A pesar de todo, el ambiente  cálido y festivo de la Navidad genera un poquito de optimismo y alegría. Son fechas de compras y regalos y aunque tengamos que apretarnos un poco más el cinturón, porque  la crisis que tenemos  no es ninguna tontería y es  “para preocuparse”. Pero no debemos de perder la esperanza de que podamos entre todos resolverla, sobre todo por lo indignante que resulta ver tantas personas en paro y una juventud también desencantada. Creo que este cambio en elecciones nos haga reflexionar y darnos cuenta que no se puede ser cigarra por mucho tiempo y que el ejemplo de las hormigas es mucho más productivo, sobre todo ahora, en fin, que cada uno saque sus propias conclusiones.

De todas maneras  para quienes disfrutan con el arte, como yo, esto sigue siendo un método muy bueno  para olvidar un poco los problemas diarios y de hacer frente a la crisis con una actitud optimista. Yo me siento feliz de hacer estas humildes recomendaciones, de las cuales unas gustaran mas que otras, “faltaría mas”,  pero, eso sí, respetando siempre a todo el mundo, pues  “para gustos, colores”.  Recomendaciones siempre positivas, ya que de todas siempre se aprende algo y creo, cómo una vez me dijo un celebre y muy notable amigo escritor”…en la vida lo importante es avanzar, nos caemos, pero nos  levantamos, y seguimos andando…”. Después de esta reflexión, vamos a lo nuestro que es recomendar arte y que con esta crisis, siempre tenemos la posibilidad, en  la mayoría de las veces, de verlo gratis. También  es una forma de evadirnos, gozar, meditar, reflexionar y sentirnos en paz con nosotros mismos que tanta falta nos hace.

Empezaré por Madrid recomendando, en  la Academia de San Fernando, “Los orígenes de la fotografía en tres dimensiones “, que presenta una interesante exposición sobre fotografía estereoscópica, una técnica que surgió a mediados del siglo XIX y que se convertiría en el origen de lo que hoy conocemos como 3D. La exposición es el resultado de un proceso de investigación llevado a cabo por un grupo de fotógrafos y expertos en estereoscopía de toda España que ha durado más de seis años. Carlos Sánchez y Javier Piñar, comisarios de la muestra, han dirigido este proyecto que ha sacado a la luz “un ingente material fotográfico sobre España, que enseña una antigua y desconocida imagen del país”.

La muestra que se inaugura reúne más de un centenar de piezas, entre libros de viaje e imágenes de reconocidos fotógrafos, documentos sobre fotografía estereoscópica y cámaras y visores correspondientes, que dan cuenta del nacimiento de esta nueva técnica óptica.

Además de ilustrar cómo nació esta técnica fotográfica en la década de los 40, la exposición saca a la luz alguna de las primeras fotografías que profesionales franceses realizaron de España. Joseph Carpentier, J. Andrieu o Ernest Lamy captaron imágenes que se difundían posteriormente en Francia y que dieron a conocer la sociedad española en Europa.

Asistimos al surgimiento de la fotografía de viajes en una época, el siglo XIX, en que España se consideraba un destino exótico e ineludible para los artistas.

La muestra se organiza en varios ámbitos temáticos. En primer lugar, El viaje fotográfico a España, donde vemos la producción de fotografía estereoscópica sobre España en el momento de máximo auge de la literatura de viajes. En un segundo espacio, El artificio y la explotación de la visión espacial, vemos los esfuerzos e investigaciones que dieron como resultado la obtención de la visión tridimensional y su aplicación a la fotografía.

La exposición se cierra con un nutrido repertorio de imágenes elaborado por Carpentier, Lamy y Andrieu y las empresas editoriales de los hermanos Gaudin y Ferrier-Soulier. Imágenes que muestran escenarios del poder político como palacios, puertas urbanas o puertos de mar. Se podrá ver hasta  el 22 de Enero.

En el Museo Reina Sofía de Madrid, en el  edificio Sabatini, y Edificio Nouvel,   comisariaza por: Daina Augaitis  se puede ver “Encuentro, Entre/Between”, del artista, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942). Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedia a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos. Hasta el 26 de marzo de 2012.

Continuamos en Madrid. Si dais un paseo por el parque del Retiro no dejéis de visitar la exposición de la magnífica artista Soledad Sevilla (Valencia, 1944), cuyo título es “Escrito en los cuerpos celestes”. En esta muestra ha tratado de explorar las relaciones entre luz, materia y espacio, combinando el rigor analítico y el orden geométrico con la búsqueda de una experiencia sensorial y orgánica. Sus obras poseen una lógica poética interna que las singulariza y en ellas desempeñan un papel fundamental la evocación de lo intangible, la reflexión en torno al tiempo y el lenguaje, la presencia de lo paradójico o la investigación sobre las condiciones perceptivas de los sentidos.

De una pintura de carácter serial y geométrico, Soledad Sevilla ha ido derivando en una abstracción más “lírica” en la que se busca una complicidad entre lo emocional y lo racional y la geometría se convierte en una herramienta para el análisis espacial. A mediados de los años ochenta comienza a realizar sus primeras instalaciones que ella concibe como un medio complementario al pictórico, estableciendo entre ambos un fértil proceso de retroalimentación. En sus instalaciones -que se sitúan en la frontera entre la escultura, el land art y la arquitectura.

Escrito en los cuerpos celestes es una instalación creada ex profeso para el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid. En ella Soledad Sevilla reproduce la bóveda y las paredes de este edificio a través de una estructura de aluminio y de una serie de paneles de policarbonato que recrean la imagen de un cielo nocturno en el que flotan, como si fueran estrellas ordenadas aleatoriamente, diversos signos lingüísticos. Es decir, el Palacio de Cristal, que en su origen fue un invernadero para plantas tropicales, alberga en su interior una réplica de sí mismo que funciona como su segunda piel. Una piel porosa y efímera que a la vez que le protege del exterior (del afuera), lo refleja y recrea, y que posibilita que el edificio se transforme en un espacio de reflexión sobre la fragilidad del lenguaje y la necesidad de comunicar y compartir. Se podrá ver hasta el  29 de abril de 2012, en el Palacio de Cristal, Parque del Retiro de Madrid.

Sin abandonar aún Madrid. La artista Amaya Bozal (Madrid, 1972) expone una nueva serie de pinturas en la que es  su segunda individual en la Galería Rayuela de Madrid. En esta ocasión, imbuida por la poesía romántica de William Blake, se sumerge en plena naturaleza de la sierra de Madrid para crear una nueva serie inspirada en las nubes y en el transcurrir de las distintas estaciones. Luces, aire y fenómenos atmosféricos. Pinturas que condensan en la tela la sensación de vivir y sentir el entorno natural. La exposición se compone de dos apartados: la obra sobre lienzo y sobre papel. En las nubes de las obras se monumentaliza el azul de Prusia casi en estado puro, resaltado con polvo de plata y aplicaciones de pan de plata, en un paisaje sin horizonte ni medidas, donde la luz surge de la propia tela, de la propia pintura. Podremos disfrutarla hasta el  31 de diciembre.

Y  ahora nos vamos al norte de España. El Museo Guggenheim Bilbao presenta Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao II. Esta es la segunda exposición de un ciclo iniciado en 2009, que se desarrollará hasta el año 2012, y que tiene como objetivo mostrar al público una selección de obras de la Colección del Museo, contextualizándolas y facilitando así una visión detallada del enfoque de la Colección. La muestra, comisariada por Petra Joos, Directora de Actividades Museísticas del Museo Guggenheim Bilbao, profundiza en la obra de una serie de artistas europeos que irrumpieron mediante diversas expresiones artísticas en la escena ideológica, económica, social y política que regía el mundo en las décadas de los setenta y ochenta y originaron un interesante debate artístico. Se incluyen nombres como:  Georg Baselitz, Christian Boltanski, Anselm Kiefer, Jannis Kounellis, Richard Long, Gerhard Richter y Francesc Torres. La presentación se inicia en la sala 103 con dieciséis lienzos de Georg Baselitz (Deutschbaselitz, Alemania, 1938), que conforman su obra La señora Lenin y el Ruiseñor (Mrs. Lenin and the Nightingale, 2008) y que se muestran por primera vez en el Museo desde su reciente incorporación a la Colección Propia.

Con la creación del Museo Guggenheim Bilbao se creaba un compromiso de forjar una Colección que, al tiempo que complementara los fondos artísticos de los demás museos de la Red Guggenheim (la Colección Permanente), tuviera sus propias señas de identidad y sus rasgos distintivos.

Sin salir del Museo Guggenheim Bilbao podemos ver, también,  la exposición Brancusi-Serra, dedicada a dos de los escultores más relevantes del siglo XX: Constantin Brancusi (1876-1957) y Richard Serra (1938). Organizada en colaboración con la Fundación Beyeler de Basilea, la muestra examina la relación entre estos dos pioneros de la escultura por medio de cerca de cincuenta obras; una mirada a más de un siglo en el desarrollo de la escultura moderna. Brancusi, nacido en Rumania y residente en París desde 1904, redujo las formas escultóricas a su esencia, sentando así las bases primordiales para la escultura abstracta. Medio siglo más tarde, el artista estadounidense Richard Serra ha redefinido el efecto de la escultura creando minimalistas piezas de acero que atraen, literalmente, al observador a la obra. La muestra, concebida conjuntamente por el Museo Guggenheim Bilbao y la Fundación Beyeler, confronta la obra de estos dos artistas y propone un diálogo abierto entre ellos; ambos artistas han dejado una impronta dinámica en la historia del arte y han cambiado para siempre el curso de la escultura moderna. Hasta el 15 de abril. De martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.

