que aparecen en las instantáneas para dialogar con ellas y permitir adentrarse en el universo insólito del creador.  Se puede visitar hasta el 25 de septiembre.

Espero que mis recomendaciones os orienten, de alguna manera, a que vuestras vacaciones sean más enriquecedoras y fructíferas, en definitiva a que disfrutéis  todo lo que podáis con vuestros cinco sentidos, ya que las vacaciones duran poco y la vuelta al trabajo y a la rutina nos tiene que encontrar fortalecidos de cuerpo y mente. Felices vacaciones.

The GreenHouse Experience es un proyecto que gira entorno a los conceptos de sostenibilidad social y energética. Localizado en el citado barrio de Pantin, al norte de París, el proyecto se enfrenta a unas condiciones climáticas continentales de inviernos fríos y veranos cálidos. El edificio es un antiguo almacén industrial formado por dos volúmenes paralelepípedos de grandes dimensiones unidos entre ellos por pasarelas a distintos niveles.

Partiendo de la base de que el único edificio realmente sostenible es aquel que no existe, se planteó una actuación sin ánimo de grandes alardes sino más bien de “quitar” y “poner” donde fuera preciso para, de este modo, sacar el máximo rendimiento al edificio en términos de aprovechamiento por parte de la comunidad y de autoabastecimiento energético. La inclusión de un gran número de usos y un proceso proyectual basado en la creación y conservación de la energía han sido las premisas auto-impuestas que han dado forma a la propuesta.

La optimización energética ha sido, también, abarcada desde dos puntos de vista diferentes. La primera acción consiste en la sustracción de materia, creando así patios escalonados interiores que dotan al edificio de unas condiciones lumínicas óptimas. La segunda se centra en la envolvente exterior, la piel del edificio que lo relaciona con su entorno y que se manifiesta cerrada y aislada en distintos grados dependiendo de la exposición (orientación y condiciones externas) a la que esté dando respuesta para, de este modo, lograr unas condiciones térmicas adecuadas.

La relación de la epidermis con el interior se realiza bien mediante un lazo convectivo desarrollado gracias a los diferenciales de temperatura derivados de la exposición sur, o bien mediante conducción dejando “respirar” a los muros el calor almacenado durante el día. Por último se dispone del suficiente aislamiento para, una vez se han alcanzado las condiciones óptimas, conservarlas y propiciar el desarrollo de las distintas actividades propuestas en el proyecto.

Carlos Franco Cienfuegos

Fabio Rivas Zorrilla

Francisco Rojas Rivadulla

El libro “Africa, en la otra orilla“, promovido y editado por la asociación Bushara, ya está en la calle. Se trata de un libro de fotografía del autor Jose Luis García García (Granada, 1964) con las aportaciones literarias de Salvador Lopez Becerra, Gema Martínez García y Victor Vázquez Aybar, entre otros, y la participación estelar de la cantante Luz Casal y el jugador de baloncesto de la NBA, Nate Robinson que se han sumado a la ilusión puesta en el proyecto de construir una escuela en Maradi (Níger) al que irán destinados íntegros los beneficios derivados de la venta del libro, cuya compra recomendamos encarecidamente por tantos motivos.