Y del norte bajamos al sur hasta Málaga.  La Galería Isabel Hurley presenta la exposición que bajo el título “Corrección” nos muestra la obra de Mª Ángeles Díaz Barbado. Esta segunda exposición de Mª Angeles Díaz Barbado en la galería resulta del intento de reconstrucción de un paisaje desconocido, nunca visitado. Una selección de pinturas y dibujos sobre diferentes soportes y fotografías tratan de acercarnos al lugar donde se suceden los episodios decisivos en la vida de Roithamer y sus más allegados, que, junto al paisaje, componen la novela de igual título de Thomas Bernhard. El claustrofóbico entramado de construcción-corrección-destrucción pone de manifiesto las carencias afectivas y emocionales del hombre contemporáneo. Las aspiraciones de su autor, conducentes a la creación de un espacio utópico destinado a la salvación, un espacio concebido para la felicidad y que, sin embargo, porta el germen de la aniquilación. Igual que pasa con la vida, tampoco existe la obra perfecta, concluida. No es posible determinar el final de un proceso y su propósito último; sólo existe la certeza del proceso en una sucesión de etapas. La artista, poseedora también de una idea, capaz de diseñar una estrategia creativa alentada por la lectura de un texto estimulante, con el que se identifica y, asimismo, de unos valores y convicciones afines  , siguiendo su línea habitual, orden, pulcritud, sobriedad y acierto en la dosis equilibrada de lo emocional y lo racional, son el secreto de una fórmula magistral cuya poética se asienta en la economía de medios y el gesto expresionista en la línea y en la mancha. La omnipresencia del paisaje es el reflejo de su protagonismo en la obra de Bernhard y nos sitúa en otra órbita de reflexiones. No se trata de una naturaleza reproducida, ni se parte de una realidad natural, sino de la construcción a partir de un texto del que busca su equivalente. En el continuo salto entre el ámbito de la textualidad y el de la hipertextualidad se encuentra una de las claves más interesantes para abordar la lectura de Corrección, ya que bajo la apariencia de sencillez extrema subyace una compleja red de significantes y contenidos que aportan un dinamismo vivificante. Sus obras no son, por lo tanto, imágenes de la Naturaleza, sino de un sentimiento metafísico inaprensible. Del 25 de Noviembre de 2011 hasta el 14 de Enero de 2012.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta m.a.r.s. de Thomas Ruff. Gran referente de la fotografía y el arte contemporáneo y uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80.  La exposición, comisariada por Fernando Francés, muestra diferentes imágenes del universo, todas con un hilo conductor, que muestran espacios aparentemente lejanos, al alcance de la vista del espectador. El origen de las imágenes pasa a un segundo plano con la intervención de Ruff en todo el proceso creativo. La postproducción es lo que realmente importa en el trabajo del artista alemán, con unos resultados inesperados. La fotografía de Thomas Ruff se caracteriza por su persistente experimentación en torno a las propiedades del medio. Se aleja de la fotografía documental pues es consciente de que la fotografía sólo puede alcanzar la superficie de las cosas. Desde el 21 de octubre al 29 de enero.

En el Museo Picasso Málaga podremos disfrutar de la Colección de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, París. Alberto Giacometti, una exposición que muestra con precisión las diferentes etapas de la trayectoria artística de uno de los creadores más destacados del pasado siglo. Su obra es clave para entender el desarrollo de las vanguardias y la posterior evolución del arte contemporáneo, siendo a pesar de ello un autor inclasificable. Se trata de un proyecto que cuestiona la visión reduccionista con la que frecuentemente ha sido considerada la obra de este creador La exposición de Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901 – Coira, Suiza, 1966) reflexiona sobre trabajo de este creador clave en el arte del siglo XX, que coincidió en París con Pablo Picasso, si bien el artista suizo pertenecía a una generación posterior.  A pesar de las evidentes diferencias estéticas e intereses existenciales que definen la obra y la actitud de ambos, es posible detectar algunas coincidencias en la trayectoria de los dos creadores, como el hecho de que sus padres fueran también artistas, su formación académica, el traslado a París en su juventud desde países periféricos al centro artístico de la época o el gran interés compartido por los Maestros del pasado. Las  obras que reúne la exposición entre óleos, esculturas, dibujos, grabados, mobiliario y textiles, así como la veintena de fotografías de otros creadores que la documentan, están  distribuidas en varias secciones, organizadas cronológicamente para mostrar los diferentes momentos en la evolución de la investigación estética del artista suizo. Es importante reseñar que veinte de las obras que han venido a Málaga, entre las que se encuentran dos óleos, nunca antes habían sido prestadas por la Fundación Alberto y Annette Giacometti para una exposición, por lo que es la primera vez que pueden ser vistas.

Cabe destacar que por vez primera, y como complemento a la retrospectiva centrada en el artista, se muestran seis réplicas de esculturas en resina que ha producido expresamente la Fondation Alberto et Annette Giacometti  para esta exposición en el Museo Picasso Málaga. En colaboración con la ONCE se han organizado una serie de visitas para que personas con deficiencias visuales y el público en general conozcan el trabajo y creatividad del artista suizo. Del 17 octubre del 2011  al 5 de febrero de 2012.

Y para terminar, la Galería Alfredo Viñas expone la nueva muestra del pintor cántabro, establecido en Berlín, Antonio Mesones. El trabajo de Mesones se asienta sobre dos bases: la experiencia de la pintura, una cierta maestría e intuición adquiridas en el gesto y en el uso del color, y la búsqueda de la forma a través del dibujo. En las piezas expuestas en Alfredo Viñas los que conocen su obra verán el resultado de una coherente evolución, quienes, en cambio, se acerquen a su trabajo por primera vez, disfrutarán recreándose en las emociones inmediatas que generan las diversas composiciones y la amplia paleta de color. No se la pierdan. Estará abierta al público hasta el 8 de enero de 2012.

Espero que mis recomendaciones os sirvan de guía para que podáis pasar unas fiestas más optimistas, llenas de arte y con la ilusión de ver la luz al final del túnel.

Feliz Navidad y buena entrada al 2012 para todos. Nos reencontramos el año que viene.

Empezaré mis recomendaciones por la capital y centro geográfico de España: Madrid. En  el Museo del Prado la exposición,  “Roma. Naturaleza e Ideal (Paisajes 1600-1650)”. Una visita fundamental para entender el nacimiento del paisaje en el arte, su desarrollo y a los artistas que más influyeron en su consolidación. Una muestra que ya se ha podido apreciar en el Grand Palais de París. En total 84 pinturas y 19 dibujos, dispuestos en un orden cronológico, que nos adentra en el paisaje  como un género menor a un tema de prestigio, que era lo  requerido por los grandes mecenas de la época para decorar sus residencias. Se podrá ver  del 5 de julio al 25 de septiembre.

Y siguiendo en el Prado no olvidarse visitar la Galería Central y su nueva remodelación  que es un recorrido por la pintura europea ,que arranca en Tiziano, continúa por las obras de los pintores de la escuela veneciana, enlaza con Rubens, y termina con Goya. Y todo ello, bajo la atenta mirada de Velázquez.

Y seguimos en Madrid ya que desde el 8 de septiembre al 20 de noviembre,  el artista  madrileño José Manuel Ballester (Madrid, 1960)    protagonizará una gran exposición de fotografía en la Sala Alcalá 31 con el título de “abstracción en la realidad”. La muestra estará compuesta por medio centenar de las obras más recientes de Ballester prácticamente todas inéditas. La abstracción en la realidad quiere mostrar la capacidad de la mirada de Ballester para lograr que lo estático se convierta en eterno, eliminando la percepción temporal y trabajando con total destreza la dimensión espacial.  La fotografía de José Manuel Ballester, que ha expuesto en ciudades como Nueva York, París, Pekín y Toronto, retrata el instante de manera tal que parece atemporal incluso antes de que el objetivo se fije en la escena.

En la Caixa Forum de Madrid, hasta el 20 de noviembre os recomiendo la exposición “Teotihuacan, Ciudad de Dioses”, es la mayor exposición organizada nunca sobre la mítica civilización prehispánica que se desarrolló en el centro de México. La muestra reúne más de 400 piezas que permitirán al visitante descubrir los aspectos más destacados de su cultura. Situada a cuarenta y cinco kilómetros de Ciudad de México, Teotihuacan fue durante ocho siglos (desde el s. II A.C. hasta el s. VII d. C.) el centro cultural, político y religioso de una potente civilización, que tiene en las célebres Pirámide del Sol y Pirámide de la Luna sus símbolos más reconocibles. Se podrá disfrutar de pintura mural, esculturas en piedra, estatuillas trabajadas en obsidiana, bellos recipientes de cerámica, suntuosos ornamentos de joyería prehispánica, máscaras rituales o figurillas de animales mitológicos de gran importancia en esta civilización como el jaguar o la serpiente. A lo largo del recorrido se aborda la civilización teotihuacana desde diferentes puntos de vista: la arquitectura y el urbanismo, la política, la guerra y la economía, las creencias y los rituales, la vida en los palacios y en las calles de la ciudad, y las relaciones con las culturas de su entorno.

No es la primera vez que la Obra Social “la Caixa” se interesa por las grandes culturas del pasado. En pasadas temporadas se pudieron ver muestras sobre la ruta de las estepas, Afganistán, Nubia, el Imperio persa o los tesoros del Reino de Arabia Saudí. El objetivo es mostrar al público las distintas formas en que hombres y mujeres de diversos lugares y épocas se han enfrentado a las grandes cuestiones universales, además de ampliar perspectivas sobre el mundo.

Y para quien le guste la fotografía, también en la Caixa Forum de Madrid  se puede ver una exposición interactiva de fotografías sobre Haití, que tiene el   objetivo de que no se olvide la grave situación que todavía hoy sufre el pueblo de Haití un año después del terremoto que devastó el país. La exposición “Haití. 34 segundos después”, es un recorrido por el seísmo y sus consecuencias. A través de las fotografías de Emilio Morenatti y Marta Ramoneda y de los documentales de Oriol Gispert, el visitante podrá acercase a cómo fueron los segundos del terremoto y conocer los proyectos de rehabilitación que llevan a cabo las ONGs que trabajan en el país caribeño. Se puede ver hasta el 2 de octubre.

Recomendadísima también es la exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de la obra del artista Antonio López,  nacido en Tomelloso (Ciudad Real) en 1936 y considerado como el gran representante del realismo y la figuración española contemporánea , es, sin duda, el artista español vivo más cotizado y reconocido, tanto fuera como dentro de España. Y sin embargo, a sus 75 años, el genio sigue siendo el hombre humilde, sencillo y cercano que ha sido siempre. Exposición de carácter casi autobiográfico, ya que ha sido el propio artista el que ha pilotado la selección y montaje junto a los comisarios. La exposición reúne las piezas de los últimos veinte años y las que llegan directamente de su estudio, No hay un orden cronológico, el recorrido va hacia adelante y hacia atrás en la obra en la que convive, de manera equilibrada, la pintura, el dibujo y la escultura. Las vistas de Madrid, incluidas las más recientes de la Gran Vía, se exponen junto a cuadros de su Tomelloso natal, a pinturas y dibujos o a sus retratos de parejas y sus interiores. Están los temas recurrentes en el universo de Antonio López, sus influencias y su conexión con la tradición, de la que se considera heredero hasta la obsesión. La muestra se completa con la proyección en una de las salas de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López en este último año. Se puede ver hasta el 25 de Septiembre.

Quien esté por la bella localidad de Riaza, provincia de Segovia,  recomiendo no dejar de ver, en  la galería de arte Fontanar,  la  exposición de Luis Moro,  trilogía (2008-2011). Se trata de una cuidada selección de obras  de tres series del artista segoviano, dichas series fueron expuestas del 2008 al 2011  en museos de Francia, España y México, se acompañan de varias obras inéditas  y de obra gráfica original de Luis Moro editada por Fontanar ediciones. Reflejos es una serie de dibujos, pinturas, acuarelas y grabados sobre el elemento líquido, las fuentes de La Granja y su mitología barroca. Ha sido presentada en el Museo Centro Nacional del Vidrio de esta localidad segoviana y en el Museo Goya de Castres, creando un puente entre ambas ciudades. Se acompañará de una serie de grabados editados por Fontanar. La exposición  de Luis Moro, Trilogía (2008-2011)  se puede ver hasta el 11 de Septiembre.

Y si estáis cerca del encantador pueblo de Azuzar en Navarra no dejéis de visitar el Museo Oteiza, que además de la obra del prestigioso escultor, también podéis ver una exposición temporal titulada “Grávido o liviano” del  artista Juan Navarro Baldeweg.  La  relación entre la práctica arquitectónica y la creación artística en la obra de Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939) ha trazado un territorio de escasas delimitaciones a lo largo de la trayectoria creativa de este autor.  Esa preocupación por lo experimental, más allá de los límites de lo arquitectónico, ha encontrado uno de sus mejores exponentes en el proyecto La mesa (1974-2005), conformado por un gran escenario sobre el que se disponen un  conjunto de piezas, en las que el equilibrio, la gravedad y la tensión estructural articulan una singular propuesta artística.

Junto con La mesa, el Museo Oteiza muestra también un conjunto formado por 160 dibujos, que muestran el escenario de la ideación previa, en el que la mano de autor proyecta los primeros bocetos de este escenario trazado. Los dibujos se exponen junto a los cuadernos originales que los contienen, que se presentan por primera vez en una exposición.  Se puede ver hasta el 11 de septiembre de 2011.

Bajamos al sur, en Málaga,  recomiendo la exposición “Intervalos”, de la artista valenciana Carmen Calvo, en el convento de Santo Domingo de Ronda. Es una de las artistas españolas de más prestigio internacional en este momento. Estará hasta el 11 de  septiembre.

En Benalmádena, en el  Centro de Exposiciones del Ayuntamiento, os recomiendo, sobre todo a aquellos que os gusta la fotografía, la exposición “Al fin y al cabo”, del artista Carlos Perez Siquier (Almería, 1930), quien está considerado uno de los históricos de la vanguardia fotográfica en España. Se puede ver hasta el 18 de Septiembre.

Y para terminar   y siguiendo con la fotografía, os recomiendo  “Picasso crea”, que es una exposición  de David Douglas Duncan y que reúne en el Museo Picasso Málaga una selección de 115 fotografías, escogidas de entre las miles que Duncan tomó del artista y su entorno en aquellos años. La exposición muestra asimismo un total de 77 obras de Pablo Picasso que aparecen en las instantáneas para dialogar con ellas y permitir adentrarse en el universo insólito del creador.  Se puede visitar hasta el 25 de septiembre.

Espero que mis recomendaciones os orienten, de alguna manera, a que vuestras vacaciones sean más enriquecedoras y fructíferas, en definitiva a que disfrutéis  todo lo que podáis con vuestros cinco sentidos, ya que las vacaciones duran poco y la vuelta al trabajo y a la rutina nos tiene que encontrar fortalecidos de cuerpo y mente. Felices vacaciones.

En cuanto a exposiciones el movimiento artístico en las galerías de arte  sevillanas  no cesa. Además de las galerías clásicas , por todos conocidas, como Juana de Aizpuru, Félix Gómez o Rafael Ortiz, con propuestas siempre ineludibles  e interesantes, o también, las galerías de arte Concha Pedrosa, La Caja China e Isabel Ignacio habría que sumar otros nuevos espacios.

En la Galería Concha Pedrosa actualmente se expone “ ou est le somier?” de la artista Magdalena Bachiller,  consta de una maqueta realizada con materiales de desechos de forma que esos fragmentos proyectan arquitecturas y formas “reales” que cuestionan la naturaleza de la realidad simulada o virtual en que vivimos.

La galería de arte Isabel Ignacio  ofrece una colectiva de Chico Lopez, Jesus Zurita y Felipe Ortega y en la Galería de arte La Caja China se expone actualmente una muestra de la pintura geométrica del artista Julián Gil  con el titulo de “ Formas y molinos”.

A estas galerías sevillanas  se les han unido la apertura de nuevos espacios  como:  Mecánica Galería de Arte y AJG Contemporary Art Gallery. En esta última, fue un autentico placer conocer a su director con el que departí muy cordialmente sobre su visión y perspectivas sobre la línea a seguir  de la galería y del mercado del arte en general. En este momento presenta la exposición: “THE OTHER SIDE” (El otro lado, la otra cara) un conjunto de obras e imágenes que nos muestran que podemos vivir bajo otra identidad e incluso bajo otra forma física, invitándonos,  también, a participar no solo como espectadores, si no como individuos anónimos convertidos en “voyeurs” de imágenes.    En la muestra participan importantes artistas del panorama internacional: fotografías de Maleonn (China), Janneke Van Leeuwen (Holanda), Francisco Reina (España-Holanda), Matías Costa (Argentina-España) y José Toro (España). Pinturas de Ruth Morán (España), Judas Arrieta (España-China) y Roberto Coromina (España) que convierte la pintura en instalación y objeto escultórico. Cristina Garrido (España-Reino Unido) presenta una instalación y una acción capturada en vídeo y el trío de artistas Joaquín Cociña, Niles Atallah y Cristóbal León (Chile-Holanda) nos muestran vídeos de animación donde varias disciplinas se mezclan.

Esta claro que estas nuevas galerías, amplían una vez más el amplio espectro expositivo de Sevilla y por ende de Andalucía.

Seguimos en el sur, y nos vamos a la bella ciudad de  Málaga  para recomendar visitar  el Museo Carmen Thyssen, que, por cierto, está teniendo una acogida excelente como demuestra el gran número de visitas que recibe. Ahora se presenta la primera exposición temporal del Museo que con el titulo: “La tradición moderna”, reúne  60 piezas de autores representativos de la pintura europea como son Monet, Picasso, Matisse o Miró. Se podrá ver  hasta el 16 de Octubre.

Otra exposición que no se deben perder es la del extraordinario artista malagueño  Eugenio Chicano en el Centro Provincial de la Diputación, en esta ocasión con obra gráfica realizada entre los años 1969 y 2000. Tengo que resaltar, de Chicano,  que mientras más conozco su obra más me sorprende, creo que es un artista  extraordinario e inconmensurable, que conoce y aplica perfectamente la técnica, domina el oficio como nadie  y por supuesto todos los estilos artísticos. Como ejemplo, destacaría la pasada muestra en Unicaja-Italcable, verdadera lección de arte para cualquiera de los que amamos esta profesión,  donde hacía una de las más geniales interpretaciones de obras de otros artistas sin perder para nada su identidad e incluso, yo diría, saliendo fortalecido de la experiencia. Desde estas líneas mi enhorabuena maestro.

Y otra inauguración, en este caso en el Centro de Arte Contemporáneo (CAC) Málaga, que acoge desde este viernes al 9 de octubre el universo mitológico de Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, Cádiz, 1948) a través de una selección de pinturas realizadas en la última década. La muestra lleva como titulo:”Las metamorfosis y otras mitologías”, y está compuesta por 42 pinturas y 22 dibujos preparatorios inéditos, con los que el CAC Málaga repasa la trayectoria de una de las figuras más versátiles y prolíficas del panorama artístico nacional. Podrá contemplarse hasta el 9 de octubre.

Y aquí, en Málaga, desde esta tribuna, quiero aprovechar para darle la enhorabuena al critico y amigo José María Luna Aguilar, hasta ahora director del Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella,  que acaba de ser nombrado nuevo responsable de la Fundación Pablo Ruiz Picasso – Museo Casa Natal, después de que Lourdes Moreno, anterior directora de la fundación, fuera nombrada, a mediados de abril, directora del Museo Carmen Thyssen de Málaga.

Nos marchamos a  Madrid  para recomendar la gran retrospectiva que le hace el Museo Reina Sofía  a  la obra de la madrileña Elena Asins (Madrid, 1940), ella es una de las pioneras en el arte creado con el ordenador,  se completa así la oferta expositiva de este verano en el Museo Reina Sofía. Con el título de “Fragmentos de la memoria”, abarca piezas desde los años sesenta, hasta sus trabajos más recientes, y nos acerca al universo de esta artista “al margen” que “no marginal”, como la definió Borja-Villel.

Elena Asins trata de crear en sus obras “un mundo perfecto, alejado de toda pasión o sentimiento, como el mundo matemático. Y para ello, el ordenador es una herramienta excelente, que nos da gran cantidad de posibilidades” como aseguró la propia artista durante la presentación de la exposición.  Se podrá ver del 14 de junio al 31 de octubre.

Y para terminar, si viajáis hasta Bilbao no debéis de olvidar visitar  el Museo Guggenheim-Bilbao. En esta ocasión  presenta la magnifica muestra:”El intervalo luminoso”. La exposición incluye aproximadamente 60 obras, a cargo de más de una treintena de artistas internacionales, procedentes de la D.Daskalopoulos Collection, una de las colecciones particulares de arte contemporáneo más importantes del mundo.

La muestra constituye una amplia exploración en torno a la coexistencia de la esperanza y la desesperación en la condición humana, y a las posibilidades generativas de la tensión dialéctica entre ambas.

Fundamentada en un conjunto de piezas que datan de las décadas de 1980 y 1990 realizadas por reconocidas figuras como Louise Bourgeois, Robert Gober, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Annette Messager y Kiki Smith, la exposición también integra proyectos de jóvenes talentos como Paul Chan, Guyton/Walker, Nate Lowman y Wangechi Mutu.Esta  comisariada por Nancy Spector  y  se podra ver hasta el 11 de Septiembre.

La recién clausurada semana ferial madrileña se ha cerrado en clave optimista y sobre todo sin las polémicas ya  habituales de  los últimos años. La situación económica y los desencuentros que se produjeron el año  pasado entre los organizadores, el Instituto Ferial de Madrid (IFEMA) y los galeristas han hecho que esta trigésima edición fuera un punto y aparte en la trayectoria de ARCO.  Hay que tener en cuenta que  el objetivo de una feria internacional de arte contemporáneo  siempre es vender y dar a conocer a sus artistas, y eso parece ser que este año se ha superado  a pesar de las críticas y la crisis.  Tanto coleccionistas como galeristas y público, por cierto con más de 150.000 visitantes, se han unido para apoyar “una feria muy querida por todos”, en opinión de la galerista Soledad Lorenzo, veterana de la cita y miembro del Comité Organizador del Certamen.

El país invitado este año en ARCO ha sido Rusia cuyos galeristas han dado a conocer artistas muy buenos que nunca habían tenido la oportunidad de mostrarse en España, mostrando que tienen la  intención de volver.

En palabras del  director Carlos Urroz podemos resumir el objetivo principal alcanzado este año en Arco:”… la atmósfera de optimismo que se ha vivido pone de manifiesto la recuperación de la confianza del mercado”.

Destacar también  la participación de  la  prestigiosa galería  Alfredo Viñas de Málaga que este año acudió por octava vez y nos presentó a tres artistas: Curro González (pintura), Juan del Junco (fotografía) y las esculturas de  Javier Calleja.

Recomiendo, si estáis  o pasáis por Málaga, visitar esta galería, ya que es una de las pioneras del arte de vanguardia que ofrece continuamente exposiciones muy interesantes y felicito a su director  D.Alfredo Viñas por esa gran y difícil labor de promoción y difusión del arte contemporáneo.

Y ya que estamos en Málaga no perderse la exposición en el Museo Picasso Málaga del  irreverente, prolífico y controvertido artista Martin Kippenberger (Dortmund, Alemania, 1953 – Viena, Austria, 1997), que con el título  “Kippenberger miró a Picasso”,  reúne una selección de 55 obras entre pinturas de gran formato, dibujos y esculturas, así como 48 libros de artista y 73 carteles y tarjetas de invitación realizados por el creador alemán a lo largo de su carrera. Kippenberger  sintió siempre una gran atracción por la figura de Pablo Picasso desde sus inicios hasta el final de su vida. Esta atracción se tradujo en trabajos y series completas de obras directamente referidas al creador andaluz. La exposición que el Museo Picasso Málaga le dedica es una de las más completas de su obra en España, país en el que habitó a finales de los años ochenta y en el que creó una de sus series de obras directamente referida a Pablo Picasso.se podrá ver hasta el 29 de Mayo.

Obra de Martin Kippenberger

Quien tenga la suerte de estar por las islas Baleares, les recomiendo, en la capital Palma de Mallorca,  una exposición  del pintor, escultor y grabador español  Eduardo Arroyo ( Madrid, 1937)  una de las más  destacadas figuras del movimiento neofigurativista español. La podremos contemplar en  Es

Obra de Eduardo Arroyo

Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma y lleva por título “EDUARDO ARROYO. PINTAR LA LITERATURA”. Es  un recorrido por 193 obras que, el Premio Nacional de Artes Plásticas 1982, ha llevado a cabo desde 1965 en distintas disciplinas (pintura, dibujo, libros, litografía y escenografía), con el común denominador de que todas ellas guardan relación con la literatura. Es la primera revisión de la obra del artista madrileño que se celebra en Baleares, La exposición muestra a los escritores y personajes que le han inspirado a lo largo de toda su extensa trayectoria.

Los visitantes comprobarán en ella lo que el artista ha declarado siempre: su fascinación por la literatura y su permanente combate con la pintura. Se podrá ver hasta el 22 de mayo.

De vuelta a la península, otra exposición que no se pueden perder es la de mi admirado artista  Jasper Johns (Allendale, Carolina del Sur, EEUU, 1930)  en  el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) en Valencia. Es indiscutiblemente uno de los artistas de primerísimo plano contemporáneo, investigador incansable, que en sus inicios reaccionará contra la abstracción lírica y el expresionismo abstracto, se mantiene fiel a un cierto estetismo y extrae su inspiración de la historia del arte, sus consecuencias, las podemos ver en el origen de muchas otras innovaciones en el terreno de las artes plásticas.

Obra de Jasper Johns

Considerado como  precursor del arte pop  y  promotor del neo-dadaísmo no obstante su arte es inclasificable, pero imprescindible para entender  el arte de la segunda mitad del siglo XX.  En este caso nos presenta un centenar de piezas, que se compone de obras que abarcan unos cincuenta años de una de las carreras más apasionantes y consagradas del arte contemporáneo. Evidentemente, algunas pinturas proceden de museos americanos y europeos. Se podrá ver hasta el 24 de abril.

Nos vamos ahora  a Bilbao para recomendar no solo visitarla y degustar su excelente gastronomía, sino para que no se pierdan la exposición:”Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936”, en el  Museo Guggenheim Bilbao. Su propósito es  mostrar la transformación de la cultura europea acaecida en el intensamente agitado período de entreguerras. Resurgiendo del horror bélico, los artistas europeos deseaban recuperar el orden, la organización racional y los valores perdurables, en contraste con el prebélico énfasis de innovación a toda costa. Como consecuencia, durante el período de entreguerras, el equilibrio y la contundencia de las formas clásicas engendró una fusión de modernidad y antigüedad, alejándose de los espacios bidimensionales abstractos y de la fragmentación del Cubismo, el Futurismo, el Expresionismo y otros movimientos de vanguardia de principios del siglo XX.

Con más de 150 obras de distintas manifestaciones artísticas como pintura, escultura, fotografía, arquitectura, cine, moda o artes decorativas, esta muestra examina el “retorno al orden” en el período de entreguerras en Europa por medio de más de 90 artistas, entre los cuales se encuentran algunos de los más grandes maestros modernos de la primera mitad del siglo pasado como Georges Braque, Carlo Carrà, Giorgio de Chirico, Otto Dix, Pablo Gargallo, Fernand Léger, Aristide Maillol, Ludwig Mies van der Rohe, Pablo Picasso, Gio Ponti, Émile-Jacques Ruhlmann o August Sander.  Se podrá ver  del 22 de febrero al 15 de mayo de 2011.

Obra de Roberto Jacoby

Y en Madrid  recomendar en el Museo Reina Sofía la obra de Roberto Jacoby (Buenos Aires, 1944), protagonista del conceptualismo en Latina. La exposición es una  retrospectiva sobre el artista. La muestra, que se podrá ver en el Espacio Uno, Bóvedas y la Sala de Protocolo del Edificio Sabatini, estará abierta al público ente el 25 de febrero y el 30 de mayo. Como figura artística de referencia, Roberto Jacoby fue uno de los protagonistas del inicio del conceptualismo en Latinoamérica y uno de los artistas más prolíficos, versátiles e inquietos de su generación.

Y seguimos en el Museo Reina Sofía, recomendando ahora otra interesante exposición del artista Asier Mendizabal (Guipuzkoa, 1973). Se trata de una muestra “deliberadamente” sin título, que reúne varios de los trabajos más

recientes del autor vasco. A lo largo de doce piezas, entre esculturas, collages, fotografías e impresiones, Mendizabal investiga las relaciones entre forma, discurso e ideología.

Según afirmó Manuel Borja-Villel, director del museo, en la obra de Asier Mendizabal “los contenidos están en la forma”. El director del Reina opinó que posiblemente, “la modernidad ha dejado de ser un proyecto de futuro y haya pasado a ser nuestra tradición”. “Asier se enfrenta precisamente a este problema”, aseguró.

La exposición podrá verse hasta el 2 de mayo y se encuentra ubicada en la cuarta planta del Edificio Sabatini.

Seguimos en Madrid para recomendar en el Círculo de Bellas Artes  un recorrido por la evolución artística de José Caballero (Huelva, 1915- Madrid 1991), representante fundamental del arte abstracto español de la segunda mitad del siglo XX, a través de su obra en papel “Caminos de papel 1951-1991”  reúne más de 100 obras realizadas en cuarenta años de trayectoria creativa, donde se aprecia el alejamiento de la figuración y la

Obra de José Caballero

entrada en la abstracción del pintor. Comisariada espléndidamente por Jesús Cámara , quien comenta: “En esta muestra apreciamos el primer paso en la creación del artista…”. Para un pintor, el papel es el material primero donde visualiza el concepto, donde goza de libertad plena y donde puede experimentar. Y en la obra de Caballero esa libertad y los resultados que logra en sus bocetos son tan óptimos que se convierten en obras definitivas. La exposición José Caballero. Caminos de papel 1951 -1991 abarca desde principios de los años cincuenta, coincidiendo con su entrada de lleno en la pintura (primera exposición en la Galería Clan), hasta el final de sus días. Antes de 1950 había realizado sobre todo ilustraciones para libros y publicaciones, así como diseños para decoraciones teatrales y cinematográficas. Son cuarenta años de creatividad sobre papel, que van en paralelo al devenir de su pintura. En las obras que conforman la muestra podemos seguir su alejamiento de la figuración y su entrada en la abstracción, campo en el que no dejará de investigar y experimentar. Una abstracción en la que de vez en cuando aflora de nuevo la figuración, generalmente geométrica. En su obra, José Caballero no dejará nunca de investigar y de experimentar. Este complejo y nunca acabado proceso de búsqueda está plasmado en esta muestra, que podrá verse hasta el 3 de abril.

Obra de Darío Urzay

También recomendar en la galería Jorge Ontiveros de Madrid una muestra colectiva de doce artistas. Decorando las paredes de este espacio, casi mítico en Madrid, conforman esta propuesta: Nacho Angulo, Aldo Bahamonde, José Beulas, Martín Carral, Andoni Euba, Jorge Galindo, José Gallego, Raúl Montesdeoca, Carlos Morago, Carlos de Paz, Agustín Úbeda y Darío Urzay. Su director Rafael Navarro y sus colaboradores nos hacen un guiño con el título de la exposición “Arte y Funcionalidad”, intentando demostrar que cualquier objeto, desde el soporte más clásico como el lienzo y la pintura hasta elementos de reciclados con una clara idea “Dada”, puede y son obras de arte, teniendo en cuenta que siempre primará el concepto, la idea de la persona o las personas que lo han creado. Hacer cercana la obra de arte, obtenerla, compartir sitio y enriquecerla más aún incorporándola a la decoración, se consigue dándole funcionalidad. Se podrá ver  hasta el 31 de marzo.

Obra de Daniel Canogar

Y para terminar, no se pierdan en  la Sala Canal de Isabel ll la exposición de  Daniel Canogar “Travesías”  organizada por la Comunidad de Madrid. Travesías es una pantalla, de 30 metros de largo por 1,65 de ancho y traza en el aire una forma ondulante con bucle incluido. Esta pieza escultórica, alargada y estrecha, toma la apariencia de un enrevesado camino suspendido en el aire, creando formas sinuosas y generando interesantes perspectivas, con la aparición y desaparición de las imágenes a lo largo del recorrido.

El vídeo presentado sobre esta particular pantalla muestra diversas micro-narrativas o acciones captadas cenitalmente con una cámara de video digital, algunas ya presentadas en Bruselas, pero muchas otras captadas especialmente para la presentación vertical de la pieza en esta Sala.

De forma paralela, en la Fundación Canal (Mateo Inurria 2), se podrá ver la muestra Daniel Canogar. Vórtices, donde el artista nos invita a reflexionar sobre algunas cuestiones sociales derivadas del consumo de agua, su distribución y creciente contaminación.

Se podrá ver hasta el 15 de Mayo de 2011.

Espero que mis consejos os sirvan de guía, y me despido de vosotros hasta la primavera.

Desde 1994 Klaus Schmidt, miembro del Instituto Alemán de Arqueología, dirige las excavaciones en un yacimiento situado a 15 kilómetros de la ciudad turca de Sanliurfa o Urfa (la antigua Edesa romana) El yacimiento en cuestión, en el que trabaja el DAI (Deutsches Archäologisches Institut) junto con el Museo de Sanliurfa, se llama GÖBEKLI TEPE y es uno de los mayores hallazgos arqueológicos de todos los tiempos pese a su escasísima repercusión en los medios de comunicación e instancias oficiales. Salvo para quien voluntariamente se acerque a él y busque información al respecto, Göbekli Tepe apenas existe.

Göbekli no es un yacimiento discutido. Las dataciones por C14 de los restos paleobotánicos y paloezoológicos no dejan lugar a dudas y no hay nadie que ponga en duda las extraordinarias fechas que se manejan. Nadie niega que el descubrimiento del espectacular complejo religioso hallado en medio de aquel secarral situado en pleno Kurdistán turco es algo extraordinario que rompe por completo la línea histórico temporal que hasta ahora creíamos cierta. Hace la friolera de 11.500 años alguien levantó el primer templo conocido de la humanidad cuando la edad del hielo daba sus últimos coletazos y el hombre aún vivía en cuevas, cazando y recolectando. Alguien construyó un enorme complejo cuando se supone que el hombre no construía nada de nada y cuando desde luego, se supone que no teníamos la tecnología necesaria para construir algo semejante. Obviamente todas esas suposiciones eran erróneas.

En Göbekli Tepe se han encontrado de momento cuatro grandes complejos de forma circular u ovalada, formados por grandes T de piedra caliza. Cada una de esas T está compuesta por dos megalitos, uno vertical y otro horizontal y cada círculo consta de doce T siempre con una en el centro. Cada círculo está a su vez rodeado por unos toscos muros hechos a base de piedras. Los grandes bloques de piedra caliza están tallados con representaciones de animales (hay jabalíes, zorros, gacelas o buitres entre otros) habituales en la época en que se levantó el templo, cuando toda la zona era un vergel con verdes y extensas praderas de hierba y abundante caza y pesca. Además de los animales se han encontrado, tallados en la piedra, una serie de pictogramas identificados en principio con símbolos sagrados para los constructores del complejo ¿Meros pictogramas religiosos o ideogramas con significado? ¿Escritura 6.000 años antes de la aparición de la escritura en Sumer? Atractiva idea aunque difícilmente demostrable. Ante esta pregunta Schmidt se decanta por dejar de lado la escritura aunque eso sí, no duda en calificar Göbekli como el yacimiento que cambia definitivamente las teorías sobre el surgimiento de la civilización: “Primero se produjo un cambio sociocultural, la agricultura vino después” (fuente smithsonianmag.com)

Una impresionante escultura de casi dos metros procedente de la misma zona, con similares dataciones que Göbekli y expuesta en el museo de Sanliurfa, contribuye a dar interés a este templo construido cuando no se levantaban templos y es que imaginar al hombre del mesolítico esculpiendo es tan sorprendente como excitante. Pero el interés no está sólo en quién y por qué levantó Göbekli, si no en quién y por qué lo enterraron unos mil años después. Entorno a 8.000 a.C. todo el complejo fue rápida y deliberadamente sepultado con tierra y piedras y así ha permanecido durante diez mil años, hasta que el equipo de Klaus Schmidt se puso a trabajar en él.

¿Porqué nadie habla de Göbekli Tepe? De no ser por internet y algún que otro medio de comunicación las noticias de tan fascinante lugar habrían pasado absolutamente desapercibidas. Las excavaciones comenzaron en la campaña 1994-95 y sólo ahora empieza a conocerse el lugar. Un lugar que rompe los esquemas de todo lo que creíamos saber sobre el origen de nuestra civilización. Según los arqueólogos de Göbekli apenas hemos vislumbrado mas que la punta del iceberg y es que las colinas de los alrededores estarían, literalmente, plegadas de templos similares. Junto con el yacimiento hermano de Nevali Çori, Göebkli Tepe debería suponer una auténtica revolución arqueológica en la comprensión y entendimiento de nuestra evolución cultural. Se calcula que para levantar cada círculo de Göbekli hicieron falta no menos de 500 hombres y esto, cuando se supone que el ser humano aún vivía en pequeños grupos nómadas de cazadores-recolectores tiene unas implicaciones socioculturales extraordinarias ¿Qué llevó a aquellas gentes a unirse en un proyecto tan mastodóntico como extraordinario? ¿Qué les impulso a ello? ¿Qué cambió en su concepción de la vida y la realidad para considerar siquiera un proyecto así? ¿Cómo se pasa de pintar en las cuevas a levantar semejante complejo? ¿Por qué? Como digo, las implicaciones son extraordinariamente interesantes. Sirva este artículo para dar a conocer el yacimiento y azuzar la curiosidad del lector por saber más acerca del mismo, pues sin duda Göbekli Tepe lo merece.

Obra de Antonio Villatoro

Con la ilusión de empezar bien el año, anhelando que la crisis, paro, preocupaciones… nos dejen ya, deseo lo mejor para todos ustedes, eso que siempre se ha dicho: “salud, dinero y amor”, y,  por supuesto, que podamos  disfrutar, conocer  y aprender más de la cultura artística,  de la que afortunadamente no nos podemos quejar en este país, pues cada vez  se organizan más  y mejores exposiciones,  algunas de las cuales yo,  modestamente,  les seguiré recomendando durante este 2011, esperando  les sirvan de ayuda y orientación para que las disfruten con tanta emoción como  lo hago yo.

Empezaré  recomendando la exposición de un  magnífico artista  cordobés afincado  en Madrid, me refiero  a Antonio Villatoro (Córdoba, 1949), al que yo conocí a finales de la movida madrileña y que  junto a otros amigos artistas formamos el grupo” caos”, unión que duraría poco más de dos años y finalizaría, lamentablemente,  con  el fallecimiento en un accidente de tráfico de uno de su mas insigne componente, me refiero al gran creador y  magnífico artista Tino Casal.

La exposición la podemos visitar en la Fundación Fiart  de Madrid, situada en la calle Almirante, 1. Con el título “Rizomas”, (nombre  al parecer que alude a las raíces alternativas de una planta), presenta   lienzos de medio y gran formato que toman como punto de partida las impresiones del artista en la Mezquita  de Córdoba.  El  propio Antonio Villatoro ha comentado  que ha visitado la mezquita hasta la saciedad y  que de todo ese pozo de recuerdos ha querido hacer una serie de cuadros plasmando, así, en este trabajo el producto salido de su subconsciente a raíz de la evocación de su recuerdo.

En su presentación el crítico de Arte Jesús Alcaide ha comentado: “Ante las pinturas de Antonio Villa Toro, en más de una ocasión he creído otear ese horizonte, el de un territorio en el que las formas del pasado se retuercen y contraen mientras el color y los trazos se expanden en un imposible laberinto de mesetas que vibran sobre sí mismas como las de Bateson, buscándose en el interior y descubriéndose en el afuera. Todo está permitido”.  Se podrá ver hasta el 28 de Febrero de 2011 y creo que no se la deben perder.

Siguiendo en Madrid, una vez más sigo recomendando  la exposición en el Museo del Prado de Madrid titulada: “Pasión por Renoir”. Ya sabemos que  Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), es uno de los artistas más destacados del Impresionismo y que trabajó durante toda su vida con una absorbente pasión por la pintura que le llevó a alcanzar un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos. Como casi todos los impresionistas, Renoir, es un artista escasamente representado en las colecciones de arte españolas, sin presencia en ninguna, excepto en la colección pública del Museo Thyssen-Bornemisza, con origen en el coleccionismo privado al igual que la del Clark Art Institute, (Williamstown, Massachusetts), que es la que organiza esta exposición comisariada por Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX.  El excelente conjunto de 31 obras del artista, las mejores entre las reunidas por el coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown), se muestran en el Prado en la que es la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España.

Añadir que el próximo  miércoles 26 de enero se presentará en el Hotel Ritz de Madrid , algunas de las principales obras de la colección de The Clark. Esta muestra contará con más de 70 obras de grandes maestros del siglo XIX francés como: Renoir, Monet, Degas, Manet, Morisot y Pissarro entre otros. Actualmente las obras del Instituto The Clark están presentes en dos exposiciones simultáneas en España: Picasso ante Degas en el Museo Picasso de Barcelona hasta el 16 de enero y Pasión por Renoir en el Museo del Prado hasta el 6 de Febrero de 2011. Como ya he apuntado antes,  The Clark es un prestigioso museo y centro de investigación sobre Historia del Arte situado en Williamstown (Massachusetts). Fue fundado por los coleccionistas Robert Sterling y Francine Clark en 1955. La colección permanente de The Clark es rica en arte del siglo XIX francés, con más de 30 cuadros de Renoir y pinturas firmadas por Monet, Degas y Pizarro, etc; y artistas británicos como JMW Turner, John Constable, Gainsborough y Thomas, entre otros.