El ensayo realiza un recorrido por autores tan importantes como Arbus, Cartier-Bresson, Evans, Avedon o Warhol, por los contextos en que realizan sus obras, como guerras, burdeles, campos o fábricas, así como por los diferentes estados emocionales y sensaciones que transmiten a los espectadores.
El éxito de la propuesta de Susan Sontag es no intentar enunciar verdades absolutas, sino  reconstruir contextos a partir de los cuales el lector pueda verse capacitado para sacar sus propias conclusiones sobre el papel y el significado de la fotografía en la sociedad del siglo XX.
De esta forma, se puede considerar Sobre la fotografía como un excelente conjunto de aforismos en los que Sontag nos ofrece una serie de estímulos que ayudan a despertar en el lector el afán de investigar y reflexionar sobre diversos temas entorno a la relación entre la técnica, la tecnología y el arte.
La estructura y organización del libro resulta original y alejada del encorsetamiento de muchos ensayos, producto, quizás, del modo en que fue desarrollado por su autora.
En el prólogo del libro Susan Sontag explica de forma muy resumida el proceso creativo de la obra: escribió un ensayo sobre los problemas morales y estéticos que le sugería la presencia en nuestra sociedad de imágenes fotografiadas. Este ensayo le llevo a otra serie de ensayos con este mismo tema como centro, que fueron unidos y recopilados, finalmente, en Sobre la fotografía.
Esta organización del libro favorece la lectura pausada y reflexiva de la misma, facilitándonos la autora acercarnos a lugares poco transitados o inexplorados, en muchos casos.
Como ideas que aparecen de forma recurrente en el libro está la del carácter esteticista de la fotografía que tiene su origen en el paso del tiempo, en la fugacidad de este, que vuelve surreal a la fotografía.
Las fotografías son para Sontag estéticamente indestructibles. Ese surrealismo, que Sontag apunta en la médula de la fotografía, puede servir para que conservemos del mundo aquello que nos interese.
La fotografía es un vínculo entre la nostalgia y el paso del tiempo, una forma de luchar contra el irremediable paso del tiempo y, por tanto, constituye un mecanismo de defensa contra la angustia que provoca ese paso del tiempo.
Para la autora existe el temor de que la fotografía pase a tener un carácter claramente reaccionario, así como teme que esa tendencia estetizante reinante en la cultura fotográfica acabe por hacer caer a esta disciplina en el vacío del consumismo, en el que todo es un producto.
Otra idea que Sontag expone es la estrecha relación existente entre la fotografía y la realidad. Por un lado, la fotografía es capaz de dotar de realidad a las imágenes y, por otro, es la que hace que estas pierdan parte de esa realidad.
He aquí el poder y la característica básica de la fotografía, ya que a la vez que nos ofrece una representación de la realidad tiene la capacidad de poder falsearla.
Este es el mayor temor que tiene la autora al escribir este ensayo y al hablar del matiz esteticista y surreal de la fotografía.
En el mismo preciso momento en que el fotógrafo acciona su cámara transforma ese preciso instante de realidad en pasado. De esta forma, la fotografía pone en evidencia la perecedera realidad. El realismo que transmite la fotografía tiene más que ver con las sensaciones y con lo que se percibe que con lo que realmente hay.
De esta forma, hay presente en la obra toda una dialecta, con la fotografía como centro, entre la realidad y la percepción de esta. Así, la fotografía no es sólo una interpretación de la realidad, sino también una máscara que puede conferir realidad o demostrar que esta no existe. Por esto Sontag considera que la fotografía recicla lo real.
Otra cuestión fundamental que arroja la obra es la relación entre el autor, el fotógrafo y la propia fotografía. Desde aquí, la autora analiza hasta que punto fotografiar un hecho  es apropiarse de él.
Para Susan Sontag apropiarse de la realidad constituiría el primer paso para la apropiación fotográfica, de ahí que apunte la posibilidad de que los fotógrafos contribuyan a fijar diferentes ideologías a través de las imágenes que captan.
Reside ahí la importancia de la fotografía desde un puesto de vista ético, como técnica y arte que, con la labor de los fotógrafos, es capaz de captar y conservar una parte de la realidad.
Por ello se hace necesario conocer todos los aspectos del lenguaje propio de la fotografía y conocer lo que esta supone dentro de nuestra sociedad y nuestra cultura, en la que tanto poder e influencia tienen la imagen y los medios de comunicación de masas.
Décadas después de la publicación de Sobre la fotografía esta obra sigue siendo un ensayo que disfruta de plena vigencia.
El desarrollo vertiginoso que desde entonces ha experimentado nuestra sociedad desde la perspectiva de la ciencia, la tecnología y, especialmente, de los medios de comunicación, han conferido a la imagen y a la fotografía de un poder y de un significado estético y ético aún más amplio y profundo del que disfrutaba en los años setenta, momento en el cual Sontag hace estas reflexiones.
Es por esto que, pasada ya la primera década del siglo XXI, este ensayo nos ofrece reflexiones y, lo que es más importante, nos invita a reflexionar sobre la sociedad actual partiendo del papel de la fotografía y la imagen en nuestra cultura.

Cristóbal Villalobos

Escritor e historiador

La palabra que da nombre a la serie, Kéyah, quiere decir tierra en lengua navajo y es que, según explica los responsables de la propia galería, “en sus últimos proyectos Belinchón se ha centrado en mostrar aquitecturas o espacios vacíos que le sirvieran para hablar de las personas, la gente y lo colectivo, pero sin mostrar físicamente al individuo. Con Kéyah pone especial interés en el concepto de tierra para hacer referencia al hombre y sus orígenes. El concepto de tierra le permite acceder a ciertos valores y cualidades propias de las culturas rurales como la fertilidad, la sexualidad, la fábula. Tiene que ver por otra parte con la búsqueda de lo ancestral y lo primitivo. Utiliza las tierras de las reservas de los indios Navajo por el fuerte vínculo que existe entre el hombre y la naturaleza.“