Continuando en la capital del reino recordaros que del 16 al 20 de Febrero, en el pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid, se celebra la feria de arte “Art Madrid 2011”,  que contará con un total de 89 espacios expositivos entre galerías, fundaciones, asociaciones y revistas especializadas. En esta sexta edición participarán 60 galerías, elegidas por un  comité de selección externo, entre las más prestigiosas del panorama nacional e internacional, y que mostrarán obras de los principales artistas españoles contemporáneos. Entre las españolas, destacar la presencia de nuevas galerías, como la mallorquina Joan Guaita o la canaria Saro León, además de Punto, Fernando Latorre, Joan Gaspar y Sicart, entre otras. Además, Art Madrid 2011 presenta este año una exposición colectiva en torno al disco de vinilo, organizada por Tardor-Art, que incluye una selección, en este caso, de 35 piezas. En su interés por fomentar el coleccionismo, Art Madrid 2011 ha desarrollado un programa específico para coleccionistas de arte contemporáneo, creo que para  los que queráis invertir en arte esta es una buena ocasión para hacerlo.

Otra visita que os recomiendo es al  CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, de la Comunidad de Madrid que  presenta una nueva exposición sobre los fondos de su colección y, por primera vez, la publicación de un catálogo razonado de la misma que incluirá sus 1500 obras y un análisis de un centenar de las mismas a cargo de 10 prestigiosas voces de la crítica de arte contemporáneo: Francisco Carpio, José Manuel Costa, Kristian Leahy, Alberto Martín, Mariano Mayer, José María Parreño, Abel Pozuelo, Andrés Isaac Santana, Virginia Torrente y Elena Vozmediano. La Colección CA2M es un testimonio, en constante crecimiento, de la evolución del arte desde la década de 1980 hasta la actualidad. Otorga una especial atención a los contextos madrileño y español, incorporando obras que siguen el devenir de sus artistas, galerías y exposiciones. Concentra una buena parte de su interés en la fotografía y obras sobre papel, aunque incorporando todo tipo de soportes.

Un buen número de piezas nos plantean preguntas al propio arte y a su papel como activador de cuestionamientos individuales y políticos. ¿Cuál es el papel del arte en un mundo plagado de imágenes? ¿Qué sentido tiene trabajar en arte en un momento como el actual? … Entre los creadores que componen esta exposición están: Ignasi Aballí, Gabriel Acevedo Velarde, Lara Almárcegui, Alexander Apóstol, Txomin Badiola, José Manuel Ballester, Antonio Ballester Moreno, Guy Ben-Ner, Karmelo Bermejo, Darya Von Berner, Bestué/Vives, Cabello/Carceller, Daniel Canogar, Dias & Riedweg, Elmgreen & Draagset, Patricia Esquivias, Gunther Förg, Philip Fröhlich, Dora García, Alberto García-Alix, David Goldblatt, Candida Höfer, Pello Irazu, Joachim Koester, Annika Larsson, Cristina Lucas, David Maljkovik, Teresa Margolles, Mateo Maté, Antoni Miralda, Vik Muniz, Juan Muñoz, El Perro, Sergio Prego, MP & MP Rosado, Thomas Ruff, Fernando Sánchez Castillo, Santiago Sierra, Carolina Silva, Juan Ugalde y Darío Urzay.  Se podrá visitar hasta el 24 de Abril. La entrada es gratuita al centro y a todas sus actividades. Su dirección: CA2M Centro de Arte Dos de Mayo. (Av. Constitución 23 -Móstoles, Madrid).

Y siguiendo en Madrid recomendaros a un grupo de buenos artistas y creadores, me refiero al grupo Arcadia, que está configurado por un reducido grupo de artistas multidisciplinares, dando cabida a pintores, fotógrafos, y escultores que con sus diversas corrientes artísticas interactúan presentando una exposición llena de matices y tendencias. Los artistas participantes en pintura son: Alberto S.J. “Nadroj”, Javier Vidal, Marina Urbina, Manuel Parra, Pepe Linares y Vicente Heca. En fotografía José Antonio Minuesa y en escultura Manuel Mata. Esta muestra colectiva se podrá contemplar hasta el 30 de Enero en las direcciones: carretera Colmenar Viejo, 13, Fuencarral-El Pardo-Madrid y en C.C. Montecarmelo, Av. Santuario Valverde, 77. Espero les guste.

Si tenéis la oportunidad de estar o poder viajar a Cáceres, os recomiendo que no os perdáis  una visita al ATENEO DE CACERES  donde la gran artista  Charlie Pujol (una de las fundadoras de la Asociación Cultural THE CAVER ART) lleva a cabo la exposición “COLUMNAS VERTEBRALES & PRECIPICIOS EMOCIONALES” con obras de gran formato. En la que desea, según sus palabras: “…sea un motor-reactor capaz de inducir a las mentes a tomar esta postura, esta iniciativa por cambiar el destino de la Democracia, La Libertad de Expresión y los Derechos Humanos, tan amenazados y en peligro de extinción… siendo esto una tarea individual, intrínseca a la propia conciencia, reflexión, observación y compromiso por la Humanidad”. Hasta finales de Enero.

Para terminar, bajamos al sur hasta Granada para dar algunas felicitaciones. La primera, a la Fundación José Guerrero de Granada, que después de diversos acuerdos, por fin  se queda en Granada. Un buen acuerdo al que han llegado entre la Junta de Andalucía, la Diputación de Granada y los herederos de Guerrero, que permite que la obra de Guerrero se quede en el centro que lleva su nombre, así lo expresó  María José Sánchez, delegada del Gobierno andaluz en Granada. La delegada ha considerado que el Ayuntamiento de Granada, dada la “gran preocupación” que ha mostrado ante la posibilidad de que las obras abandonaran la ciudad, querrá ahora “participar activa y económicamente” en la futura fundación.

Otra felicitación  es   a  la magnífica exposición que conmemora el centenario del nacimiento de Luis Rosales en el  crucero del Hospital Real de la Universidad de Granada bajo el título “El contenido del corazón”, en donde me encontré a unos de sus responsables el Sr. D. Ricardo Anguita Cantero, director del Centro de Cultura  Contemporánea, con quien departí  amablemente una explicación sobre la exposición dándole mi enhorabuena por la buena organización y contenido de esta didáctica exposición, que creo es un buen ejemplo a seguir. La exposición está organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, la Casa Encendida de Obra Social de Caja Madrid y el Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada. El visitante podrá contemplar en ella tanto, numerosos documentos pertenecientes al Legado Rosales del   Archivo Histórico Nacional, que conforman el contenido dedicado a su vida y creación literaria, como una gran muestra del panorama artístico español que acompañó la vida del poeta granadino. Pablo Picasso, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Joan Miró, Benjamín Palencia, Rafael Zabaleta, Gerardo Rueda, Josep Guinovart o Lucio Muñoz son, entre otros, los creadores presentes en la exposición.

Y mi última felicitación se va  a Córdoba y  es para el Centro Documental de Arte y Arquitectura Contemporánea Pepe Espaliú, que se inauguró hace unos meses en esta capital, y que  expone de manera permanente medio centenar de obras que recorren todas las etapas creativas de este artista contemporáneo con una fuerte vertiente conceptual. Hasta ahora, las obras de este artista, nacido en Córdoba en 1955 y fallecido en 1993, sólo se podían ver en el Museo Reina Sofía de Madrid y en la galería Tate Modern de Londres, donde recientemente se presentó un ejemplar de la primera edición en inglés del catálogo más completo de la obra del artista, así que a partir de ahora se podrán disfrutar en su tierra natal.

El grueso de los fondos del museo procede de una venta que realizó el padre del artista a la empresa municipal de Vivienda de Córdoba SA (VIMCORSA).Se trata de 32 obras adquiridas por 240.000 euros, una cantidad por debajo del precio del mercado, que recoge doce pinturas, nueve dibujos y once esculturas realizadas entre 1986 y 1993. Además, donó el archivo personal de Pepe Espaliú (documentos, cartas, fotografías, vídeos…), incluyendo también once libretas de apuntes y bocetos. De este archivo personal, el centro muestra tres vídeos que recogen otras tantas performances: una de ellas, “El nido”, realizado en Arnhem (Holanda) en el verano de 1993 y que durante 15 minutos presenta al artista desnudándose alrededor de una plataforma elevada. Fue su última creación artística. El hermano de Pepe Espaliú, Manuel, ha agradecido la “magnífica labor” realizada en el centro, que intenta “dar una visión general” del artista que, sobre todo, fue “muy reivindicativo contra la marginación que sufrían los enfermos de sida”.

Yo  tuve la oportunidad de conocer a Pepe Espaliú  en un momento  dado de mi vida, cuando todavía  Pepe no era el grandísimo artista que llegaría a ser, y además el mismo no comentaba mucho su actividad creadora. Él se interesaba por la pintura que yo hacia en ese momento, que era un expresionismo figurativo y hablábamos sobre ello. A veces se venía a un trastero del piso de mis padres, enfrente de la calle Cruz Conde, donde yo tenía mi pequeño taller de pintura  y hablábamos de todo, yo siempre le escuchaba con admiración, pero sin imaginarme  el extraordinario artista que llegaría a ser con el tiempo. Tenía con él  una amistad rara, intima e intermitente, fuera del circuito de amistades que componían su círculo de amigos. Lo  recuerdo casi siempre con una chaqueta de cuero,  de vez en cuando comía en casa de mis padres, ya que más de una vez se  quejaba afectuosamente de las comidas noruegas que comía en su casa. Coincidíamos casi siempre en Navidades o en días de fiestas en Córdoba,  la última  vez que hablé con él fue por teléfono, en navidad ,poco antes de su fallecimiento,  yo hacía bastante tiempo que no lo veía, pero   recordamos  viejos  tiempos  y afectuosamente nos despedimos, A pesar de que, yo reiteradamente  insistía en visitarlo , pues sabia que estaba  muy mal,   él me ponía excusas “quizás mas adelante”. Es muy doloroso perder a un amigo. Creo que visitar el Centro de Arte Pepe Espaliu  de Córdoba, no sólo va a ser estimulante para cualquier amante del arte sino, que además,  es el mejor homenaje que se le puede hacer a este extraordinario artista.

Afortunadamente a todas las almas sensibles les recomiendo que  entren en las galerías de arte o en los museos, que se refugien  en la contemplación de alguna obra de arte que, seguro, alguna habrá que le motive. Estoy convencido que se van a encontrar mejor y casi seguro que, de alguna manera, me lo van a agradecer.

Quiero recordar y dejar claro que  mis humildes recomendaciones y opiniones sobre arte, a pesar de tener unos estudios, una trayectoria, de haber viajado mucho… que me pueden avalar, no pueden abarcar todas las manifestaciones artísticas que se hacen a lo largo y ancho de este país  y comentarlas, es por esto  que no  intento convencer a nadie de nada, sólo recomendar aquello que creo que según el momento es lo más interesante.
Así pues, empiezo por recomendar esa grandiosa exposición en el Museo Nacional del Prado sobre uno de los grandes maestros del impresionismo como es Renoir, titulada “Pasión por Renoir”. Son 31 pinturas, cedidas, de la colección del Sterling and Francine Clark Art Institute  (Williamstown, Massachusetts, EEUU). Es la primera muestra monográfica que se celebra en España dedicada a uno de los más  sobresalientes  maestros del impresionismo. Para Javier Barón, jefe de Pintura del Siglo XIX del Prado y comisario de la exposición, Renoir es uno de los artistas más destacados del Impresionismo. Renoir fue, sobre todo, pintor de la figura femenina, “quizá el género más interesante de los que cultivo”, según Barón, quien comentó la fascinación por las muchachas de las que muestra una sensualidad cálida, como en “Palco en el teatro”, uno de los cuadros “más importantes de esta colección”. Se podrá ver esta muestra hasta el 6 de febrero de 2011.
También  en el Museo del Prado, desde el 5 de  noviembre de 2010 al   23 enero 2011, en la sala A y B del edificio de los Jerónimos, no se deben perder otra de las grandes exposiciones  antológicas  dedicada, en este caso, a Peter Paul  Rubens, o, si prefieren,  el pintor flamenco  Pedro Pablo Rubens (1577–1640), el pintor más admirado de su época en Europa.  Famoso por sus escenas alegóricas, sus composiciones de un recargado barroquismo y sus mujeres de hermosas carnes blancas. La componen  alrededor de un centenar de piezas que conforman una muestra en la que podrán disfrutarse algunas de sus piezas más renombradas, como su excepcional San Jorge, las icónicas y celebérrimas Tres Gracias, o cualquiera de sus múltiples obras de corte mitológico, tan sensualistas como, en ocasiones, desgarradoras.   En definitiva,  piezas maestras del que fue el pintor favorito de Felipe IV hasta su muerte, y uno de los grandes genios de la pintura de todos los tiempos, que ejemplifican un muestrario de los diversos géneros abordados por Rubens.

Otra agradable sorpresa, también en Madrid,  nos la da, la exposición “Jardines impresionistas”, que se puede ver en el Museo Thyssen y en la Fundación Caja Madrid  desde el 16 de noviembre al 13 de febrero de 2011.Son unas 140 obras maestras de la pintura  que estarán repartidas entre el Museo Thyssen y  la Fundación Caja Madrid, en esta última la entrada es gratuita.  Se trata de un vasto recorrido por el tema del jardín en la pintura desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX. La muestra incluye una amplia representación de la pintura impresionista, con obras maestras de Manet, Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, Caillebotte o Berthe Morisot, y también de algunos precursores del impresionismo, como Delacroix y Corot, y de grandes pintores de la generación siguiente, como Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Klimt, Munch y Nolde, entre muchos otros nombres. No se la pierdan.
Dejamos Madrid, y para quien quiera disfrutar de la cultura, exotismo y misterio en el arte, les recomiendo, en Barcelona, la exposición titulada  “Rutas de Arabia”, en la Obra Social de  la Caixa-Forum. La muestra nos enseñará   la riqueza de Oriente a través de una selección compuesta por unas 300 piezas, muchas de las cuales no habían salido nunca de sus países de origen, y que son un tesoro arqueológico, que nos permitirá conocer, más de cerca, una civilización “dinámica y original”, que ha sabido sacar provecho de su condición de tierra de paso entre rutas dando origen a diferentes e interesantes culturas. Se podrá visitar desde el 13 de noviembre de 2010 hasta el 20 de febrero de 2011.
Seguimos en Barcelona donde tenemos  otra curiosa exposición, esta vez en   el Museo Nacional de Arte de Cataluña, que con el título: “Joyas de artista. Del modernismo a las vanguardias” recoge, así, un tema poco tratado,  donde hay que tener en cuenta que en pleno siglo XX, y, sobre todo, tiempo después de haber superado los artistas las limitaciones en la aceptación del oficio, lo multidisciplinar  va a recuperar su espacio. Comenzando por un modernismo integrador y lúdico, hasta los movimientos de ruptura posteriores. La mezcla va a ser un elemento común, materiales, géneros y disciplinas se podrán encontrar relacionados.  Aquí nos encontraremos con la joyería, faceta desconocida de grandes del arte como Braque, Picasso, Rodin, Max Ernst, Calder, Gargallo o Léger, creadores de exquisitas piezas que ahora pueden verse expuestas en el MNAC (Barcelona, España).Es una muestra compuesta por alrededor de 300 obras procedentes de instituciones de todo el mundo, del 27 de Octubre de 2010 al 13 de Febrero de 2011.

Y cambiando de escenario, concretamente en  Extremadura, nos encontramos con una curiosa exposición  que  une la  cultura extremeña y portuguesa con el nombre: “Artistas plásticos de la raya IV”. Es una  muestra  que está compuesta por veintidós obras de diez artistas, cuatro portugueses y seis extremeños, todos ellos con una extensa trayectoria artística que coinciden en la definición de las artes plásticas como un lenguaje sin fronteras, y como un medio de expresión universal. A través de pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones, la muestra ofrece una gran variedad de aplicaciones materiales de diversas técnicas, así como diferentes lenguajes y conceptos a los que dan vida: el aire, la tierra y el agua, separadas únicamente por una frontera política, no natural, y que son la fuente de inspiración de estos creadores. La muestra podrá ser visitada desde el 14 de noviembre en la Sala de Exposiciones Temporales de las Casa Mudéjar en Badajoz.

Dejamos  Extremadura y nos vamos a  Andalucía, en donde sería imperdonable no visitar la exposición de  “Matisse y la Alhambra (1910-2010)”, exposición que está teniendo una gran acogida, y que se puede ver  en el Museo de Bellas Artes de Granada. Está comisariada por  María del Villafranca, quién es directora del Patronato de la Alhambra y el Generalife,   junto al catedrático Francisco Jarauta. La componen más de un centenar de piezas, entre las que se encuentran 50 obras de Matisse que incluyen óleos, dibujos, litografías, una cerámica y una escultura; 60 piezas de arte islámico de extraordinario valor artístico como cerámicas, cristales, bronces, tapices, miniaturas, celosías y objetos de madera; cartas, postales y fotografías personales del pintor francés, procedentes de los archivos Matisse en Issy-Le-Molineau, y otros objetos de contexto como tejidos que coleccionó a lo largo de su vida (mantones de manila, telas hispanomusulmanas y tapices de la Alpujarra). Todo ello refleja el entusiasmo de este artista-viajero por el mundo oriental.

La entrada a la exposición es totalmente gratuita, y cuenta con visitas guiadas, muy recomendadas para  escolares y personas en general. Se podrá visitar hasta el próximo 28 de febrero de 2011.

José María Córdoba

En Fuengirola (Málaga), destacar la exposición de mi amigo y magnífico artista José María Córdoba,  artista plástico -pintor, dibujante, grabador, escultor- nacido en Córdoba en 1950 y residente actualmente en Fuengirola ,  que con el titulo de “Mixturas de Traversi a hokusar”, está teniendo una gran acogida en la Casa de la Cultura de esta bella localidad.  José María Córdoba es un artista  de una gran trayectoria profesional, que ha realizado más de 50 exposiciones individuales y colectivas, estando su obra distribuída en numerosas colecciones particulares y públicas. Como artista de espacios urbanos, puede contemplarse su obra en Málaga (Hans Christian Andersen, Colegio de Arquitectos),Fuengirola (La Rosa de los Vientos, El Bosque del Arco Iris) o Torremolinos (Plaza Castillo del Vigía).Se podrá visitar hasta el 19 de Noviembre.

Y otra exposición de otro gran artista y compañero. Me refiero a  Miguel Soler (Sevilla,  1975 es la titulada “Océano digital, Travesía por incertidumbres” en la Sala Puertanueva , en Córdoba. Es un   proyecto, dadas  sus características de interculturalidad y de cooperación entre agentes internacionales, por su vertiente didáctica y favorecedora del conocimiento de las nuevas tecnologías, que está incluido en el programa “en clave 16”, como una de las actividades prioritarias por la que Córdoba es candidata a ser capital europea de la cultura en 2016. Se podrá ver hasta 14 de noviembre de 2010.

Obra de Miguel Soler

Y para terminar, comentar la  pasada Expo-gay que se  celebro a mediados de Octubre en el palacio de Congresos y Exposiciones de Torremolinos (Málaga), que ha contado, además, con un Festival Internacional de cine, inaugurado con la presencia de la gran actriz italiana Claudia Cardinale, como madrina del evento. Allí nos encontramos con el director de cine malagueño Rafatal, quien nos hablo de sus próximos proyectos…

Creo ha sido todo un acierto este Festival,  siempre muy animado  con   muchísima asistencia  de publico y que se volverá a hacer el año que viene.
También ha habido representaciones de galerías de arte, como es el caso de la galería  catalana Disseny, que tiene como directora a una magnífica artista, guapa y simpática, como es  Patricia Muñoz.

El escultor Laureano Gisca en su Stand con José Manuel Velasco

Finalmente, otro artista que me ha sorprendido, con un Stand propio en la Feria, promocionando su obra,  es el escultor Laureano Gisca.  Yo, ya conocía su trabajo pero no a él personalmente y que creo es un extraordinario creativo, que además lleva  una impecable trayectoria profesional y del cual ya hablaremos mas adelante, con motivo de alguna próxima exposición.

The GreenHouse Experience es un proyecto que gira entorno a los conceptos de sostenibilidad social y energética. Localizado en el citado barrio de Pantin, al norte de París, el proyecto se enfrenta a unas condiciones climáticas continentales de inviernos fríos y veranos cálidos. El edificio es un antiguo almacén industrial formado por dos volúmenes paralelepípedos de grandes dimensiones unidos entre ellos por pasarelas a distintos niveles.

Partiendo de la base de que el único edificio realmente sostenible es aquel que no existe, se planteó una actuación sin ánimo de grandes alardes sino más bien de “quitar” y “poner” donde fuera preciso para, de este modo, sacar el máximo rendimiento al edificio en términos de aprovechamiento por parte de la comunidad y de autoabastecimiento energético. La inclusión de un gran número de usos y un proceso proyectual basado en la creación y conservación de la energía han sido las premisas auto-impuestas que han dado forma a la propuesta.

La optimización energética ha sido, también, abarcada desde dos puntos de vista diferentes. La primera acción consiste en la sustracción de materia, creando así patios escalonados interiores que dotan al edificio de unas condiciones lumínicas óptimas. La segunda se centra en la envolvente exterior, la piel del edificio que lo relaciona con su entorno y que se manifiesta cerrada y aislada en distintos grados dependiendo de la exposición (orientación y condiciones externas) a la que esté dando respuesta para, de este modo, lograr unas condiciones térmicas adecuadas.

La relación de la epidermis con el interior se realiza bien mediante un lazo convectivo desarrollado gracias a los diferenciales de temperatura derivados de la exposición sur, o bien mediante conducción dejando “respirar” a los muros el calor almacenado durante el día. Por último se dispone del suficiente aislamiento para, una vez se han alcanzado las condiciones óptimas, conservarlas y propiciar el desarrollo de las distintas actividades propuestas en el proyecto.

Carlos Franco Cienfuegos

Fabio Rivas Zorrilla

Francisco Rojas Rivadulla

La ciudad de Cáceres es Patrimonio Cultural de la UNESCO y candidata a Capital Europea de la Cultura 2016. Con el arte contemporáneo del nuevo Centro, Cáceres ha dado otro salto hacia el futuro. También se convertirá en referencia internacional del arte contemporáneo. Yo, además, os aconsejo una visita en profundidad pues aparte de la cultura, la gastronomía… es una ciudad de fuerte tradición universitaria y la diversión está plenamente asegurada.

Una vez hecha esta introducción y para aquellos que les guste la escultura, en la Fundación Museo Jorge Oteiza de Navarra se puede ver “Forma, signo y realidad. Pasajes de Escultura Moderna española (1900-1935)” que recoge las obras de aquellos artistas cuyos trabajos sentaron las bases para la renovación del arte español. Está comisariada por Carmen Fernández Aparicio, jefa de escultura del Museo Reina Sofía.

De Navarra nos vamos a la capital del reino, o sea Madrid, para recomendar algo poco usual como es un “film installatión” del artista Roman Signer en el Matadero de Madrid (Paseo de la Chopera 14). En esta exposición se muestra una selección de 10 películas en 16 mm que realizó en las décadas de los 70 y los 80. Roman Signer nació en 1938 y es uno de los más importantes artistas suizos. Su trabajo tiene un carácter experimental, con una simplicidad desconcertante, un imaginario que oscila entre la sensación de absurdo, violencia y melancolía, pero de donde, a la vez, emana una energía inocente y un sorprendente humor. Creo os lo pasareis bien.

En el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid se podrá visitar, desde el 16 de junio al 4 de octubre en el Espacio Uno de la primera planta del edificio Sabatini , la muestra: “Nuevos realismos: 1957-1962”, que recoge diversas instalaciones, obra gráfica, esculturas y pinturas, además de una selección de material documental que reúne escritos, fotografías, libros, y prensa de la época. Está comisariada por Julia Robinson que ha reunido obras de: Robert Rauschenberg, Yves Klein, Allan Kaprow, Martial Raysse, Christo, Piero Manzoni, Jean Tinguely y Andy Warhol, entre otros artistas y pone de manifiesto el peso y el papel catalizador que jugaron todos ellos en un periodo muy concreto de la historia del arte en la década de los sesenta.

En el Museo Casa de la Moneda en Madrid expone el gran artista Eduardo Naranjo su “Génesis de una tauromaquia”, muestra inspirada en la serie de grabados sobre la lidia taurina que el pintor realizó en 2008. Eduardo Naranjo es uno de los pintores hiperrealista más destacados del panorama nacional. Tauromaquia consta de 10 grabados en los que se representan distintos momentos de la lidia taurina a través de los cuales Naranjo plasma su visión personal de la fiesta nacional. Se podrá ver del 27 de mayo al 29 de agosto.

Naturalezas

Y en la galeria Centro de Arte Moderno de Madrid (c/Galileo,52), se puede ver la obra de dos magníficos artistas como son Rufino de Mingo y Emilio Morales quienes presentan la exposición “Naturalezas”, pinturas y esculturas llenas de sentimiento y expresividad.

Nos vamos al sur para recomendar en la Casa Natal de Picasso, en Málaga, la exposición “Solana en las colecciones MAPFRE”, se exhibirá hasta el 10 de octubre y está compuesta por seis óleos sobre lienzo y una treintena de grabados y litografías. José Gutiérrez Solana (1886-1945), personaje extraño, muy estrafalario, absolutamente disparatado y un poco moderno, a su pesar, perteneciente a esa España negra y dramática. Figuración muy extraña y muy particular, pero con un estilo muy propio.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la exposición individual más importante realizada hasta el momento en España por Jonathan Meese (Tokio, 1970). Son pinturas de gran formato que tienen una gran fuerza, están realizadas con una gran resolución y poder. El CAC Málaga, a través de la particular visión del mundo de Meese, invita a los ciudadanos a unirse al numeroso grupo de seguidores de este revolucionario artista que no dejará indiferente a nadie. Se podrá ver hasta el 20 junio.

Y ahora dos felicitaciones, la primera para el escultor estadounidense Richard Serra, de padre español, nació en San Francisco (EEUU) en 1939, que ha sido galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2010.Richard Serra está considerado uno de los escultores más relevantes de la vanguardia de la segunda mitad del siglo XX por su innovadora visión, al integrar los espacios urbanos a través de una obra que invita a la reflexión. Autor de obras minimalistas y de esculturas de gran tamaño diseñadas para lugares concretos, su técnica se sirve de materiales industriales como el plomo, el acero o el hormigón. En España se expone su obra en el Museo Reina Sofía de Madrid, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y en el Guggenheim de Bilbao, donde se ubica la obra La Serpiente una obra que el propio autor entiende como la más importante de su carrera. Y ya que comentamos el Museo Guggenheim de Bilbao, decir que ha organizado una muestra a Henri Rousseau (Francia, 1884 – 1910) coincidiendo con el centenario de su fallecimiento. Esta exposición “desvela la relevancia que este artista francés tuvo como uno de los principales precursores del arte moderno”.

La otra felicitación es para la artista Doris Salcedo (Bogotá, 1958), por ese merecido Premio Velázquez de Artes Plásticas 2010, concedido por “la madurez de su trayectoria” y la “calidad” de su obra. Reconocida como una de las artistas más importantes del panorama internacional, se convirtió el pasado 5 de mayo en la primera mujer distinguida con este galardón, instituido en 2002 y dotado con 125.000 euros El Premio Velásquez es un galardón que pretende convertirse en el Cervantes de las artes plásticas, A esta entrega asistieron además del príncipe Felipe y la princesa Letizia, la ministra española de Cultura, Ángeles González-Sinde, así como personalidades del mundo del arte. Mi enhorabuena.

Y ahora dar un pésame por la muerte de la gran artista Louise Bourgeois, considerada un icono del arte actual. Falleció en su domicilio de Nueva York, a los 98 años de edad. Aunque nacida en Francia, Bourgeois se mudó a Nueva York en 1938 tras contraer matrimonio con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater. Desde que en 1982 el Museum of Modern Art de Nueva York (MOMA) le dedicara una retrospectiva, siendo la primera vez que abría sus salas a una artista mujer, pasó a ser considerada uno de los “maestros” del arte del siglo XX, a la altura de Marcel Duchamp o Mark Rothko, con los que mantuvo una estrecha amistad. En España tenemos obras de ella como es “Mamá” de 1999, en la que se retrotrae a su infancia y aborda el tema de la maternidad, está instalada junto a la fachada posterior del Museo Guggenheim de Bilbao, o la muy conocida como “Araña”que posee también el Guggenheim de Bilbao. Descanse en Paz.

Para terminar comentar el éxito extraordinario del “Flag Festival”, en Seúl-Corea del Sur, exposición internacional de banderas en donde han participado 150 artistas internacionales ,destacando de España a la gran artista Mónica Sarmiento, Emilio Morales o el que os escribe.

Un abrazo amigos.

Junio-2010

En las salas de la exposición podemos observar tanto figuras exentas como vasos plásticos (palabra que proviene del griego plastikos que viene a significar moldeable) y, personalmente, debo admitir que me han sorprendido tanto la sutil belleza de muchas piezas como su realismo. Instrumentos musicales, peinados, guirnaldas, máscaras, juguetes, azadas, mazos, cuchillos, vestimenta etc cada tanagra es una pequeña puerta a la vida cotidiana de la Grecia clásica y uno no puede evitar sonreirse y sorprenderse ante la evidencia de que aquellos griegos de antaño no eran sólo guerreros, reyes y filósofos. Se trataba de gente normal y su día a día, salvando las distancias, no difería tanto del nuestro: en sus ciudades había niños que jugaban por las calles, mujeres que lucían hermosos peinados, muchachos que aprendían a escribir, carniceros y pescadores que vendían sus productos, perros con sus cachorros que vagaban al azar, maestros que enseñaban… En varias de las figuras todavía es posible reconocer la policromía y es que, igual que otros muchos elementos del arte griego, las figuras estaba pintadas con vivos colores que las hacían aún más atractivas. Mención especial desde mi punto de vista merecen las tanagras de los actores, en las que podemos observar claramente, no sólo los trajes y túnicas que portaban en el escenario, sino también las inquietantes máscaras que portaban. Sin embargo la figura que más me ha llamado la atención, y en la que me he detenido un buen rato, ha sido la llamada bailarina de Titeux (foto izquierda) que, con su rostro apenas insinuado, ofrece una sensación de vitalidad y movimiento que realmente hipnotiza.

Por último y como curiosidad técnica señalar que, en algunos de los paneles explicativos que se encuentran distribuidos por las salas, se ofrece una breve reseña de cómo fue y en qué consistió el proceso de restauración y datación de las tanagras ya que, muchas de estas figuras fueron saqueadas desde que se descubrieron, en el último tercio del siglo XIX, y se pusieron de moda entre la alta sociedad europea que las compraba compulsivamente, alimentando sin rigor un buen número de colecciones privadas, hasta que el Louvre y otros museos comenzaron a reunirlas; aquel saqueo hizo que muchas piezas quedaran descontextualizadas y hasta la aparición de los modernos sistemas químicos de datación no fue posible ubicarlas en el tiempo exacto en que se fabricaron siendo posible, entre otras cosas, reunir grupos que habían sido disgregados.