Aún así, en las fotografías tan solo la huella de una mano indica la presencia de personas en este entorno mágico y hóstil que el fotógrafo ha conseguido mostrar de una manera especialmente hermosa. En el desierto de Arizona el viento ha ido moldenado, a lo largo de miles de años, estos cañones en los que la luz propicia juegos de color tan espléndidos como inverosímiles y cambiantes que contrastan con las sombras provocadas por los giros y recodos de un terreno moldeado a capricho por la naturaleza. Un terreno y una tierra, en la que surgen esas formas en las que el autor ha querido ver el reflejo del propio cuerpo humano. Un exposición, en definitiva, muy recomendale que estará abierta al público hasta el próximo 29 de mayo. En la web del autor podréis encontrar información y muestras de toda su obra.

Jornadas de puertas abiertas

Jueves 10 de septiembre, Nit 10 TVC, de 19 a 22 h

Viernes 11 de septiembre, Diada Nacional de Catalunya, de 10 a 14.30 h

Jueves 24 de septiembre, La Mercè, de 10 a 14.30 h

Hagamos memoria

La Guerra Civil a través de vuestras fotografías

Muestra del 22 al 27 de septiembre

Una iniciativa del MNAC y El Periódico

Más información: www.mnac.cat i www.elperiodico.cat/memoria

Iniciativa conjunta entre el MNAC y El Periódico, mediante la cual le convocamos a que nos envíe sus imágenes familiares del período de la Guerra Civil. Posteriormente, las fotografías seleccionadas configurarán la exposición que se podrá ver el próximo mes de septiembre en el MNAC.

Visitas comentadas

Servicio gratuito (incluido con la entrada de la exposición)

Sábados a las 11 h (castellano) y a las 12.30 h (catalán) a partir del sábado 18 de julio

Duración: 1 h 30 min. Plazas limitadas

Los dispositivos de audio se entregan 20 minutos antes de cada visita en el mostrador de grupos. Para facilitar el reparto, le rogamos máxima puntualidad.

En casos excepcionales, el Museo puede variar las condiciones de acceso a la visita guiada. Rogamos disculpe las molestias.

Presentando la entrada a las exposiciones o la general del Museo en la Librería del MNAC, obtendréis un 5 % de descuento en la adquisición de los catálogos (valido hasta el 27 de septiembre de 2009)

A través de fotografías, comentarios manuscritos, libros y revistas, las historias cobran vida y nos permiten comprobar cómo trabajaba Capa. Muerte de un miliciano republicano, 1936; La batalla del río Segre, 1938, y Refugiados de Barcelona, 1939, centran su crónica de la Guerra Civil española. China, 1938, documenta el conflicto sinojaponés. Día-D, 1944, y Liberación de Leipzig, 1945, presiden sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial.

Entre estos documentos, encontramos una imagen inédita y 3 hojas de contactos de una de las series más dramáticas: la realizada en la Batalla del Segre en noviembre del 38, y que forma parte del material encontrado en la conocida como “maleta mexicana”, recuperada en México en 2007.

Compartiendo sala con esta muestra, el MNAC exhibe Gerda Taro, la primera gran retrospectiva dedicada a esta fotoperiodista, compañera profesional y sentimental de Capa.

El MNAC acoge las dos exposiciones precisamente en 2009, cuando se cumple el 70 aniversario del fin de la Guerra Civil española.

Desde que a principios de los años ochenta retratara a protagonistas anónimos de la movida madrileña, Miguel Trillo ha documentado la evolución de las tribus urbanas (mods, punkies, siniestros, raperos, heavies…) en la España de las tres últimas décadas. Sus fotografías de adolescentes y jóvenes que intentan construir su identidad a partir de la asunción de determinados atuendos y/o comportamientos, reflejan también las contradicciones de una sociedad que ha experimentado una profunda transformación en un periodo de tiempo muy corto.

El enfoque que Trillo hace de las tribus urbanas es afirmativo y está claramente puesto al servicio de un fin: “la vida y la obra de un artista están en su coco y en su manzana habitual. No hay que confundir el arte con la realidad en porciones”, afirma para después añadir con la sabiduría que ha ido aprendiendo de la ley de la calle: “si separáramos a los artistas en dos grupos, cazadores y pescadores, yo seria pescador”.

Miguel Trillo. Identidades es una exposición retrospectiva de la obra de esta artista andaluz que reúne un total de 170 fotografías realizadas en diferentes países del mundo. Con motivo de esta exposición se ha editado un extenso catálogo de la misma.

Fecha: 23 Abril – 30 de Agosto 2009
Lugar: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo